Всем известно, что именно Италия была сердцем всего периода Возрождения. Великие мастера слова, кисти и философской мысли появлялись в каждый из Культура в Италии демонстрирует зарождение традиций, которые будут развиваться в последующие века, этот период стал точкой отсчета, началом великой эпохи развития творчества в Европе.

Кратко о главном

Искусство Раннего Возрождения в Италии охватывает период приблизительно с 1420 до 1500 года, предшествуя и завершая Проторенессанс. Как и для любого переходного периода, для этих восьмидесяти лет характерно и идей, которые предшествовали, и новых, которые, тем не менее, заимствованы из далекого прошлого, из классики. Постепенно творцы избавлялись от средневековых концепций, переводя свое внимание на античное искусство.

Однако несмотря на то, что по большей части они стремились вернуться к идеалам забытого искусства, как в общем, так и частном все же древние традиции сплетались с новыми, но в намного меньшей степени.

Архитектура Италии во время Раннего Возрождения

Главное имя в архитектуре этого периода - это, конечно же, Филиппо Брунеллески. Он стал олицетворением ренессансной архитектуры, органично воплощая свои замыслы, он сумел превратить проекты в нечто завораживающее, и, кстати, до сих пор его шедевры тщательно оберегаются уже на протяжении многих поколений. Одним из его главных творческих достижений принято считать сооружения, расположенные в самом центре Флоренции, самые примечательные из которых купол - флорентийского собора Санта-Мария-дель-Фьоре и дворец Питти, ставшие точкой отсчета итальянской архитектуры Раннего Возрождения.

К другим важным достижениям итальянского Ренессанса относится также который находится около главной площади Венеции, дворцы в Риме руки Бернардо ди Лоренцо и другие. В этот период архитектура Италии стремится органично объединить черты средневековья и классики, стремясь к логике пропорций. Отличным примером этого утверждения можно назвать базилику Сан Лоренцо, опять же руки Филиппо Брунеллески. В других европейских странах Раннее Возрождение не оставило столь же ярких примеров.

Художники Раннего Возрождения

Итоги

Культура Раннего Возрождения в Италии хоть и стремится к одному и тому же - отобразить классику сквозь призму естественности, но творцы идут разными путями, оставляя свои имена в ренессансной культуре. Множество великих имен, гениальные шедевры и полное переосмысление не только художественной, но и философской культуры - все это принес нам период, предзнаменовавший другие этапы Возрождения, в которых устоявшиеся идеалы нашли свое продолжение.

Искусство Раннего итальянского Возрождения было представлено новой живописью, скульптурой и архитектурой. Первыми крупнейшими мастерами живописи были Джотто (1266--1337) и Мазаччо (1401--1428) -флорентийские художники. Они писали на церковно-религиозные сюжеты (фресковая живопись-роспись стен внутри храмов), но придавали своим изображениям реалистические черты. Джотто был первым художником, освободившим итальянскую живопись от влияния византийской иконописи.

Крупным скульптором этого периода был Донателло (1386- 1466). Крупнейшим архитектором Раннего Возрождения был Брунеллески (1377--1445). Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406--1469), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи. К концу XV в. принципы, формы, образы нового искусства стали достоянием всей Италии. Сложились основы новой системы жанров, был накоплен богатейший опыт художественного познания человека и окружающего его мира. Началось распространение воздействия нового итальянского искусства в других странах Европы. Этап Раннего Возрождения завершился, подготовив мощный подъем всех видов искусства в пору Высокого Возрождения.

БИЛЕТ №13

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинамивремён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452 - 1519), Микеланджело Буонаротти (1475 - 1564) и Рафаэль Санти (1483 - 1520).

Титаны ренессанса

Титаны итальянского Возрождения - это три вершины искусства: Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело. Почему мы называем их «титанами»? В античной мифологии титанами называли тех, кто осмелился бросить вызов богам, желая сравниться с богами в могуществе. Но олимпийские боги жестоко покарали гордецов и свергли их в тартар. Одним из титанов был Прометей, который тоже бросил вызов богам, чтобы помочь роду человеческому. Он подарил людям огонь, но сам стал жертвой мести богов: был прикован к скале, и коршун клевал его печень.
Титаны Возрождения, так же как античные полубоги, бросали вызов Небу. В отличие от средневекового представления о ничтожности человека, его слабости и греховности перед всесильным Богом, они утверждали величие человека, безграничность его возможностей и богатство дарований, причем не на. словах, а на деле, своим собственным примером. Трудно даже представить, сколько талантов вмещалось в одном человеке!
В Леонардо да Винчи совмещались таланты ученого (математика, механика, оптика, физика, биолога, анатома и т. д.), художника (рисовальщика, живописца, скульптора и архитектора), философа и писателя. Микеланджело был одновременно скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. Рафаэль, может быть, не был так многогранен, но его художественный дар был столь совершенным, что уже при жизни его называли Санти, то есть «божественный».
Взгляните на поздний автопортрет Леонардо. Мы видим человека, очень многое испытавшего в жизни. Волосы и борода струятся по лицу, придавая ему облик мудрого волхва, открывшего недоступные простому смертному тайны. Проницательный взгляд, уголки губ опущены, что выражает разочарованность. Приходят на память строки царя Соломона из книги «Екклезиаст» в Ветхом Завете: «Познание умножает скорбь». Леонардо да Винчи - это образ художника-мудреца. Его ученость стремится проникнуть во все уголки мира. Даже красоту он хочет познать и измерить с помощью циркуля и линейки. И это ему удается. Познание сокровенных тайн природы - вот в чем душа Леонардо.
Рафаэль - светлый гений, ангел Возрождения. Ему все давалось легко. Он не страдает, его ум не мечется в поисках истины. Истина сама ему открывается - в красоте, и он ее воплощает настолько совершенно, что никому не удалось с тех пор его превзойти. Рано, ушел из жизни этот светлый гений Возрождения. В 38 лет, почти как Пушкин. Его смерть была оплакана всем Римом. Вазари говорил, что такие люди, как Рафаэль, богато одаренные красотой и талантом, мягким характером, скромностью и грацией, - не люди, а смертные боги. Микеланджело - вот подлинный титан. Всегда в борении с собой, миром и Богом. Колоссальный порыв, вера в человека. Сам он говорил: «Еще не родился на свете человек, который, как я, был бы столь склонен любить людей». Микеланджело пережил взлет ренессансных идеалов и их трагическое крушение.
Появление таких замечательных личностей в культуре, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело, было не случайным. Оно свидетельствовало о глубоких переменах в отношении и к искусству в пелом, и к художнику в частности.
В Средние века личность художника была не важна. Создавая произведение искусства, мастер считал себя лишь инструментом в руках Божиих. Произведения не подписывались, так как считалось, что их подлинным автором является сам Бог.
Создателя произведений искусства не называли художником в том высоком смысле, который мы сегодня вкладываем в это слово. Иконописцы, строители соборов и т.п. считались просто ремесленниками. Эти воззрения сохранялись долго.
Когда Микеланджело решил стать скульптором, отец запрещал ему это, считая такую профессию недостойной славного рода Буонар-роти; он просто не видел разницы между скульптором и каменотесом.

БИЛЕТ №15

ВОЗРОЖДЕНИЕ СЕВЕРНОЕ Cеверное Возрождение -- термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающем -- во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп.

Принятое в современной искусствоведческой науке обозначение периода в культурном и идейном развитии стран, лежащих к северу от Италии (главным образом Нидерландов, Германии и Франции 1-й трети 15-16 вв.; для отдельных стран существует собственная периодизация), переходного от средневековой культуры к культуре нового времени. В отличие от итальянского Возрождения (см. ВОЗРОЖДЕНИЕ (Ренессанс)), для Северного Возрождения характерны большая стойкость средневековых традиций, интерес к индивидуальной неповторимости человека и его окружению (в т. ч. к интерьеру, натюрморту, пейзажу). Крупнейшие представители Северного Возрождения: Ван Эйк (см. ВАН ЭЙК), Х. Босх (см. БОСХ Иероним), П. Брейгель Старший (см. БРЕЙГЕЛЬ Питер Старший) - в Нидерландах; А. Дюрер (см. ДЮРЕР Альбрехт), М. Нитхард (см. НИТХАРДТ Матис), Л. Кранах Старший (см. КРАНАХ Лукас Старший), Х. Хольбейн Младший (см. ХОЛЬБЕЙН Ханс Младший) - в Германии; Ж. Фуке(см. ФУКЕ Жан), Ф. Клуэ (см. КЛУЭ), Ж. Гужон (см. ГУЖОН Жан) - во Франции.

Архитектура 17 в Лоренцо Бернини (1598-1680) - стал проводником официальной линии римских пап в искусстве периода барокко, позиционировал себя как универсального мастера, способного одинаково плодотворно заниматься живописью, архитектурой и скульптурой. Но он оказался слабым художником, а в архитектуре остался одаренным любителем, способным разработать идею, программу произведения, бросая все хлопоты по расчетам, инженерному обеспечению и реальному воплощению на многочисленную армию скульпторов и архитекторов-помощников собственной римской мастерской. Себе он оставлял огромные гонорары и славу.

· Франческо Борромини (1599-1667) - занимался только архитектурой. Он - виртуозный архитектор-практик и мастер чертежей, которыми он плодотворно занимался еще в Милане. Чертежи Борромини не имели себе равных по профессиональному совершенству в Италии 17 века. Вытесненный на обочину архитектурной практики в Риме, он становится архитектором монашеских орденов. Поэтому его творчество - неоправданно скромное. Но значительная художественная ценность и популярность произведений Боромини пересечет границы Италии и найдет настоящих продолжателей и потомков в творческих личностях, среди которых Николо Микетти (Константиновский дворец, Стрельна, Российская империя) или Ян Блажей Сантини Айхл (Чехия).

·

План церкви Сант-Иво алла Сапиенца

·

Двор Сант-Иво алла Сапиенца

Сант-Иво, старинная гравюра 1695 г.

Композиция дворца и церкви Сант-Иво.

Итальянский сад барокко

Вилла Альдобрандини.

Барочный сад итальянского типа - логическое продолжение сада эпохи Возрождения. Сады Возрождения были еще небольшие по размерам, лишенные великолепия. Использовали фонтан со скульптурой, скамьи, горшки с лимонными деревьями. Над всем доминировал дворец или вилла. Террасы ещё не подчинены единому художественному замыслу, друг другу и дворцу. Теснота застройки в городских крепостных стенах не позволяла создавать сады в городах, и они возникают на окраинах (сады Боболи во Флоренции) или в сельской местности.

Искусство Италии в 18 в

[править]Позднее барокко

Барокко, родившееся и вызревшее в Италии, задержалось в национальном искусстве дольше, чем в других европейских странах. Понемногу в нём идет накопление кризисных черт и усталости. Уже в произведениях Карло Маратта (1625-1713) барочная живопись теряет достоинство, правдивость, которые вытесняют бравурность и неискренняя патетика. Исследователь Дж. Арган с горечью заметил: «Его живопись на службе у властителей символизирует банальные вещи, прикрываясь авторитетом Рафаэля и Тициана». Но барочная живопись Италии еще не теряла способности обновляться и рассказывать о природе, истории и мире человеческих чувств как в произведениях провинциальных мастеров (Креспи, Витторе Гисланди), так и в декоративной живописи (Джованни Баттиста Тьеполо) . Затихающее барокко надолго удержит свои позиции и в театрально-декорационной искусстве Италии и многих европейских стран (Андреа Поццо, Фердинандо Бибиена, Джузеппе Валериани).

Но центр художественных поисков в Европе окончательно уходит во Францию.

·

Креспи. СивиллаКумская, Эней и перевозчик Харон , 1705 г.

Джакомо Черути. «Трое нищих», 1736 г.

Лоренцо Тьеполо. Портрет Цецилии Гварди

·

Витторе Гисланди. Юный художник , 1732 г.

БИЛЕТ №17

Караваджо и караваджизм

Караваджо (Caravaggio; собственно Меризи да Караваджо, Merisi da Caravaggio) Микеланджело (28.9.1573, Караваджо, Ломбардия, - 18.7.1610, Порто-Эрколе, Тоскана), итальянский живописец. Основоположник реалистического направления в европейской живописи 17 в.

Учился в Милане (1584-88) у С. Петерцано. Между 1589 и 1593 приехал в Рим, где работал до 1606, затем - в Неаполе (1607 и 1609-10), на острове Мальта и в Сицилии (1608-09). Творчество К., не принадлежавшего к какой-либо определённой художественной школе, возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца 16 - начала 17 вв. (маньеризму и академизму).

Ранние произведения К. (между 1592 и 1598), с их звонким колоритом и прозрачной светотенью, обнаруживают связь с традициями североитальянской живописи 16 в. (Дж. Савольдо, Л. Лотто, А. Моретто и др.). Вместе с тем уже в них появляется ряд существенно новых черт. Принципу идеализации образа К. противопоставляет индивидуальную выразительность конкретной модели («Маленький больной Вакх», Галерея Боргезе, Рим), аллегорическому истолкованию сюжета - непредвзятое изучение натуры в простом бытовом мотиве («Юноша с корзиной фруктов», Галерея Боргезе, Рим). Полемизируя с художественными концепциями маньеризма и академизма, К. воплощает в античном сюжете празднично-игровое, народное начало («Вакх», 1592-93, Галерея Уффици, Флоренция), приходит к отрицанию господствующей системы жанров и вносит вклад в создание новых видов живописи -- натюрморта («Корзина с фруктами», около 1596, Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра («Гадалка», Лувр, Париж). Религиозная картина получает у него новую, интимно-психологическую интерпретацию («Отдых на пути в Египет», Галерея Дориа-Памфили, Рим). К концу 1590-х гг. складывается оригинальная живописная система К. Ярко освещенный лучом света передний план картины выделяется на погруженном в густую тень фоне, чем достигается подчёркнутая оптическая наглядность изображения и создаётся впечатление его непосредственной близости к зрителю («Лютнист», Эрмитаж, Ленинград). Зрелые произведения К. (1599-1606) - это монументальные по композиционному решению полотна, обладающие исключительной драматической силой. Мощные контрасты света и тени, выразительная простота жестов, энергичная пластичная лепка и звучный, насыщенный колорит отражают эмоциональное напряжение, возникающее при неожиданном проявлении идеально-возвышенного в обыденной жизни людей или в моменты духовного противостояния человека враждебному ему окружению («Призвание апостола Матфея» и «Мучение апостола Матфея», 1599-1600, церковь Сан- Луиджи деи Франчези, «Распятие апостола Петра» и «Обращение Савла», 1600-01, церковь Санта-Мария дель Пополо, «Мадонна ди Лорето», около 1603-06, церковь Сант-Агостино, - все в Риме; «Положение во гроб», 1602-04 (см. илл.), Пинакотека, Ватикан; «Смерть Марии», около 1605-06, Лувр, Париж). Подчёркнутая простонародность типажа, решительность утверждения демократических художественных идеалов в картинах К. вызвали резкую оппозицию сторонников официального искусства. Ряд произведений художника был отвергнут заказчиками. В поздних работах К., созданных в годы скитаний по югу Италии (1606-10), дальнейшее развитие реалистических тенденций, расширение сферы охвата жизненных явлений («Семь деяний милосердия», 1607, церковь Пио Монте делла Мизерикордия, Неаполь) сопровождаются углублением трагизма мироощущения. Наряду с нотами скорбной отрешённости в них проявляется дух возвышенного стоицизма («Казнь Иоанна Крестителя», 1609, собор Сан-Джованни, Ла-Валлетта; «Погребение св. Лучии», 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракуза). К. обращается к теме одиночества людей в огромном мире, его привлекает образ тесно спаянного человеческого коллектива, объединённого атмосферой родственной близости и душевного тепла. Свет в поздних картинах К. становится мягким и вибрирующим, цветовая гамма тяготеет к тональному единству («Поклонение пастухов», 1609, Национальный музей, Мессина). Манера исполнения приобретает черты свободной импровизационности. Новаторское искусство К. нашло последователей в Италии и др. странах Европы, оказав влияние на сложение реалистические течении во многих европейских художественных школах (Караваджизм).

Караваджизм:

1) система художественных средств, характерная для начального этапа становления реализма в европейской живописи 17 в. и получившая наиболее яркое воплощение в творчестве итальянского живописца Караваджо. К. свойственны демократизм
художественного идеала, интерес к непосредственному воспроизведению натуры, повышенное чувство реальной предметности изображения, активная роль контрастов света и тени в живописном решении картины, стремление к монументализации жанровых мотивов. Обращение к приёмам К. было важной ступенью в творческом развитии многих ведущих мастеров 17 в. (П. П. Рубене, Рембрандт), хотя в ряде случаев оно и не являлось результатом прямого воздействия искусства Караваджо и его последователей (Ф. Рибальта, Д. Всласкес, Жорж де Латур).

2) Направление в европейской живописи 17 в., представленное последователями Караваджо. В Италии, где тенденции К. сохраняли своё значение до конца 17 в., они проникли во все значительные художественные центры и особенно сильно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя. Наиболее оригинальное и самостоятельное преломление наследие Караваджо получило в творчестве О. Борджанни, О. Джептилески, К. Сарачени, Дж. Б. Караччоло. У ряда мастеров К. выразился в поверхностном заимствовании формальных приёмов и сюжетных мотивов искусства Караваджо (работы Л. Спады, Б. Манфреди и др.). Среди зарубежных представителей К. наиболее значительны: в Голландии - Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст, Д. ван Бабюрен, во Фландрии - Т. Ромбаутс, А. Янсенс, во Франции - Ж. Валантен, С. Вуз, в Испании - Х. Рибера, в Германии - А. Эльсхеймер.

БИЛЕТ№ 18

Искусство Франции. Архитектура .Архитектура XVIII столетия во Франции традиционно разделяется на два периода, которым соответствуют два архитектурных стиля: в первой половине XVIII в. господствующее положение занимает рококо, во второй - неоклассицизм. Эти стили во всём противоположны друг другу, поэтому переход от рококо к неоклассицизму часто называют «бунтом».

Стиль рококо отошёл от строгих правил классицизма XVII в.; его мастеров больше привлекали чувственные, свободные формы. Архитектура рококо ещё сильнее, чем барокко, стремилась сделать очертания сооружений более динамичными, а их убранство - более декоративным, однако она отвергла торжественность барокко и его тесную связь с Католической Церковью.

Самого слова «неоклассицизм» в XVIII в. ещё не существовало. Критики и художники пользовались другими определениями - «истинный стиль» или «возрождение искусств». Интерес к античности в XVIII столетии приобрёл научный характер: археологи начали методические раскопки древних памятников, архитекторы стали делать точные обмеры и чертежи сохранившихся фрагментов и руин. Для неоклассицистов архитектура была способом переустройства мира. Появились утопические проекты, в которых воплощались идеалы эпохи Просвещения; позднее они получили название «говорящая архитектура».

АРХИТЕКТУРА РОКОКО

Рококо возникло в последние годы правления короля Людовика XIV (1643-1715 гг.), но в отличие от всех предшествовавших ему стилей французской архитектуры не было придворным искусством. Большинство построек рококо - это частные дома французской аристократии: богатые городские особняки (во Франции их называли «отелями») и загородные дворцы.

Как правило, высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая жизнь владельцев дома. Комнаты отелей часто имели криволинейные очертания; они не располагались анфиладой, как было принято в особняках XVII в., а образовывали очень изящные асимметричные композиции. В центре обычно помещался парадный зал, так называемый салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов эпохи классицизма, и с более низкими потолками. А окна в этих особняках делали очень большими, почти от пола. Интерьеры построек рококо были оформлены скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал.

Отель Субиз в Париже построен для принца де Субиза в 1705 - 1709 гг. по проекту Пьера Алексиса Деламера (1675-1745). Как и другие особняки, он отгорожен от прилегающих к нему улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами.

Билет №19

Архитектира и Искусство Испании 17 века Арабы принесли в испанское искусство развитую культуру орнамента и оставили ряд великолепных памятников архитектуры в мавританском стиле, среди них мечеть в Кордове (8 в.) и дворец Альгамбра в Гранаде (13-15 вв.). В 11-12 вв. на территории Испании развивается романский стиль в архитектуре, замечательным памятником которого является величественный собор в городе Сантьяго-де-Компостела. В 13 - первой половине 15 в. в Испании, как и во всей Западной Европе, формируется готический стиль. Испанская готика нередко заимствует мавританские черты, о чем свидетельствуют величественные соборы в Севилье, Бургосе и в Толедо (один из крупнейших в Европе). Особое художественное явление представляет собой т.н. стиль <мудехар>, сложившийся в результате слияния в архитектуре элементов готики, а позднее Ренессанса с мавританс Арабы принесли в испанское искусство развитую культуру орнамента и оставили ряд великолепных памятников архитектуры в мавританском стиле, среди них мечеть в Кордове (8 в.) и дворец Альгамбра в Гранаде (13-15 вв.). В 11-12 вв. на территории Испании развивается романский стиль в архитектуре, замечательным памятником которого является величественный собор в городе Сантьяго-де-Компостела. В 13 - первой половине 15 в. в Испании, как и во всей Западной Европе, формируется готический стиль. Испанская готика нередко заимствует мавританские черты, о чем свидетельствуют величественные соборы в Севилье, Бургосе и в Толедо (один из крупнейших в Европе). Особое художественное явление представляет собой т.н. стиль <мудехар>, сложившийся в результате слияния в архитектуре элементов готики, а позднее Ренессанса с мавританским наследием.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

В 16 в. под влиянием итальянского искусства в Испании складывается школа маньеризма: ее видными представителями были скульптор Алонсо Берругете (1490-1561), живописцы Луис де Моралес (ок. 1508-1586) и великий Эль Греко (1541-1614). Основоположниками искусства придворного портрета стали знаменитые живописцы Алонсо Санчес Коэльо (ок. 1531-1588) и его ученик Хуан Пантоха де ла Крус (1553-1608). В светской архитектуре 16 в. утвердился орнаментальный стиль <платереск>, сменившийся в конце столетия холодным стилем <эрререско>, образцом которого является монастырь-дворец Эскориал близ Мадрида, построенный в 1563-1584 как резиденция испанских королей.

<Золотым веком> испанской живописи называют 17 в., когда творили великие художники Хусепе Рибера (1588-1652), Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682), Франсиско Сурбаран (1598-1664) и Дьего де Сильва Веласкес (1599-1660). В архитектуре сдержанный <эрререско> во второй половине 17 в. сменяется избыточно декоративным стилем <чурригуреско>.

Период 18-19 вв. в целом охарактеризуется упадком испанского искусства, замкнутого в подражательном классицизме, а позднее в поверхностном костумбризме. На этом фоне особенно ярко выделяется творчество Франсиско Гойи (1746-1828).

Возрождение великой испанской традиции происходит в первой половине 20 в. Новые пути в мировом искусстве проложили оригинальный архитектор Антонио Гауди (1852-1926), которого называли <гением модерна>, зачинатель и яркий представитель сюрреализма в живописи Сальвадор Дали (1904-1989), один из основоположников кубизма Хуан Грис (1887-1921), абстракционист Хуан Миро (1893-1983) и Пабло Пикассо (1881-1973), внесший вклад в развитие нескольких направлений современного искусства.

В 17 в. художественные традиции нидерландского искусства продолжались во Фландрии и Голландии. На их основе сложились родственные, но самобытные фламандская и голландская школы живописи. Причиной такого разделения послужила драматическая история Нидерландов во второй половине XVI в.

В то время в Нидерландах широко распространился протестантизм - вероучение, отрицавшее почитание икон как идолопоклонство и отказавшееся от церковного искусства. В 1566 г. по стране прокатилась волна иконоборчества. За несколько дней было разгромлено множество храмов и монастырей, уничтожены статуи святых, алтари, иконы. Король Испании Филипп II, под властью которого находились тогда Нидерланды, отправил в страну большую армию, чтобы восстановить господствующее положение Католической Церкви. Испанцы жестоко подавляли волнения, при этом десятки тысяч нидерландцев погибли. В ответ на насилие вспыхнуло вооружённое восстание.

На севере страны, где протестанты составляли большинство населения, в 1581 г. было провозглашено новое государство - Республика Соединённых провинций. Ведущая роль в нём принадлежала Голландии, и довольно скоро так стали называть всю страну.

На юге Нидерландов победу одержали испанцы. В 1585 г. сдался последний оплот повстанцев - город Антверпен.

Филипп II в 1598 г. передал Южные Нидерланды любимой дочери инфанте Изабелле (1566-1633). Вновь образованное государство в официальных документах называли Католическими Нидерландами, в учёных трудах - Бельгией, в просторечии же - Фландрией, как и самую развитую из входящих в неё провинций. Оно полностью зависело от Испании.

В борьбе за религиозные идеи поражение потерпела культура: немало прекрасных памятников искусства уничтожили протестанты, но и в католических провинциях надолго пришлось забыть об исконной художественной традиции. Католическая Церковь с подозрением относилась к сказочной пестроте старонидерландского искусства. Художники, которые пытались по-своему толковать библейские сюжеты, рисковали быть обвинёнными в ереси. Церковное искусство изменилось. Оно отныне должно было не просто объяснять прихожанам Священное Писание, а в буквальном смысле очаровывать, подчинять их сознание авторитету Церкви. Этому служили органная музыка, причудливая архитектура храмов, религиозная живопись. Если в Средние века храм мыслился как школа, то в XVII в. он скорее напоминал театр.

Похожая информация.

Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в., а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

Проторенессанс

Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Яркие представители раннего Возрождения

Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

Доменико Гирландайо - это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» - на фото ниже).

Высокое Возрождение

Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» - на первом фото).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

Северное Возрождение

Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа - второй.

На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

Французское Северное Возрождение

Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленского диптиха" мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

Немецкое и голландское Северное Возрождение

Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого - Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.

Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, живопись обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку. Наряду с сохраняющими свое значение образами христианской мифологии и античности объектом изображения художников оказываются теперь и живые люди, герои современности. Преодолевая готическую отвлеченность образов, развивая лучшие черты живописи Джотто, художники 15 века вступают на широкий путь реализма. Невиданный расцвет переживает монументальная фресковая живопись.

Мазаччо . Реформатором живописи, сыгравшим ту же роль, что в развитии архитектуры Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, был флорентиец Мазаччо проживший всего лишь 27 лет (1401-1428), который создал цикл фресок, служивших образцом для нескольких поколений итальянских художников, в которых нашли продолжение поиски обобщенного героического образа человека, правдивой передачи окружающего его мира. Следуя традиции Джотто, художник Мазаччо сосредоточивает внимание на образе человека, усиливая его суровую энергию и активность, гражданственный гуманизм. Мазаччо делает решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, впервые вводит воздушную перспективу. Во фресках Мазаччо на смену неглубокой площадке - месту действия в росписях Джотто - приходит изображение реального глубокого пространства; убедительнее и богаче становится пластическая светотеневая моделировка фигур, прочнее их построение, разнообразнее характеристики. И притом Мазаччо сохраняет огромную нравственную силу образов, которая пленяет в искусстве Джотто.

Главным произведением Мазаччо являются фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, где изображены эпизоды из легенд о святом Петре и два библейских сюжета - "Грехопадение" и "Изгнание из рая".

К числу бесспорных произведений Мазаччо принадлежит фреска "Изгнание из рая". На фоне скупо намеченного пейзажа четко вырисовываются фигуры выходящих из ворот рая Адама и Евы, над которыми в небесах парит ангел с мечом. Эта фреска представляет разительный контраст живописи позднего треченто, традиции которой еще господствовали во Флоренции в момент ее создания. Отказавшись от нагромождения фигур и предметов, и мелочной детализации, Мазаччо сосредоточивает внимание на драматическом содержании сюжета, постановке и пластической лепке фигур. Впервые в истории живописи Возрождения Мазаччо сумел убедительно вылепить нагое тело, придать ему правильные пропорции, твердо и устойчиво поставить на землю, где впервые в живописи Возрождения изображены обнаженные фигуры, мощно моделированные боковым светом. Особенно удалась ему фигура широко шагающего Адама, опустившего голову от стыда и закрывшего лицо руками. Удивительно смело и обобщенно написана запрокинутая голова плачущей Евы с запавшими глазами и темным пятном широко открытого рта.

Несколько иное впечатление производит парная фреска "Грехопадение". Правда, и здесь общий замысел отличается лаконичностью, фигуры вылеплены пластично. Однако действие развивается здесь вяло и совершенно лишено внутреннего напряжения, присущего обычно работам Мазаччо, фигуры поставлены не столь уверенно, как в "Изгнании из рая", и производят впечатление статичности. Возможно, что фреска эта была исполнена Мазолино, который подражал произведениям своего более передового и одаренного младшего собрата.

Фрески Мазаччо в капелле Бранкаччи проникнуты трезвым рационализмом. Повествуя о чудесах, совершенных св. Петром, Мазаччо лишает изображаемые им сцены всякого оттенка мистики. Его Христос, Петр и апостолы - земные люди, лица их индивидуализированы и отмечены печатью человеческих чувств, действия их продиктованы естественными человеческими побуждениями. Поэтому совершаемые ими чудеса воспринимаются как результат усилия воли человека, а не вмешательства божественного провидения.

Композиции Мазаччо отличаются ясным развитием действия. В фреске "Чудо с податью" центральное место занимает начальный момент истории, когда Христос и его ученики были остановлены у ворот города сборщиком податей, потребовавшим уплаты денег за вход. В этой группе четко выделены три главных действующих лица - Христос, Петр и сборщик податей. Сборщик написан художником со спины, твердо стоящим на земле, преграждающим путь Христу и апостолам. Это олицетворение грубой силы. Ему противостоит Христос, спокойный и величавый. Указывая на протекающую вблизи реки, он повелевает Петру достать изо рта рыбы монету для уплаты подати. Самый момент чуда отнесен художником на второй план. Слева в глубине, присев на корточки и склонившись над рекой, Петр с усилием раскрывает пасть высунувшейся из воды рыбы и вынимает монету. В правой части Петр вручает монету стражнику. Вся композиция написана с единой точки зрения, головы действующих лиц находятся на линии горизонта. Фигуры располагаются друг за другом в пространстве и даны на фоне гористого пейзажа, хорошо соотнесенного с ними как по масштабу, так и по цвету. Мазаччо пользуется здесь не только средствами линейной, но и воздушной перспективы, постепенно смягчая краски по мере удаления в глубину.

Также просто и реально трактованы Мазаччо эпизоды "Раздачи милостыни", "Исцеления тенью", "Крещения новообращенных". Лица представленных персонажей индивидуализированы, по-видимому, многие из них портретны. С большой наблюдательностью переданы отдельные фигуры, например, дрожащий от холода нагой юноша в сцене "Крещения".

Мазаччо порвал с господствовавшими в живописи второй половины 14 столетия тенденциями декоративности и повествовательности. Он сделал решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, впервые дал воздушную перспективу и линию естественного горизонта. Вместо напыщенной декоративной красочности в картинах и фресках художника появилась сдержанная и гармоничная цветовая гамма.

Кастаньо. Среди последователей Мазаччо выделялся Андреа дель Кастаньо (около 1421-1457), проявивший интерес не только к пластической форме и перспективным построениям, характерным для флорентийской живописи этого времени, но и к проблеме колорита. Лучшие из созданных образов этого грубоватого, мужественного, неровного по натуре художника отличаются героической силой и неуемной энергией. Таковы герои росписей виллы Пандольфини (около 1450, Флоренция, церковь Санта Аполлония) - пример решения светской темы. На зеленом и темно-красном фонах выделяются фигуры выдающихся деятелей эпохи Возрождения, среди них кондотьеры Флоренции: Фарината дельи Уберти и Пиппо Спано. Последний прочно стоит на земле, широко расставив ноги, закованный в броню, с непокрытой головой, с обнаженным мечом в руках; это живой, полный неистовой энергии и уверенности в своих возможностях человек. Мощная светотеневая моделировка придает изображению пластическую силу, выразительность, подчеркивает остроту индивидуальной характеристики, яркую портретность, не встречавшуюся ранее в итальянской живописи.

Среди фресок церкви Санта Аполлония выделяется размахом изображения и остротой характеристик "Тайная вечеря" (1445-1450). Эту религиозную сцену - трапезу Христа в окружении учеников - писали многие художники, всегда следовавшие определенному типу композиции. Не отошел от этого типа построения и Кастаньо, яркая характерность образов, народность типов апостолов и Христа, глубокий драматизм выражения чувств, подчеркнуто насыщенное и контрастное цветовое решение.

Фра Беато Анджелико . Ранние работы Фра Беато близки по манере к позднеготической миниатюре и отличаются слабым развитием пространственных отношений, удлиненностью и изогнутостью фигур, тщательностью отделки деталей, обилием золота и локальностью цветов. Произведения Фра Беато проникнуты религиозным чувством, но они лишены сурового аскетизма средневековья. Созданные им образы Христа, Марии, святых лиричны и поэтичны, окружающая природа уже не враждебна человеку, но раскрывается перед ним во всей своей красоте.

Написанная художником после 1524 года картина "Страшный суд" (Флоренция, музей Сан Марко) кажется еще очень готичной рядом с фресками Мазаччо. В ней отсутствует единство пространства, общее построение подчинено старой иконографической схеме. И все же в ней пробивается ренессансное чувство реальности и красоты мира, в особенности в изображении хоровода блаженных, танцующих на усеянной цветами траве райских садов. Интересно, что в этой картине Фра Беато попытался воспользоваться линейной перспективой, однако ему не удалось выдержать пространственный принцип во всех частях композиции.

Фра Беато Анджелико не остался чужд художественной реформе Мазаччо. Проделав за свою долгую жизнь большую эволюцию, он овладевает в поздних работах средствами передачи объема и пространства и переходит к более обобщенной манере живописи. Отчасти это сказалось уже в его большом цикле фресок в монастыре Сан Марко во Флоренции, но в еще большей мере - в росписях капеллы св. Николая в Ватикане, последней большой работе мастера.

Паоло Учелло . С искусством позднего треченто был связан в начале своей деятельности и Паоло Учелло (1397-1475), горячо увлекшийся затем новыми проблемами искусства, в особенности теорией линейной перспективы и проблемой изображения фигуры в сложных ракурсах.

Он находился в качестве помощника в мастерской Гиберти, когда тот еще работал над северными дверями баптистерия. Самая ранняя известная нам датированная работа Учелло - фреска с изображением кондотьера Джона Гоквуда во флорентийском соборе (1436). В отличие от первого из подобных произведений - фрески Симоне Мартини в сиенском Палаццо Публико, исполненной на столетие раньше, Паоло Учелло не просто изображает проезжающего на коне кондотьера, но как бы имитирует конный памятник. В построении его Учелло умело использует линейную перспективу, создавая впечатление, будто зритель смотрит на памятник несколько снизу-вверх. Написанная монохромно, в лаконичной обобщенной манере, фреска эта по замыслу художника должна была как бы заменить собой скульптурный монумент.

Учелло известен также как автор первых в истории западноевропейского искусства монументальных батальных сцен. Трижды варьировал Учелло композиции с эпизодами битвы при Сан-Романо, увлеченно изображая разноцветных коней и всадников в самых разнообразных перспективных сокращениях и разворотах. Наряду с известной архаичностью манеры в них проявляется и доходящее до чрезмерности увлечение художника перспективой и ракурсами.

Не менее показательны в этом отношении и дошедшие в плохой сохранности фрески Учелло в церкви Сайта Мария Новелла, в которых мелкая, напоминающая миниатюру техника и обилие деталей сочетаются с интересом к изображению пространства и смелым решением ракурсов.

Доменико Венециано . Несколько особняком стоит в искусстве Флоренции первой половины 15 века Доменико Венециано (ок. 1410-1461). Уроженец Венеции, он, по-видимому, познакомился в юности с нидерландской миниатюрой, которая пробудила в нем интерес к проблеме колорита, света и передаче фактуры вещей. Он был ближе к архаизирующему искусству Анджелико, чем к Мазаччо. Фигуры его лишены структурности, перспективные построения не всегда верны. Но при этом работы Венециано овеяны тонким лиризмом и проникнуты поэзией света и цвета. Цвет приобретает в его картинах ведущую роль, с его помощью он передает пространство, воздух, форму и свет, объединяет фигуры со средой. Одним из первых в Италии он стал пользоваться техникой масляной живописи. К числу лучших его работ принадлежат "Поклонение волхвов" (Берлин, Далем), "Мадонна со святыми" (Флоренция, Уффици).

В 15 веке жанр портрета завоевал самостоятельное значение. Распространение получила профильная композиция, навеянная античными медалями и дающая возможность обобщить и героизировать образ портретируемого. Точная линия, очерчивает острохарактерный профиль в "Женском портрете" (середина 15 века, Берлин-Далем, Картинная галерея). Художник достигает живого непосредственного сходства и вместе с тем тонкого колористического единства в гармонии светлых сияющих красок, прозрачных, воздушных, смягчающих контуры.

Филиппо Липпи . Необычайной тонкости исполнения, очень сдержанных по колориту, светских по характеру произведений добивается фра Филиппо Липпи (около 1406-1469), типичный представитель раннего Возрождения, сменивший монашескую рясу на беспокойную профессию бродячего художника. В нежных лиричных образах - "Мадонна под вуалью" (около 1465 года, Флоренция, Уффици) живописец и беглый монах Филиппо Липпи запечатлел трогательно-женственный облик своей возлюбленной Лукреции Бути, любующейся пухлым младенцем.

Флорентийская живопись. Сложными путями развивается во Флоренции в последней трети 15 века живопись раннего Возрождения, в которой многогранная проблематика ренессансного реализма получает разнообразные решения - от монументально-эпического, героического до жанрово-повествовательного, возвышенно-поэтического и лирического. Возрастающий интерес к обыденным мотивам, к деталям обстановки придает живописным композициям черты жанровости. Фигуры людей приобретают большую стройность пропорций, гибкость.

Гирландайо . В творчестве Доменико Гирландайо (1449-1494) и прежде всего в его фресках обобщены искания художников раннего Возрождения; в них он выступает как наблюдательный бытописатель флорентийского патрициата, сохранивший душевную ясность, спокойный внимательный взгляд на мир. Написанные по заказам семейства Медичи и близких им лиц, фрески носят повествовательный характер, который сочетается с торжественностью и декоративностью, интересом к бытовым деталям, передаче освещения и пространства. В них часто включаются портреты заказчиков.

Традиционность искусства Гирландайо выявляется в росписи церкви Оньиссанти "Тайная вечеря" (1480). Повторяя композицию, найденную предшественниками, он объединяет фигуры апостолов в группы, сильнее раскрывает конфликтный характер ситуации, уделяет внимание характеристике места действия. Главное произведение Гирландайо - фрески церкви Санта-Мария Новелла (1485-1490) на сюжеты из жизни Марии и Иоанна Крестителя.

Расположенные друг над другом в несколько ярусов, они превращаются в его трактовке, по существу, в торжественные церемониальные бытовые сцены современной жизни горожан. Действие происходит то на улице, то в интерьере богатого дома. Во фреске "Рождество Марии" среди пришедших навестить роженицу изображены одетые по моде того времени флорентийские дамы во главе с дочерью патриция Торнабуони.

Среди других работ Гирландайо выделяется мягкой человечностью и теплотой "Портрет старика с внуком" (Париж, Лувр), где детской наивности и очарованию противостоит угасающая старость, преображенная глубокой нежностью и заботой о ребенке.

Боттичелли . Если искусство Гирландайо обнаруживает связь с традицией цельной по мировосприятию живописи начала 15 века, то черты возвышенной поэтичности, утонченности и аристократической изысканности находят наиболее яркое воплощение в творчестве Сандро Боттичелли (1445-1510). Поэтическое очарование его образов, их глубокая одухотворенность сочетаются в поздних работах с трагическим мироощущением и болезненной надломленностью.

Ранние произведения Боттичелли отличаются мягким лиризмом и безмятежностью. Наряду с религиозными композициями он пишет портреты, полные внутренней жизни, душевной чистоты, очарования. Его наиболее прославленные зрелые картины - "Весна" (около 1480) и "Рождение Венеры" (около 1484, обе - Флоренция, Уффици) - навеяны поэзией придворного поэта Медичи А. Полициано и отмечены оригинальностью истолкования сюжетов и образов античных мифов, претворенных через глубоко личное поэтическое мироощущение.

В картине "Рождение Венеры" Боттичелли достигает органичного сочетания чувственной красоты и возвышенной одухотворенности. Усиливая черты декоративности, он вводит условный прием золочения волос богини, переплетающихся в сложный линейный узор. Сверкающее золото обогащает изысканную красочность картины, соединяется с зеленоватыми прозрачными тонами моря, темными, насыщенными - растений и голубыми - неба. Стремительность линейного ритма, чистота и нежность холодных тонов порождают ощущение непрочности, зыбкости прекрасного идеала. И летящие зефиры, и нимфа, развертывающая перед Венерой плащ, и сама богиня с ее задумчиво печальным лицом, в котором проскальзывают скрытые движения чувств, воспринимаются как образы, одухотворяющие природу.

Тонкие изящные черты женского типа, найденного Боттичелли в Венере и Весне, можно узнать и в образах мадонн, созданных художником. Наиболее прославленная из них - "Магнификат" ("Мадонна во славе", 1481, Флоренция, Уффици), представленная в окружении венчающих ее ангелов. Вписанная в круг композиция своими линиями вторит обрамлению. Боттичелли находит сложнейшие музыкальные линейные ритмы в построении композиций; линия для него - главное средство эмоциональной выразительности. Вместе с тем, в отличие от большинства флорентийских живописцев, Боттичелли прекрасно чувствует и передает красоту изысканных цветовых сочетаний.

Федеральное агентство по образованию

Санкт – Петербургский государственный архитектурно – строительный университет

Кафедра истории

Дисциплина: Культурология

Титаны и шедевры культуры эпохи Возрождения

Студент группы 1 ЭС 2

Е. Ю. Наливко

Руководитель:

к. и. н., преподаватель

И. Ю. Лапина

Санкт – Петербург

Введение………………………………………………………3

Искусство раннего Возрождения………………………..4

Период высокого Ренессанса…………………………….5

Сандро Боттичелли……………………………………….5

Леонардо Да Винчи………………………………………7

Микеланджело Буонарроти …….………………………10

Рафаэлло Санти…………....…………………………….13

Заключение…………………………………………………..15

Список использованной литературы……………………....16

Введение

Эпоха Возрождения – важный период в мировой культуре. Первоначально новое явление в европейской культурной жизни выглядело как возвращение к забытым достижениям античной культуры в области науки, философии, литературы. Феномен Возрождения заключается в том, что античное наследие превратилось в оружие ниспровержения церковных канонов и запретов. По существу, надо говорить о грандиозной культурной революции, которая длилась два с половиной столетия и завершилась созданием нового типа мировоззрения и нового типа культуры. Ничего подобного вне европейского региона в то время не наблюдалось. Поэтому данная тема вызвала у меня огромный интерес и желание более подробно разобрать данный период.

В своем реферате я хочу акцентировать внимание на таких выдающихся людей, как Сандро Боттичелли, Леонардо Да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэлло Санти. Именно они стали наиболее яркими представителями основных этапов итальянского Возрождения.

1. Искусство раннего возрождения

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.

Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того "реализма деталей", который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата. С 1439 года, со времени состоявшегося во Флоренции вселенского церковного собора, на который прибыли в сопровождении пышной свиты византийский император Иоанн Палеолог и константинопольский патриарх, и особенно после падения Византии в 1453 году, когда многие бежавшие с Востока ученые нашли прибежище во Флоренции, город этот становится одним из главных в Италии центров изучения греческого языка, а также литературы и философии Древней Греции. И все же ведущая роль в культурной жизни Флоренции первой половины и середины XV века, бесспорно, принадлежала искусству. 1

2. Период Высокого Ренессанса

Этот отрезок времени представляет собой апогей эпохи Возрождения. Это был небольшой период, продожавшийся около 30 лет, но в количественном и качественном уровне, этот отрезок времени подобен векам. Искусство Высокого Возрождения является суммированием достижений 15 века, но в то же время это новый качественный скачок, как в теории искусства, так и в его воплощении. Необычайную «уплотненность» этого периода можно объяснить тем, что количество одновременно (в один исторический период) работающих гениальных художников является неким рекордом даже для всей истории искусства. Достаточно назвать такие имена как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.

3. Сандро Боттичелли

Имя Сандро Боттичелли известно всему миру, как имя одного из самых замечательных художников итальянского Возрождения.

Сандро Боттичелли родился в 1444 (или в 1445) году в семье кожевника, флорентийского гражданина Мариано Филиппепи. Сандро был самым младшим, четвертым сыном Филиппепи. К сожалению, почти ничего не известно о том, где и когда Сандро прошел художественную выучку и действительно ли, как сообщают старые источники, он сначала обучался ювелирному ремеслу, а затем уже стал заниматься живописью. В 1470 году он уже имел собственную мастерскую и самостоятельно выполнял полученные заказы.

Обаяние искусства Боттичелли всегда остается немного загадочным. Его произведения вызывают чувство, какое не вызывают произведения других мастеров.

Боттичелли уступал многим художникам XV века, одним - в мужественной энергии, другим - в правдивой достоверности деталей. Его образы (за очень редким исключением) лишены монументальности и драматизма, их преувеличенно хрупкие формы всегда немного условны. Но как никакой другой живописец XV века Боттичелли был наделен способностью к тончайшему поэтическому осмыслению жизни. Он впервые сумел передать едва уловимые нюансы человеческих переживаний. Радостное возбуждение сменяется в его картинах меланхолической мечтательностью, порывы веселья - щемящей тоской, спокойная созерцательность - неудержимой страстность.

Новое направление искусства Боттичелли получает свое крайнее выражение в последний период его деятельности, в произведениях 1490-х-начала 1500-х годов. Здесь приемы преувеличения и диссонанса становятся почти нестерпимыми (например, «Чудо св. Зиновия»). Художник то погружается в пучину безысходной скорби («Пьета»), то отдается просветленной экзальтации («Причащение св. Иеронима»). Его живописная манера упрощается почти до иконописной условности, отличаясь какой-то наивной косноязычностью. Плоскостному линейному ритму полностью подчиняется и рисунок, доведенный в своей простоте до предела, и цвет с его резкими контрастами локальных красок. Образы как бы утрачивают свою реальную, земную оболочку, выступая как мистические символы. И все же в этом, насквозь религиозном искусстве с огромной силой пробивает себе дорогу человеческое начало. Никогда еще художник не вкладывал в свои произведения столько личного чувства, никогда еще его образы не имели такого высокого нравственного значения.

Со смертью Боттичелли завершается история флорентийской живописи Раннего Возрождения - этой подлинной весны итальянской художественной культуры. Современник Леонардо, Микеланджело и молодого Рафаэля, Боттичелли остался чужд их классических идеалов. Как художник он полностью принадлежал XV столетию и не имел прямых преемников в живописи Высокого Возрождения. Однако его искусство не умерло вместе с ним. То была первая попытка раскрыть душевный мир человека, попытка робкая и закончившаяся трагически, но получившая через поколения и столетия свое бесконечно многогранное отражение в творчестве других мастеров.

Искусство Боттичелли - поэтическая исповедь великого художника, которая волнует и всегда будет волновать сердца людей. 2

4. Леонардо Да Винчи

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И, тем не менее, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей.

Леонардо Да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции. Он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастерскую Андреа Верроккьо. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворенного белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо.

Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком» (1472 г.), исполненная живописным маслом, редким тогда в Италии.

Около 1482 г. Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротехнических работ и только потом как живописца и скульптора. Однако первый миланский период творчества Леонардо (1482-1499 гг.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине.

До нашего времени дошли живописные картины Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483-1494 г.г.). Живописец отошел от традиций пятнадцатого столетия: в религиозных картинах которого преобладало торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопрекосновенный ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди темных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж в целом фантастически таинственный. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Деонардо называли сфумато.

В Милане, по-видимому, мастер создал полотно «Мадонна с младенцем» («Мадонна Лита»). Здесь в отличие от «Мадонны с цветком» он стремился к большей обобщенности идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние покой радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина. Холодный ясный свет озаряет ее тонкое мягкое лицо с полуопущенным взором и легкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые темно-золотистые вьющиеся волосы Младенца, не по-детски серьезен его внимательный взгляд устремленный на зрителя.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитания. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Портрет известен как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи.

Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зеленого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы картина просто для понимания. Между тем в обширной литературе, посвященный «Джоконде», сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа.

В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска 1, он уехал в 1517 г во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете - рисунке (1510-1515 г.г.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.

О масштабе и уникальности дарования Леонардо позволяют судить его рисунки, занимающие в истории искусства одно из почетных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвященные точным наукам, но и работы по теории искусства. Много место отдано проблемам светотени, объемной моделировке, линейно и воздушной перспективе. Леонардо да Винчи принадлежат многочисленные открытия, проекты и экспериментальные исследования в математике, механике, других естественных наук.

Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры и науки, оказали огромное влияние. 3

5. Микеланджело Буонарроти

Среди полубогов и титанов Высокого Возрождения Микеланджело занимает Особое место. Как творец нового искусства, он заслуживает названия Прометея 16 века

Прекрасное мраморное изваяние, известное под именем «Пьета», остается до сих пор памятником первого пребывания в Риме и полной зрелости 24- летнего художника. Святая Дева сидит на камне, на коленях ее покоится безжизненное тело Иисуса, снятое с креста. Она поддерживает его рукою. Под влиянием античных произведений Микеланджело отбросил все традиции средних веков в изображении религиозных сюжетов. Телу Христа и всему произведению он дал гармонию и красоту. Не ужас должна была вызывать смерть Иисуса, лишь чувство благоговейного удивления к великому страдальцу. Красота нагого тела много выигрывает благодаря эффекту света и тени, производимому искусно расположенными складками платья Марии. В лице Иисуса, изображенного художником, находили даже сходство с Савонаролой. Вечным заветом борьбы и протеста, вечным памятником затаенных страданий самого художника осталась Пьета.

Микеланджело вернулся во Флоренцию в 1501 году, в тяжелый для города момент,где из огромной глыбы каррарского мрамора, которая предназначалась для колоссальной статуи библейского Давида для украшения купола собора, решился создать цельное и совершенное произведение, не уменьшая его величины, и именно Давида. В 1503 году 18 мая статуя была установлена на плошади Сеньории, где она простояла более 350 лет.

В долгой и безотрадной жизни Микеланджело был только один период, когда ему улыбнулось счастье, - это когда он работал для папы Юлия ll. Микеланджело по-своему любил этого грубоватого папу-воина, обладавшего совсем не папскими резкими манерами. Гробница папы Юлия не вышла такой великолепной, как ее задумал Микеланджело. Вместо собора св. Петра ее разместили в небольшой церкви св. Петра, куда она даже не вошла целиком, а отдельные ее части разошлись по разным местам. Но и в таком виде это по праву одно из самых прославленных творений Возрождения. Центральная ее фигура-библейский Моисей, освободитель своего народа из египетской неволи (художник надеялся, что Юлий освободит Италию от завоевателей). Всепоглощающая страсть, нечеловеческая сила напрягают мощное тело героя, на его лице отражаются воля и решительность, страстная жажда действий, взгляд его устремлен в сторону земли обетованной. В олимпийском величии сидит полубог. Мощно опирается одна его рука на каменную скрижаль на коленях, другая покоится здесь же с небрежностью, достойной человека, которому достаточно движения бровей, чтобы заставить всех повиноваться. Как сказал поэт, «пред таким кумиром народ еврейский имел право пасть ниц с молитвой» По словам современников, «Моисей» Микеланджело в самом деле видел Бога.

По желанию папы Юлия Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы в Ватикане фресками, изображающими сотворение мира. На его картинах господствуют линии и тела. Спустя 20 лет на одной из стен этой же капеллы Микеланджело написал фреску «Страшный суд» - потрясающее видение о появлении на Страшном суде Христа, по мановении руки которого грешники рушатся в адскую бездну. Мускулистый, геркулесоподобный гигант похож не на библейского Христа, пожертвовавшего собой ради блага человечества, а на олицетворение возмездия античной мифологии, Фреска раскрывает страшные бездны отчаявшейся души, души Микеланджело.

В произведениях Микеланджело выражена боль, вызванная трагедией Италии, слившаяся с болью по поводу собственной горестной судьбы, Красоту, к которой не примешаны страдания и несчастья, Микеланджело нашел в архитектуре. Строительство собора святого Петра после смерти Браманте взял на себя Микеланджело. Достойный преемник Браманте, он создал купол и по сей день непревзойденным ни по размерам, ни по величию,

Микеланджело не имел ни учеников, ни так называемой школы. Но остался целый мир, созданный им. 4

6. Рафаэль

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений евпропейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение - высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринимается как один из образцов эстетического совершенства.

Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Произведения Рафаэля являют собой самое полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения (прил.3). Рафаэлем был создан «универсальный образ» прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия.

Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер и мальчик остался сиротой (маль он потерял за 3 года до кончины отца). По-видимому, в течение последующих 5-6 лет он обучался живописи у Эванджелиста ди Пьяндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров.

Первые известные нам произведения Рафаэля исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные по размерам композиции «Три грации», «Сон рыцаря». Эти простодушные, еще ученически робкие вещи отмечены тонкой поэтичностью и искренностью чувства. С первых же шагов творчества дарования Рафаэля раскрывается во всем своеобразии, намечается его собственная художественная тема.

К лучшим работам раннего периода принадлежит «Мадонна Конестабиле». Композиции, изображающие мадонну с младенцем, принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. На смену хрупким, кротким, мечтательным мадоннам умбрийского периода пришли образы более земные, полнокровные, их внутренний мир стал более сложным, богатым по эмоциональным оттенкам. Рафаэль создал новый тип изображения мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придал этой теме невиданную значительность.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509-1517), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величества архитектурных фонов. Много изображения богоматери («Сикстинская мадонна», 1515-19), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создает идеальный образ человека Возрождения («Бальдассаре Кастильоне»,1515). Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме.

Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отрадажали мировозрение эпохи. К третьему десятелетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая действительность разрушала иллюзии ранессансного гуманизма. Возрождение подходило к концу. 5

Заключение

В период Возрождения пробудился интерес к искусству Древней Греции и Рима, что побудило Европу на перемены, которые ознаменовали конец средневековья и начало нового времени. Этот период был не только временем “оживления” античного прошлого, это было время открытий и исследований, время новых идей. Классические примеры вдохновляли новое мышление, особое внимание уделялось человеческой личности, развитию и проявлению способностей, а не их ограниченности, что было характерно для средневековья. Обучение и научные исследования больше не были исключительно делом церкви. Возникли новые школы и университеты, проводились естественно- научные и медицинские эксперименты. Художники и скульпторы стремились в своем творчестве к естественности, к реалистичному воссозданию мира и человека. Изучались классические статуи и анатомия человека. Художники начали использовать перспективу, отказавшись от плоскостного изображения. Объектами искусства стали человеческое тело, классические и современные сюжеты, а также религиозные темы. В Италии зарождались капиталистические отношения, и дипломатия стала использоваться как инструмент в отношениях между городами-государствами. Научные и технические открытия, такие, как изобретение книгопечатания, способствовали распространению новых идей. Постепенно новые идеи овладели всей Европой.

(XIV-XVI/XVII вв.) ... это большой вклад в искусство Возрождения .ТИТАНЫ ВЫСОКОГО РЕНЕССАНСАЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИВ конце... свой неповторимый вклад в эпоху Ренессанса и создало свои шедевры . В культуре XV-XVI вв. ...

Культура эпохи Возрождения Ренессанса

Контрольная работа >> Культура и искусство

Человека, делая из него подобие титана , они отделяли его от... мраморная копия. ЗНАЧЕНИЕ КУЛЬТУРЫ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ Таким образом, стремясь познать культуру Возрождения , тайны его... пальцами также является одним из шедевров Симоне Мартини. Прелесть его...

Европейская культура эпохи Возрождения (2)

Лекция >> Культура и искусство

Гуманизма. 3. Титаны эпохи Возрождения . Титанизм как культурный феномен. 4. “Барокко” – культура роскоши и смятения... ремеслах, и в литературе, и в художественном творчестве. Классические шедевры Леонардо, Микеланджело, Бруналлески, Тициана, Рафаэля...

Эпоха Возрождения (11)

Реферат >> Культура и искусство

Времени» (Ф. Энгельс). Beличайшим шедевром поэта, обессмертившим его имя, ... итогом развития средневековой культуры и подступом к новой культуре эпохи Возрождения . Вера в земное... звучат в стихот­ворении последнего титана Возрождения , на­писанном от имени его...

Сравнительная характеристика культур эпох

Реферат >> Культура и искусство

... эпохи Августа стал 142 томный исторический труда Тита Ливия... Мира считаются шедеврами мировой культуры . Памятники архитектуры и строительства эпохи ранних... городской средневековой культуры . Название это условно: оно появилось в эпоху Возрождения и означало...