Художники Франции – это величайшие имена мировой культуры. Более того, именно французские мастера побили все рекорды цены на произведения искусства на лучших аукционах. Жаль, только, что их авторы получили только посмертную славу, но таковы превратности судьбы многих творцов прекрасного.

Художники Франции: феномен французского импрессионизма

Итак, самыми дорого продаваемыми, а значит наиболее известными и признанными в мире стали французские художники 20 века. Даже совершенно неискушенные в изобразительном искусстве люди знают их имена. Прежде всего, это художники импрессионисты. Франция была неприветлива к ним при жизни, но после смерти они стали настоящей национальной гордостью.

Самые великие художники Франции, получившие всемирное признание, славу и известность в широких кругах, – это Пьер Ренуар , Эдуар Мане , ‎Эдгар Дега , Поль Сезанн , Клод Моне и Поль Гоген . Все они являются представителями самого знаменитого и самого хорошо продаваемого к тому же направления в живописи ХХ столетия – импрессионизма. Стоит ли говорить, что это направление зародилось именно во Франции, и оно наиболее полно раскрывает ее место и значение в истории мирового искусства. Удивительное сочетание оригинальной техники и большой эмоциональной выразительности очаровало и продолжает очаровывать в импрессионизме ценителей прекрасного во всем мире.

Художники Франции: становление французской живописи

Но французские художники – это не только импрессионизм. Как и везде в Европе, расцвет живописи здесь пришелся на эпоху Возрождения. Конечно, Франция не может похвастаться гигантами типа Леонардо да Винчи или Рафаэля, но свой вклад в общее дело все же сделала. Но итальянские влияния были слишком сильны для формирования оригинальной национальной школы.

Первым великим французским художником, который полностью освободился от внешних влияний, стал Жак Луи Давид, которого по праву считают основателем национальной живописной традиции. Самой известной картиной художника стал знаменитый конный портрет императора Наполеона под названием «Наполеон на перевале Сен-Бернар» (1801 год).

Художники Франции 19 века, работающие в реалистичном направлении, конечно, менее известны, чем импрессионисты, но все же они привнесли свой ощутимый вклад в развитие мировой живописи. А вот 20 столетие стало триумфом французского искусства, а Париж превратился в средоточие муз. Знаменитый район французской столицы Монмартр, давший приют десяткам бедных художников, впоследствии вошедших в золотой фонд наследия человечества, среди которых имена Ренуара , Ван Гога , Тулуз-Лотрека , а также Пикассо и Модильяни , стал центром изящных искусств, и до сих пор привлекает толпы туристов. Знаменитые художники Франции современности также традиционно живут на Монмартре.

М. Прокофьева, Ю. Колпинский

В 1880-е гг. в изобразительном искусстве Франции, особенно в живописи, начался отход от импрессионизма. Как упоминалось раньше (см. V том), уже в творчестве ряда импрессионистов намечались тенденции отказа от реалистического пленэра 1870-х гг., появилась более декоративная манера исполнения. Процесс этот с особой силой дал себя знать к 1890-м гг. в творчестве такого типичного мастера импрессионизма, как К. Моне.

Однако большее значение имели не изменения в позднем творчестве самих импрессионистов, а выдвижение на авансцену художественной жизни группы новых имен. Мастера этого нового художественного поколения отнюдь не едины, они по-разному принимают свою художественную задачу и по-разному решают ее. В одних случаях художники стремились к дальнейшему видоизменению импрессионизма, в других - стремясь преодолеть ограниченные стороны импрессионизма или то, что им казалось его ограниченными сторонами, они противопоставляли ему свое понимание природы живописи и роли искусства.

Поэтому творчество основателей дивизионизма Сера и Синьяка, декоративно-символическая живопись Гогена, напряженный творческий труд Сезанна, современника импрессиониза, тесно связанного, однако, с новыми проблемами 1880- 1890-х гг., страстные искания Ван-Гога, нервно-острое искусство Тулуз-Лотрека лишь условно могут быть объединены привившимся в литературе понятием «постимпрессионизма» (от лат. post - после).

Конечно, само развитие социальной действительности Франции ставило перед искусством ряд общих задач, но осознавались они и решались этими художниками по-разному. В основном перед французским искусством тех лет стояла огромной важности задача нахождения новых форм реализма, способных эстетически освоить и художественно правдиво выразить новые стороны жизни капиталистического общества, те изменения в общественном сознании, в расстановке классовых сил, которые были связаны с началом перехода его к качественно новой, империалистической стадии развития.

Все более настоятельной становилась необходимость отразить, с одной стороны, острые диссонансы жизни большого города, нарастающую дегуманизацию условий социальной и личной жизни человека и, с другой стороны, возрождение после разгрома Парижской коммуны политической активности рабочего класса Франции.

Вместе с тем усиление реакционности господствующей буржуазной идеологии и характерная для буржуазного общества абсолютизация формально-профессиональной стороны всякого вида социальной деятельности, в том числе и художественного творчества, не могли не оказать свое ограничивающее влияние на искания художников 1880-1890-х гг. Отсюда проистекала сложная противоречивость и двойственность результатов интенсивных новаторских исканий,столь характерных для французского искусства начиная с конца 19 в.

Повышенный интерес к чисто оптическим впечатлениям, тенденция к декоративности решения, отличающие поздний период творчества наиболее последовательного представителя импрессионизма - Клода Моне,- продолжают развиваться и исчерпывают себя во второй половине 1880-х гг. в искусстве Жоржа Сера (1859- 1891) и Поля Синьяка (1863-1935). Искусство этих мастеров во многом близко импрессионизму: им также свойственны увлечение пейзажным жанром и сценами современной жизни, склонность к разработке собственно живописных проблей. Последнее, однако, в отличие от непосредственной свежести зрительного восприятия в лучших работах импрессионистов, сознательно и методически основывалось на формально-рассудочном приложении к искусству современных научных открытий в области оптики (труды Э- Шеврейля, Г. Гельмгольца, Д. Максуэла, О. Н. Руда).

Согласно взглядам Сера, художник должен руководствоваться законом спектрального анализа, с помощью которого можно разлагать цвет и его составные части и устанавливать точные границы взаимодействия тонов. Отсюда одно из названий этого направления - дивизионизм (от франц. division - разделение). Допускаемое на практике импрессионистами смешение красок на палитре категорически исключалось, уступив место только оптическому воздействию чистых цветов на сетчатую оболочку глаза. Нужный эффект мог быть достигнут лишь в результате живописного мазка определенной формы. Эта равномерная ((точечная» манера дала название новой школе - пуантелизм (от франц. point - точка).

Такая строгая регламентация, естественно, должна была несколько нивелировать творчество достаточно многочисленных художников, группировавшихся вокруг Сера и Синьяка (Альбер Дюбуа-Пилле, Тео ван Рейсельберге, Анри ~)дмонд Кросс и др.). Однако наиболее крупные из них - такие, как Сера, Синьяк, Камиль Писсарро (на время примкнувший к этому направлению),- обладали достаточно характерными и яркими особенностями своей творческой манеры и своего дарования, чтобы следовать буквально собственной доктрине.

Одной из наиболее типичных для Сера работ является «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» (1884- 1886; Чикаго, Институт искусств).Изображая группы людей на фоне зеленого берега реки, мастер прежде всего стремился разрешить проблему взаимодействия человеческих фигур в световоздушиой среде. Картина делится на две четкие зоны: освещенную, где художник, следуя своей теории, работает теплым чистым цветом, и затененную, где преобладают холодные чистые тона. Несмотря на тонкость красочных сочетаний и удачную передачу солнечного света, точки мазков, напоминающие рассыпанный по полотну мозаичный бисер, создают впечатление некоторой сухости и неестественности. Склонность к резко локальному декоративизму становится еще более очевидной в таких работах Сера конца 1880-х - начала 1890-х гг., как «Парад» (Нью-Йорк, собрание Кларк), «Натурщицы», ((Воскресенье в Порт-ан-Бессен» (Оттерло, музей Кроллер-Мюллср), «Цирк» (Лувр). Вместе с тем в этих работах, в частности в «Цирке», Сера пытается возродить принципы законченной декоративно-монументальной композиции, стремясь преодолеть некоторую фрагментарность, как бы мгновенную случайность композиции импрессионистов. Эта тенденция была характерна не только для Сера, но и для ряда художников следующего за импрессионистами поколения. Однако общий формально-декоративный характер исканий Сера, по существу, не способствовал действительно плодотворному решению этой важной проблемы.

От холодного интеллектуализма Сера несколько отличалось искусство Поля Синьяка, достигавшего в своих пейзажных работах относительно большой эмоциональности в передаче красочных сочетаний (например, «Песчаный берег моря», 1890; Москва, ГМИИ), «Папский замок в Авиньоне» (1900; Париж, Музей современного искусства). Повышенный интерес к выразительности цветового звучания картины заставляет Синьяка дать ряду морских пейзажей 1880-х гг. названия музыкальных темпов-«Ларгетто», «Адажио», «Скерцо» и т. д.

Проблема возрождения пластической материальности живописи, возврата на новой основе к устойчивому композиционному построению картины поставлена крупным представителем французской живописи конца 19 в. Полем Сезанном (1839 - 1906). Ровесник Моне, Ренуара и Сислея, Сезанн работает хронологически параллельно с этими мастерами. Но его искусство в своей неповторимости складывается именно в 1880-х гг. и принадлежит уже к постимпрессионизму.

Ранние работы Сезанна, написанные в 1860-е гг. в Париже, отмечены влиянием Домье и Курбе («Портрет монаха», 1865-1867, Нью-Йорк, собрание Фрик; «Пастораль», 1870, Париж, собрание Пеллерен; «Убийство», 1867-1870, Нью-Йорк, галдерея Вильденстейн).

У Домье ранний Сезанн воспринял те романтические моменты, ту заостренную экспрессивность форм и динамику композиционного построения, которые, правда, несколько по-иному свойственны и некоторым его живописным работам последних лет. Вместе с тем Сезанн стремился к максимальной вещественности в изображении предметов. Не случайно он, как и Курбе, часто предпочитал кисти шпатель. Но, в отличие от Курбе, осязаемая плотность живописи достигается Сезанном не столько светотеневой моделировкой, сколько цветовыми контрастами. Эта склонность к передаче материальности мира чисто живописными средствами вскоре станет ведущей в творчестве художника.

Советы Писсарро, с которым Сезанн встретился в Академии Сюиса, помогли художнику преодолеть нарочитую тяжеловесность манеры: мазки становятся легче, прозрачнее; палитра высветляется (например, «Дом повешенного, Овер-сюр-Уаз», 1873; Лувр).

Однако близкое знакомство с методом импрессионистов вскоре вызывает творческий протест мастера. Не отрицая колористических достижений школы К. Моне, Сезанн возражает против самого стремления фиксировать мир в его бесконечной изменчивости. В противовес он выдвигает некие общие, неизменные представления о реальности, которые, по мнению художника, основываются на выявлении внутренней геометрической структуры природных форм.

Искусству Сезанна присуща созерцательность. Это рождает то ощущение эпического покоя, внутренней сосредоточенности, интеллектуального раздумья о вселенной, которым характеризуются произведения живописца зрелого периода. Отсюда и постоянная неудовлетворенность созданным, желание многократно переделывать написанную картину, необыкновенное упорство художника. Недаром друг и биограф Сезанна Амбруаз Воллар назвал процесс его работы «размышлением с кистью в руке». Живописец мечтал «вернуться к классицизму через природу». Сезанн пристально и внимательно изучает натуру, «Писать - это не значит рабски копировать объект,- говорил художник,- это значит уловить гармонию между многочисленными отношениями, это значит перевести их в свою собственную гамму...».

Для передачи предметного мира, в котором наиболее ценными для Сезанна качествами являлись пластичность, структура, он пользовался методом, основанным на чисто живописных средствах. Объемная моделировка и пространство станковой картины строились им не с помощью светотени и линейно-графических средств, а цветом. Но, в отличие от импрессионистов, цвет для Сезанна не был элементом, зависящим от освещения. Цветовыми соотношениями живописец пользовался для того, чтобы, растворяя в них валеры и не прибегая к помощи моделировки, лепить объемы «модуляцией)) самого цвета. «Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов»,- говорил художник.

Подобные принципы могли быть воплощены с наибольшим эффектом там, где преобладали бы неодушевленные, неподвижные предметы. Поэтому Сезанн предпочитал работать преимущественно в жанре пейзажа и натюрморта, что позволяло ему предельно сконцентрировать внимание на передаче пластически-зримых форм. С другой стороны, такой формально-созерцательный по своей истинной сути метод сразу ограничил его творческие возможности. Своеобразная трагедия творчества Сезанна заключается в том, что, борясь за реабилитацию утерянного импрессионистами цельно-синтезирующего взгляда на мир, он исключил из поля зрения всю ту действительную противоречивость реальности, все то богатство человеческих действий, эмоций и переживаний, которые и составляют подлинное содержание жизни.

И даже бесконечное многообразие жизненных форм часто переосмыслялось мастером в плане сведения их к некоторым четко организованным конструктивным схемам. Это не означает, конечно, того, что художник раз и навсегда стремился свести все природные формы к определенному числу простейших стереометрических элементов. Но такая тенденция иногда сковывала творческое воображение художника, и, главное, в результате ее появилась та характерная для искусства Сезанна статика, которая прослеживается в изображении почти любого мотива. Это особенно бросается в глаза, когда живописец обращается к образу человека. Однако в лучших картинах, посвященных образу человека, там, где Сезанн не стремится слишком четко применить свою художественную доктрину, он достигает большой художественной убедительности. Поэтичен и очень жизнен портрет жены художника из собрания Кресслер в Нью-Йорке (1372-1877). Б «Курильщике» (между 1895 и 1900 гг.; Эрмитаж) он передает ощущение спокойно-сдержанной задумчивости и внутренней сосредоточенности. Однако Сезанн создает и ряд работ более холодных, в которых начинает ощущаться своеобразный созерцательно-отчужденный, так сказать, «натюрмортный» подход к человеку.

Не случайно именно в области пейзажа и особенно натюрморта достижения Сезанна если и не наиболее значительны, то, во всяком случае, наиболее безусловны. «Парковый ландшафт» (1888-1890; Мюнхен, собрание Ребер) может служить характерным примером пейзажа Сезанна зрелого периода. Четкая горизонталь мостика, который обрамляют вертикальные купы склонившихся над водой деревьев, продуманный параллелизм планов близки уравновешенности классической кулисной композиции. В неподвижной глади реки отражаются очертания тяжелой листвы, домик на берегу, небо с редкими освещенными солнцем облаками. В отличие от цветовой и атмосферной вибрации импрессионистического пейзажа Сезанн сгущает цвет, стремясь передать материальность земли и воды. Густые мазки наносят на холст синие, изумрудные и желтые краски, которые воспринимаются как очень сложные по переходам и градациям, но приведенные к единому тону цветовые массы. Тяжелые ветви и зеркало воды трактованы объемно и обобщенно.

Пейзажи Сезанна конца 1870-1890-х гг. всегда монументальны: каждый из них проникнут эпическим величием, ощущением стабильности, целесообразной упорядоченности, вечности природы («БерегаМарны», 1888, ГМИИ,; «Поворот дороги», 1879-1882, Бостон, Музей изящных искусств; «Маленький мост», 1879, Лувр; «Вид Марсельской бухты из Эстака», 1883-1885, Нью-Йорк, Метрополитен-музей).

Выразительность пластичности предметов Сезанн передает в своих многочисленных натюрмортах зрелого периода («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888- 1890, Лувр; «Голубая ваза», 1885-1887, Лувр; «Горшок с геранью и фрукты», 1890-1894, Нью-Йорк, Метрополитен-музей). Здесь он стремится к контрастному сопоставлению форм и цветовых сочетаний, что в целом создает впечатление продуманной гармонии композиции.

В картине «Персики и груши» (1888-1890; ГМИИ) отбор предметов строго продуман: горизонталь стола подчеркивает смятость скатерти, на которую положены яркие фрукты, а рядом высятся граненый узорчатый кувшин и круглая сахарница. Темно-красные персики, розово-золотисто-зеленоватые груши контрастируют с холодной гаммой, в которой написана белая с сине-голубыми переходами скатерть. Красная кайма, изломанная складками материи и окруженная ее холодными рефлексами, вторит приглушенным цветовым эхом насыщенности теплых тонов.

Для того чтобы подчеркнуть объем предметов, художник упрощает их структуру, выявляет их основные грани. Так привычно бытовые формы становятся монументальными: тяжело лежат на тарелке круглые персики, накрахмаленные складки материи приобретают скульптурность, объемы груш кажутся уплотненными. Сознательно монументализируя натуру, художник хочет передать ее весомость и пластику в большей мере, чем характерные, неповторимые свойства данного предмета. Тенденция к упрощению форм, заложенная в искусстве Сезанна, будет в дальнейшем развита его последователями, так называемыми сезаннистами, которые используют ее намеренно односторонне и превратят в самодовлеющую, отвлеченную от многообразия качеств конкретной жизни формалистическую схему.

Портретные работы художника объединяет общее настроение сдержанной задумчивости и внутренней сосредоточенности: им, как правило, несвойственна подчеркнуто психологическая острота состояний. Эпический покой, привлекающий Сезанна в природе, характеризует и образ человека, который в его полотнах всегда полон величавого достоинства. В таких портретах, как «Портрет Шоке» (1876-1877; Кембридж, собрание В. Ротшильд), «М-м Сезанн в желтом кресле» (1890-1894; Сен-Жермен-сюр-Уаз, частное собрание), «Мальчик в красном жилете» (1890- 1895, варианты в разных собраниях), живописец достигает не только богатства и законченности живописи, но и большей по сравнению с другими его работами тонкости психологической характеристики образов.

Скульптурной ясностью форм, пластической выразительностью отмечены и многофигурные сюжетные композиции художника. В многочисленных вариантах «Игроков в карты» Сезанн компонует группы из двух-четырех-пяти персонажей. Наиболее выразительна работа, находящаяся в Лувре (1890-1892), где взволнованность импульсивного состояния одного из сидящих за столом подчеркивает неторопливое размышление его методичного партнера.

Картина «Пьеро и Арлекин» (1888, ГМИИ; второе название картины-«Mardi-grass, т. е. «Последний день карнавала») может служить примером живописного мастерства художника.

Одетый в неуклюжий балахон сгорбившийся Пьеро, мешковато движущийся медленной поступью, четко вписывается в замкнутую пирамидальную композицию. Эта почти застывшая инертная масса воспринимается еще контрастнее в сравнении со стройностью шагающего Арлекина. Ясно ощутимая весомость объемов и ритмические соотношения между ними подчеркнуты рисунком и формой драпировки; кусок занавеси справа подобен в своей тяжеловесности фигуре Пьеро, жест правой руки которого ритмически повторяется в изогнутой линии ткани; падающая слева крупными складками материя как бы вторит движению Арлекина. Наклонная линия пола, параллельная очертанию драпировки в правом верхнем углу, подчеркивает медлительность шага изображенных персонажей. Общий колористический строй картины также основан на чередовании контрастных сочетаний. Черно-красное трико, облегающее Арлекина, неожиданно перерезается белой тростью, которая служит естественным переходом к написанной белилами со свинцово-голубыми тенями свободно падающей одежде Пьеро. Некоторая угрюмость общего цветового звучания картины создается за счет тусклости синеватого фона и зелено-желтых занавесей.

В данном произведении Сезанн достигает удивительной живописной законченности. Но цельность восприятия живых человеческих характеров, их взаимоотношений заменяется мастерством конструкции картины. Остановившийся взгляд Арлекина и невидящие глаза Пьеро почти превращают лица этих людей в застывшие маски.

Среди последних произведений Сезанна следует отметить ряд пейзажей с изображением горы св. Виктории, над которыми он работал в течение долгих лет (варианты в ГМИИ, Эрмитаже и в других собраниях).

В тот же период художник вновь обращается к теме «Купальщиков» и «Купальщиц», которую он разрабатывал еще в самом начале своего творческого пути. Уравновешенность форм в пространстве, гармония и ритм как композиционного, так и очень красиво найденного колористического построения «Больших купальщиц» (1898-1905; Филадельфия, Художественный музей) свидетельствуют об интересных поисках Сезанна в области монументальной живописи. Однако интерес Сезанна к монументальной живописи не смог найти в условиях того времени своего применения.

Известное влияние импрессионистов испытал Поль Гоген (1848-1903), вскоре Занявший по отношению к ним резко негативную позицию. Художник восстает против свойственной импрессионизму пассивной верности зрительно-иллюзионистическим впечатлениям. Взамен он выдвигает требование следовать «таинственным глубинам мысли», смыкаясь в этом с программой литераторов-символистов. Однако, в отличие от Германии и Англии, течение символизма не завоевало на родине Гогена господствующего положения и само содержание творчества Гогена не может быть сведено к символизму или модерну.

Человек бурной и сложной биографии, бывший матрос и биржевой маклер, Гоген стал художником в зрелом возрасте. Тридцати восьми лет он отправляется в Бретань, живописную деревушку Понт-Авен, полюбившуюся нескольким художникам-пейзажистам. Часть этих художников, идущих по пути постимпрессионизма, в том числе и Гоген, объединились в понт-авенскую школу. Убежденный противник «казарменной европейской цивилизации», он мечтает обрести в памятниках национального средневековья источник вдохновения.

Сюжет полотна «Желтый Христос. Понт-Авен-Ле Пульдю» (1889; Буффало, галлерея Олбрайт) подсказан старинной деревянной статуей, увиденной художником в одной из местных часовен. Огромное романское распятие и сидящие рядом с ним в благочестиво-сосредоточенных позах крестьянки воссоздают атмосферу покорного суеверия бретонских жителей, так увлекавшую в то время мастера.

Пейзаж, который служит фоном, решается художником подчеркнуто декоративно: по золотисто-желтым нивам разбросаны рдеющие багрянцем деревья, за холмами синеет полоса далекого леса. Декоративный эффект усиливают белые накрахмаленные платки, темно-голубые и черные платья изображенных на первом плане женщин, ярко-оранжевый фартук одной из них. Интенсивность цвета подчеркнута темным контуром, обрамляющим красочные пятна. Это напоминает технику перегородчатой эмали, только роль металлических перегородок здесь выполняют линии рисунка, между которыми распределяются пятна чистого цвета. Термин «клуазонизм» (от франц. cloison - перегородка) довольно часто употребляется для характеристики творчества Гогена этого периода. Поиски линеарной выразительности также занимают важное место в творчестве художника. И это» как правило, приводит его к нарочитой плоскостности изображения. Искусственность содержания картины «Желтый Христос», свидетельствующего о религиозно-мистических настроениях Гогена, сочетается с несколько модернистской манерностью ее художественного решения.

Поиски линеарной выразительности, сознательное упрощение форм и рисунка, контрасты цветовых пятен характеризуют также полотна «Борьба Иакова с ангелом» (1888; Эдинбург, Национальная галлерея), «Прекрасная Анжела» (1889; Лувр), «Бретонское распятие» (1889; Брюссель, Музей) и др.

Уже в этот период стремление Гогена преодолеть мелочный анекдотизм салонной живописи, своеобразную смесь в ней плоского натурализма и пошлой красивости осуществляется им на путях сознательной архаизации и условной стилизации форм. Это определяет и сильные стороны его декоративно-условного мастерства и своеобразную ограниченность творчества. Уход Гогена от прозаизма господствующего уклада жизни в «благополучной» буржуазной Франции не привел его к стремлению раскрыть подлинно драматические, эстетически значительные стороны и проблемы современной ему жизни общества. Вот почему его красочное и отвлеченно-созерцательное творчество, далекое как от прямого отражения социальной жизни, так и от сложного и богатого духовного мира современных ему людей, после инерции сопротивления со стороны сложившихся вкусов общества было принято и, так сказать, эстетически освоено так называемой «просвещенной» элитой того же буржуазного общества, эстетическое неприятие которого и послужило одним из первоначальных толчков, предопределивших направленность творческих исканий Гогена.

В 1891 г. Гоген решает расстаться с прозаическим, торгашеским, лицемерно-лживым буржуазным обществом, которое, как глубоко был убежден Гоген, враждебно природе истинного творчества. Художник уезжает на остров Таити. Далеко от родины он надеется обрести первозданный покой и безмятежное существование, присущие «золотому веку» детства человечества, которое, как ему думалось, сохранилось у аборигенов далеких островов. Гоген до последнего дня жизни хранил в своем искусстве наивные иллюзии этой мечты, хотя подлинная колониальная действительность грубо ей противоречила.

В 1893 г. Гоген пишет картину «Женщина, держащая плод» (Эрмитаж). Формы человеческих фигур величавы и статичны, так же как лениво-неподвижен тропический пейзаж, на фоне которого они изображены. Художник воспринимает людей в неразрывной связи с окружающим их миром. Человек для него - совершенное создание природы, как цветы, плоды или деревья. Работая над станковой картиной, Гоген всегда стремился решить ее декоративно: плавные контуры, рисунок тканей, причудливый узор ветвей и растений создают ощущение торжественной декорации. Реальная природа Таити трансформируется в яркий красочный узор.

Гоген понимает цвет обобщенно декоративно: увидев на песчаной почве теплые тени, он пишет ее розовой; усиливая интенсивность рефлексов, превращает их в локальные тени. Он не пользуется светотеневой моделировкой, а, накладывая цвет ровными яркими плоскостями, контрастно сопоставляет их, увеличивая тем самым силу цветового звучания картины («Букет цветов. Цветы Франции», 1891; «А, ты ревнуешь?», 1892, илл. 17; обе - ГМИИ). Некоторая матовая блеклость цвета произведений Гогена объясняется недостатками грунтовки^ которые оказали впоследствии на них свое губительное влияние.

Столь же экзотичными, как и природа Таити, кажутся Гогену люди, населяющие этот удивительный край. Их жизнь, овеянная воспоминаниями старинных легенд и преданий, кажется ему полной особого значительного смысла. Увлечение образами народного фольклора, таинственной загадочностью древних богов находит своеобразное преломление в ряде поздних работ мастера («Ее зовут Вайраумати», 1892; ГМИИ; «Жена короля», 1896, ГМИИ, илл. 16; «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», 1897, Бостон, Музей, и др.)" В последние годы тяжелобольной художник боролся за сохранение туземной культуры, пытался защитить местное население от притеснений французской администрации. Одинокий и отчаявшийся, он умер в своем доме, который когда-то назвал «Домом радости».

В существенно ином направлении, чем у Сезанна и Гогена, развивались творческие искания Винцента Ван-Гога (1853-1890). Если Сезанн стремился к раскрытию самых общих закономерностей материального мира, если для Гогена была характерна, вне зависимости от его личных настроений, отвлеченность от конкретных противоречий жизни современной ему Франции, то искусству Ван-Гога присуще стремление воплотить сложную противоречивость и смятенность душевного мира современного ему человека.

Искусство Ван-Гога остропсихологично и глубоко, подчас исступленно-драматично. Преодоление ограниченности импрессионизма мыслилось им как возврат искусства к острым проблемам нравственной и духовной жизни человека. В искусстве Ван-Гога нашли свое первое открытое выражение кризис гуманизма конца 19 в., мучительные и безысходные поиски истинного пути его наиболее честными представителями. Это определило и глубокую человечность, искренность творчества Ван-Гога и вместе с тем черты болезненной нервозности, субъективной экспрессии, часто проявляющиеся в его искусстве.

Если односторонняя интерпретация, а по существу фальсификация наследия Сезанна, стала базой для создания холодно-рационалистических, отвлеченно-формальных направлений в буржуазном искусстве 20 в., то односторонняя искаженная трактовка некоторых тенденций в творчестве Ван-Гога характерна для экспрессионистических и вообще субъективно-пессимистических направлений западноевропейского буржуазного искусства 20 в. Для нас решающее значение имеют не подхваченные формализмом черты в творчестве Ван-Гога, а все его искусство - искусство честного и искреннего художника, воплотившего трагедию гуманизма эпохи начавшегося кризиса буржуазной культуры.

Ван-Гог родился в Голландии в небогатой семье провинциального пастора. Очень рано наметился разрыв между мучительно ищущим смысл жизни молодым Винцентом и мещански-самодовольной атмосферой его семейного окружения.

Ван-Гог уезжает в Бельгию, ищет решения волнующих его вопросов в миссионерской деятельности. В 1878-1879 гг. он проповедует Евангелие на угольных копях Боринажа. Однако вскоре церковные власти отказываются от услуг человека, лишенного необходимых ораторских качеств и к тому же слишком страстно пекущегося о «мирских» невзгодах своей бедной паствы.

Подавленный неудачей, Ван-Гог впервые в двадцатисемилетнем возрасте обращается к языку искусства, уверовав в его великую действенную силу. Так он надеется стать полезным людям. С осени 1880 г. и до весны 1881 г. будущий живописец посещает Брюссельскую Академию художеств. Вскоре он прерывает свое художественное образование и возвращается на родину. В дальнейшем Ван-Гог мечется между отчим домом, Гаагой и другими городами Голландии и Бельгии. Он хватается, равно неудачно, за самые разные дела, одновременно упорно работая как художник.

Первое пятилетие творческой деятельности Ван-Гога (1880-1885) обычно определяется как голландский период, хотя было бы точнее назвать его голландско-бельгийским, В эти годы он стремился в своем искусстве отразить тяжелую жизнь «униженных и оскорбленных», с глубоким чувством он передавал нищету и тяжелый труд шахтеров, ремесленников, крестьян. Глубоко примечательно, что начинающий художник обращается к примеру Милле, копируя его «Анжелюс», и в 1881 г.- к его «Сеятелю» (к этому образу Ван-Гог будет возвращаться и в дальнейшем).

Не менее закономерно, что Ван-Гогу, прожившему более года в стране шахт, при всем его глубоком искреннем демократизме оказался чужд творческий опыт Менье, художника, не столь сострадающего беднякам, сколь утверждающего суровую красоту и величие человека индустриального труда. Знаменитые «Едоки картофеля» (1885; Ларен, собрание Ван-Гог) написаны в мрачных темных тонах и проникнуты духом сумрачной подавленности, почти животной покорности своей судьбе. Вместе с тем в работах раннего периода постепенно раскрывается способность художника с особой интенсивностью и убедительностью передавать и эмоциональную напряженность своего мироощущения и смятенность внутреннего мира изображаемых им людей.

Ван-Гог начинает преодолевать профессиональные недостатки (приблизительность в передаче ракурсов и пропорций, слабое владение анатомией и т. д.), которые проявляются в таких рисунках, как «Подметальщик улицы» (1880-1881; Оттерло, музей Кроллер-Мюллер). Он все более и более овладевает мастерством в передаче характерного и экспрессивно-выразительного. Так, в литографии «Отчаяние» (1882) он с беспощадной правдивостью передает уродство тела увядшей женщины и вместе с тем с глубоким сочувствием раскрывает ту глубокую и горькую безнадежность, которой охвачен этот некрасивый, жалкий, страдающий человек.

Драматическую взволнованность, мучительную, почти болезненную чуткость к страданию Ван-Гог передает и в произведениях, посвященных миру природы, неодушевленным предметам (рисунок «Дерево», 1882, Оттерло, музей Кроллер-Мюллер, и «Зимний сад», 1884, Ларен, собрание Ван-Гог). В них Ван-Гогу удалось осуществить свое стремление «вложить в пейзаж то же чувство, что и в человеческую фигуру... Это - особая способность растения конвульсивно и страстно цепляться за землю; и все же оно оказывается вырванным из нее бурею» (из письма к брату). Такое «очеловечение», острая драматизация мира вещей и природы - одна из самых характерных черт творчества Ван-Гога.

К 1886 г. полностью выявляется общая направленность творческих исканий Ван-Гога. Переезд художника во Францию окончательно определяет его художественное развитие. Знакомство с импрессионистами, сияние света солнечного юга (Ван-Гог в 1888 г. переезжает из Парижа в Арль) помогают ему освободиться от остатков черноты колорита и выявляют то острое чувство цветовых контрастов, ту эмоциональную гибкую выразительность мазка, которые уже формировались в творческой манере Ван-Гога.

В течение последних четырех лет своей жизни одержимо работающий Ван-Гог создает огромную серию картин, которая определила его место в истории европейского искусства новейшего времени. Правда, приступы душевной болезни, подчас лихорадочная торопливость работы сказываются в неравноценности его произведений. Но наиболее значительные из них наряду с живописью Сезанна оказали огромнейшее воздействие на все дальнейшее развитие западноевропейской живописи.

Для французского периода в творчестве художника характерно при безусловном использовании опыта импрессионистов принципиально иное по сравнению с ними понимание задач искусства. Так, в его картине «Дорога в Овере после дождя» (1890; ГМИИ) поражает не только тонкая, точная передача умытой свежестью природы, освещенной солнцем и еще сверкающей влагой от только что прошедшего дождя, но и острое чувство ее ритмической жизни: бегут ряды садовых гряд, кучерявятся деревья, вьются клубы дыма бегущего поезда, сияют и играют блики солнца на влажной траве - все это сливается в целостную полную жизни картину по-летнему радостного мира.

Поиски новой реалистической выразительности ярко проявляются и в его «Лодках в Сент-Мари» (1888; частное собрание). Звучная напряженность цвета эстетически подчеркнуто и лаконически-обобщенно передает характер природы и освещения средиземноморского юга. Острый ритм перечеркивающих друг друга мачт и рей, стремительно изогнутые силуэты вытащенных на берег лодок как бы сохраняют в себе ощущение легкого бега по волнам.

Вместе с тем Ван-Гог создает и произведения, в которых начало субъективной экспрессии, принцип самовыражения своего состояния получают примат над задачей отражения и оценки мира. Такой отход в известной мере чувствуется в его «Красных виноградниках в Арле» (1888; ГМИИ). В выразительно красивой по своему цветовому строю картине заложено противоречие между идиллическим мотивом (закат в безоблачном небе, неторопливый и спокойный сбор урожая в уже охваченном увяданием винограднике) и драматическим настроением образа. Так, беспокойные мазки превращают виноградник в глухо горящий поток пламени, голубые ветви деревьев пронизаны беспокойным порывом, аккорд болезненно-оранжевых тонов неба и тяжелого, голубовато-белого диска солнца создают ощущение смутной тревоги и смятенности.

Визионерский характер присущ и таким пейзажам, как «Звездная ночь. Сен-Реми» (1889; Нью-Йорк, Музей современного искусства). Черно-синий пламень верхушки кипариса на переднем плане противопоставлен шпилю далекой колокольни, притаившейся в синей мгле деревушки. Клубятся то золотистые, то серебристо-голубые мерцающие световые спирали по небу. Все это превращает картину мирной летней ночи в почти апокалиптическое видение.

Безусловно, что ощущение грозной враждебности отчужденного от человека мира, его сумрачной опасной красоты эстетически выражали то положение, в котором находится одинокий, страдающий «маленький человек», не связанный с классом, познавшим законы развития истории. Поэтому и такие работы Ван-Гога глубоко искренни, а их появление было исторически неизбежно. Но они вместе с тем являлись художественным выражением духовного мира тех социальных слоев, которые, страдая от уродств современной им действительности, не видели реальных путей преодоления этих уродств и абсолютизировали свое субъективное состояние, свое чувство трагического отчаяния. Именно эта сторона в творчестве Ван-Гога и будет подхвачена экспрессионизмом и аналогичными художественными течениями в искусстве 20 в.

Было бы неверно, однако, видеть только эту сторону в творчестве Ван-Гога, большого и честного художника. Его «Дорога в Овере после дождя», поразительная своей психологической портретной правдивостью «Спальня художника в Арле» (1888; Ларен, собрание Ван-Гог), «Стул и трубка» (1888-1889; Лондон, галлерея Тейт) и многие другие работы волнуют реалистической силой образа, правдивостью чувств. В некоторых работах этого рода поражает не только правдивость его столь эмоционально выразительного художественного языка, но и то ощущение несколько возбужденной жизнерадостности, мажорности восприятия жизни природы, которая показывает, что Ван-Гог был чуток и к красоте и гармонии жизни. Драматизм, нервный надлом, столь характерный для многих работ Ван-Гога,- результат не его болезненно предвзятой тяги к уродливому и отвратительному, к их извращенному смакованию (как это было характерно для некоторых декадентских мастеров культуры того времени), а плод его обостренной чувствительности к тем уродствам и диссонансам, которые несла в себе социальная действительность («Прогулка заключенных», 1890; ГМИИ).

Чуткость к враждебному человеку началу, всегда таящемуся в жизни того общества, где жил Ван-Гог, и скрытому под оболочкой обыденной повседневности, нашла свое выражение в его «Ночном кафе в Арле» (1888; Нью-Йорк, собрание Кларк). Тоска и безнадежность одиночества охваченной щемящим отчаянием человеческой души переданы в тускло-ярком мертвенном освещении полупустого кафе; они переданы в унылых фигурах редких посетителей, как бы оглушенных вином и своей отчужденностью от мира. Это душевное состояние выражено и в резких диссонансах красок - зеленого сукна бильярда, розово-желтого пола, красных стен, желтых кругов света вокруг горящих ламп - и особенно в одинокой, беспомощно-тоскливой, напоминающей фантоша фигурке застыло стоящего с опущенными руками официанта.

«Я пытался.. . в этой атмосфере адской печи и бледно горящей серы воплотить все могущество мрака и атмосферу войн. И все же все это я хотел раскрыть под видимостью японской легкости и тартареновского благодушия» (из письма к брату).

Эта же огромная внутренняя напряженность переживания раскрывается и в его портретах и автопортретах. Так его «Автопортрет, посвященный Полю Гогену» (1888; Кембридж, Музеи искусств Гарвардского университета), характерен тем чувством суровой и чуть скорбной сосредоточенности и скрытой одержимости, которая дает нам возможность узнать в этом портрете именно художника Ван-Гога с его неповторимым художественным видением мира. Таков и его полный нервной энергии и настороженного напряжения «Автопортрет с перевязанным ухом» (1889; Чикаго, собрание Блок).

В картине «Женщина в кафе «Тамбурин» (1887; Ларен, собрание Ван-Гог) в скорбно-усталом лице сидящей за столиком в пустом кафе женщины, в нервно-беспокойной фактуре мазков как бы продолжается та тема опустошенной тоски и одиночества, которая впервые прозвучала так ярко и определенно в «Абсенте» Дега. Но здесь этот мотив выражен с меньшей сдержанностью, чем у Дега, с боль-шей страстной ожесточенностью.

В последние годы Ван-Гог был подвержен приступам тяжелого душевного заболевания. У некоторых исследователей возникал соблазн приписать характер искусства Ван-Гога его душевной болезни. Но это не так. Если искусство Ван-Гога и было симптомом болезни, то смертельной болезни самого общества - начавшегося неизлечимого кризиса буржуазного гуманизма.

Современником Сезанна, Ван-Гога и Гогена был Анри де Тулуз-Лотрек (1864- 1901). Его творчество также относят к постимпрессионизму.

Для творчества Тулуз-Лотрека в целом характерно своеобразное развитие и видоизменение традиций искусства Дега и отчасти Э. Мане в сторону все большего подчеркивания моментов экспрессии образа, доходящей почти до гротеска нервной динамики формы. В листах художника пестрой чередой стремительно проходят перед зрителем и безвестные мидинетки и известные певицы ночных кафе; блестящие представители артистической и писательской богемы Парижа и опустившиеся завсегдатаи притонов; проходят то одержимые лихорадочно-судорожным весельем, то охваченные тоской одиночества.

Необычные, порой трагические события биографии, своеобразие обстановки, в которой прошла жизнь художника, сыграли определенную роль в формировании творческих склонностей Тулуз-Лотрека. Он был одним из тех художников Франции конца 19 столетия, в творчестве которых тема социального и душевного неустройства, пусть в очень традиционной и узкой тематически сфере, нашла прямое выражение.

Тулуз-Лотрек происходил из древнего потомственного рода виконтов Южной Франции. В детстве он сломал обе ноги и навсегда остался калекой. Физическое безобразие сделало его парией в глазах респектабельной аристократии.

Моделями для первых живописных полотен художника служат чаще всего его близкие и родственники. Портреты «Графиня Тулуз-Лотрек за завтраком в Мальроме» (1883), «Графиня Аделъ де Тулуз-Лотрек» (1887; оба - Альби, музей Тулуз-Лотрека) отмечены влиянием импрессионистической техники, но стремление к максимальной индивидуализации характеристик, особая, порой беспощадная, порой интимно-грустная зоркость наблюдения говорят о принципиально ином понимании образа человека. Таковы «Молодая женщина, сидящая за столом» (1889; Ларен, собрание Ван-Гог), «Прачка» (1889; Париж, собрание Дортю) и другие работы.

Дальнейшая эволюция искусства Тулуз-Лотрека отмечена продолжением поисков психологической выразительности, развивающихся параллельно с интересом к передаче конкретно-неповторимого облика изображаемых персонажей. Полотно «В кафе» (1891; Бостон, Музей изящных искусств) близко по содержанию известной, уже упоминавшейся выше работе Дега «Абсент». Но в интерпретации Тулуз-Лотрека изображение двух опустившихся пьяниц, тупо застывших за грязным столом, приобретает еще более драматическую окраску.

Позиция Тулуз-Лотрека - это ироническая позиция сатирика, который постоянно пользуется методом гротескового преувеличения. Подобная черта отчетливо проявилась в таких картинах, как «Ла Гулю, входящая в Мулен-Руж» (1892; Париж, собрание Бернхейм де Вилл ер), «Танец в Мулен-Руж» (1890; Филадельфия, частное собрание). Стремление к передаче яркого своеобразия движений, жестов, поз особенно наглядно прослеживается в изображении танцующей в глубине зала нары. Гротесковый силуэт мужчины, выделывающего гибкими ногами необычные антраша, и резкие движения его рыжеволосой партнерши в красных чулках создают острый и лаконический образ» в котором есть черты, сближающие его с выразительностью плаката.

Роль рисунка в искусстве мастера чрезвычайно велика. Острота, выразительность, богатство и разнообразие графического почерка Тулуз-Лотрека делают его выдающимся рисовальщиком 19 в. Графика составляет значительную часть его творческого наследия (многочисленные эстампы, пастели, литографии, рисунки). Особое место занимают знаменитые афиши. Именно в эти годы складывается специфика плаката как особой формы искусства. Плакат в современном смысле этого слова и зародился в искусстве Тулуз-Лотрека и отчасти Стейнлена.

Одной из лучших в истории афиш по праву считается его цветная литография «Divan japonais» (1892), рекламирующая маленькое кафе-концерт. Неожиданно вынесенный на первый план острый силуэт дамы в модном узком платье и причудливой шляпе, нервно-извилистая линия, очерчивающая контур мужчины, сидящего позади, составляют композиционный стержень листа. Фигура главной героини, поющей на сцене, намеренно отнесена вглубь таким образом, что видны только ее платье и затянутые в длинные темные перчатки руки, а голова срезается рамой листа. В результате смотрящий на афишу как бы сам попадает в атмосферу зрительного зала, на подмостках которого выступает певица Иветг Гильбер.

К образу Иветт Гильбер Лотрек обращался много раз. В 1894 г. он сделал целый альбом литографий, где запечатлел характерные движения и тончайшие оттенки настроений, мимики лица звезды Монмартра. Один из подготовительных вариантов портрета Иветт Гильбер, выполненный в том же году многоцветной масляной эссенцией, хранится в Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

В некоторых портретах 1890-х гг. наряду со склонностью к острогротесковой, норой карикатурной передаче образа человека можно проследить и иные тенденции. В портрете доктора Габриэля Тапье де Салейрана (1894; Альби, музей Тулуз-Лотрека) фигура медленно бредущего элегантного мужчины, позади которого копошатся странные люди с лицами, напоминающими кошмарные маски, становится почти символом безнадежного отчаяния и одиночества. Эта же тема прослеживается в картине «Жанна Авриль, выходящая из Мулен-Руж» (1892; Гертфорд, Атенеум Уодстворта). Нота печального лиризма звучит в одинокой усталой фигуре женщины, в ее потухшем грустном лице.

Творчество Тулуз-Лотрека сыграло большую роль в развитии французской графики конца прошлого века. Дальнейшие поиски выразительности графической техники, понятой несколько более самодовлеюще формально, продолжает Феликс Валлотон (1865-1925). Швейцарец по происхождению, Валлотон большую часть жизни провел в Париже, и обычно его рассматривают как представителя французской школы. Валлотон много работал и как живописец. Интерес к отвлеченно-холодной объемности в трактовке человеческих фигур делает его одним из первых представителей неоклассицистического варианта модерна в живописи. Однако наиболее значительным вкладом в историю искусства была графика Валлотона. Именно Этому художнику принадлежит приоритет в разработке новых возможностей мало практиковавшейся в то время ксилографии.

Иллюстрируя «Книгу масок» (1895) Реми де Гурмона, Валлотон создает ряд портретов известных литераторов того времени. Не отказываясь от индивидуализации портретных образов, он достигает значительной обобщенности в характеристике своих моделей. Особенно интересен портрет Ф. М. Достоевского (гравюра на дереве), трагическая сложность натуры которого была угадана автором. Белое пятно лица с напряженно-пытливым взглядом внимательных глаз четко выделяется на гладком черном фоне. Резко процарапанные линии упрощенно обозначают формы носа, бровей, очертания волос и морщин.

Интересна своей динамикой ксилография «Демонстрация» (1893). Валлотон показывает сцену разгона демонстрации в резком ракурсе сверху вниз, как бы увиденной из окна верхнего этажа. Беспокойное мелькание черных фигурок воспринимается мастером как бы с позиции артистически точного постороннего наблюдателя.

Особое место в развитии французской графики конца 19 - начала 20 в. занимает творчество Теофиля Стейнлена (1859-1923). Стейнлен продолжает в новых условиях традиции демократической боевой журнальной графики Франции. Художник не чужд и открытий таких мастеров 1860-1870-х гг., как Э. Мане, Э. Дега, создавших полный выразительной динамики язык, остро и точно передающий характерные мгновенья в вечно подвижной жизни большого города. Однако Стейнлена отличает не столько блеск артистизма в решении того или иного мотива, сколько социально-этическая нацеленность образного решения.

Как точный и острый наблюдатель социального быта Парижа, он стоит ближе к традиции Дега, чем Э. Мане или К. Моне, не достигая, однако, художественной выпуклости и лаконической точности своего старшего современника. Сильная сторона творчества Стейнлена - стремление к социальной действенности искусства, непосредственная демократичность, связь с жизнью не вообще «парижской улицы». а с миром чувств, мыслей, стремлений трудового люда великого города. В этом смысле он скорее наследник Шарле и Домье, представитель демократической, социально заостренной линии во французской реалистической культуре.

Обращаясь не только к изображению трудящихся, рабочего класса, но стремясь выразить его чувства и идеалы, Стейнлен близок к переходу от буржуазно-демократического реализма к реализму, связанному с идеалами демократии социалистической. Правда, эти идеалы для Стейнлена выступают еще в смутно-неопределенной форме, и в этом отношении художник разделяет силу и слабость стихийно социалистической направленности взглядов и чувств рабочей массы Франции тех лет.

Многие, особенно ранние работы Стейнлена (1880-1890-х гг.) представляют собой иллюстрации к популярным песенкам парижских предместий, публикуемым в отдельных сборниках или на страницах демократических журналов. Это полные движения, подчас лукавые, подчас печальные, а подчас и сентиментально-чувствительные в духе «жестокого романса» как бы подсмотренные на улице сцены: «Зима» (1890-е гг.; рисунок к стихотворению Р. Поншона для журнала «Жиль Бдаз иллюстре»), «Молодые работницы» - задорные пересмешницы, идущие после работы на свидание; «Старый бродяга» -несколько сентиментальная композиция, изображающая одинокого старика, делящего свою скудную трапезу с единственным другом - мохнатым, худым псом.

Особое место в творчестве мастера занимают его полные гуманизма и печального юмора сделанные в 1901 г. иллюстрации к «Кренкебилю» А. Франса, столь высоко оцененные самим автором рассказа.

Социальная, антиимпериалистическая направленность особенно ясно звучит в иллюстрации Стейнлена к песенке, повествующей о тяжелой доле солдата, направленного служить в колониальные войска. Антимилитаризм и антиколониализм - характерная черта работ СтеЙнлена-журналиста, постоянного сотрудника таких левых газет, как «Ассиет о бёр», «Шамбар сосиалист» и др. Таковы, например, рисунки, бичующие «цивилизаторскую» деятельность французских и бельгийских колонизаторов в Конго.

Большое значение имеют литографии Стейнлена, посвященные борьбе рабочего класса Франции, Его «забастовка» (1898) без внешнего пафоса, выразительно передает грозное спокойствие забастовщиков, собравшихся у охраняемых солдатами ворот фабрики. Остро и скупо намечена галлерея характеров этих рабочих, рослых жителей севера Франции с их лицами, полными сурового ума и упрямой простонародной энергии. Точно противопоставлен им столь типичный облик одетых в солдатскую форму приземистых «черномазых» крестьянских парней, пригнанных с сельского юга Франции сюда, в чужую им страну шахт и заводов с незнакомыми и непонятными людьми.

Его цветная литография «Преступление в Па-де-Кале» (1893) своей лаконичной социальной силой и драматизмом предвещает будущие революционные плакаты 20 в. Пафос «Преступления в Па-де-Кале» -пафос горечи и гнева. Эта журнальная иллюстрация-плакат посвящена реальному факту: восемьсот семей бастующих шахтеров были выгнаны жандармами на холод из принадлежащих компании халуп. Образ скорбно-гневного могучего шахтера с ребенком на плече, идущего во главе подавленной горем семьи и грозно сжимающего рукой шахтерскую кирку, вырастает в символ несгибаемой воли, непримиримого революционного гнева рабочего класса Франции.

Искусство Стейнлена сложилось в течение второй половины 1880-х и в 1890-е гг. и тесно связано с пробуждением рабочего класса и вообще демократических сил Франции после периода господства реакции, наступившего вслед за подавлением Парижской коммуны 1871 г. Стейнлен продолжал работать в своей манере над привычным кругом тем и в 20 в. И хотя он откликнулся на события первой мировой войны интересной серией «Беженцы» (1916), противостоящей своим гуманизмом шовинистической пропаганде тех лет, он остается в истории французской культуры как мастер, связанный в первую очередь с демократической и социалистической тенденциями во французском искусстве 1880-х - начала 1900-х гг.

В целом в эти годы во Франции в творчестве ее крупнейших мастеров были поставлены проблемы перехода к новым формам реализма, к преодолению распыленной формы и ускользающей мгновенности восприятия импрессионистов. Однако в условиях нарастания первых признаков общего кризиса культуры капитализма, вступившего в завершающую фазу своего развития, решить проблему перехода искусства на более высокую ступень было невозможно, оставаясь в пределах мировоззрения и эстетических представлений старого общества. Отсюда двойственность и противоречивость исканий таких больших мастеров, как Сезанн и Ван-Гог. Эта противоречивость и сделала возможной одностороннюю интерпретацию их наследия формалистическим искусством 20 в.

French painting of the 19th to early 20th century is represented by approximately 850 items. Chronologically, this section begins with works by artists from the late 18th and early 19th centuries whose contributions to the history of art vary enormously, but whose works embody the artistic aspirations of the age: Lethiere, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, artists who were very popular during the time of the Empire such as Guerin, F. Gerard and others.

Each of the most celebrated masters is represented here: David by his superb Sappho and Phaon (1809), Gros by Napoleon on the Bridge at Arcole (about 1797), Ingres by Portrait of Count Guriev (1821), Delacroix, the most brilliant of French Romantic artists, by two canvases: Moroccan Saddling a Horse (1855) and Lion Hunt in Morocco (1854).

The Hermitage collection provides a good overview of the Barbizon School, a group of artists who settled in the village of Barbizon near Paris: Theodore Rousseau, Dupre, Daubigny and others, who were to have such a major influence on the development of French landscape painting, and Corot, whose works contain a peculiar combination of Neoclassicism, Realism and Romanticism. One of the focal points of the museum is the collection of late 19th and early 20th century works, which includes over 250 works.

It contains seven works by one of the founders of Impressionism, Claude Monet, enabling us to judge not only his creative work, but also the evolution of the school overall: from his early Lady in a Garden (1867) to the late Waterloo Bridge (1903). There are six paintings by Renoir, including his notable Portrait of the Actress Jeanne Samary (1878); two Paris scenes by Pissarro; three landscapes by Sisley; and a series of pastel drawings by Degas.

The works by Cezanne, Gauguin and van Gogh are of the highest quality. Cezanne worked in different genres, as can be seen by the selection of his paintings on display. Gauguin"s oeuvre is here represented by works painted during his life in Tahiti. Among van Gogh"s paintings are The Lilac Bush (1889), one of his greatest achivements, and Thatched Cottages (1890), among his last works.

Carriere, Puvis de Chavannes, Odilon Redon and others are among the leading Symbolist artists whose work can be seen on display. With works by the Nabis group - Denis, Roussel, Vuillard, Bonnard, Vallotton - as well as Marquet, Derain, van Dongen, Vlaminck and Manguin, the Hermitage exhibition provides a comprehensive view of the development of French painting at the time.

The culmination of the collection of French 20th-century painting comes with the superb display of works by Matisse and Picasso. With 37 paintings by Matisse, including such notable canvases as The Red Room (1908), Family Portrait (1911), and the important panels Dance and Music (both 1910), and 31 paintings by Picasso, from the early The Absinthe Drinker (1901), a major work from his Blue Period - The Visit (1902), to works vital to the understanding of Cubism - Dance with Veils (1907), Three Women, Woman with a Fan (1908) - these rooms are rightly amongst the most popular in the museum.

Франция - Художники Франции (французские художники)

Франция (фр. France ), официальное название Французская Республика (фр. République française [ʁepyblik fʁɑ̃sɛz]) - государство в Западной Европе.
Франция Французская Республика Большая часть Франции расположена в Западной Европе, её материковая часть на северо-востоке граничит с Бельгией, Люксембургом и Германией, на востоке - с Германией и Швейцарией, на юго-востоке - с Монако и Италией, на юго-западе - с Испанией и Андоррой. На западе и севере территория Французской Республики омывается Атлантическим океаном (Бискайским заливом и проливом Ла-Манш), на юге - Средиземным морем (Лионским заливом и Лигурийским морем).

Франция Французская Республика Также в состав государства Французская республика входят остров Корсика в Средиземном море и более двадцати заморских департаментов и зависимых территорий.
Франция Французская Республика Общая площадь страны составляет 547 тыс. кв. км (643,4 тыс. кв. км вместе с заморскими территориями и департаментами). Это самая большая страна Европейского союза.
Франция Французская Республика Столица Франции (Французской Республики) город Париж. Франция Французская Республика Название страны происходит от этнонима германского племени франков, несмотря на то, что большинство населения Франции имеет смешанное галло-романское происхождение и говорит на языке романской группы.
Франция Французская Республика Сегодня во Франции проживает около 64 миллионов человек.

Франция История Франции Франция в доисторический период была местом древнейших стоянок неандертальцев и кроманьонцев. В эпоху неолита на территории Франции существовало несколько богатых памятниками доисторических культур. Доисторическая Бретань была культурно связана с соседней Британией, на её территории обнаружено большое количество мегалитов. В период позднего бронзового и раннего железного века территорию Франции населяли кельтские племена галлов, юго-запад современной Франции - иберы, племена неизвестного происхождения. В результате поэтапного завоевания, которое было завершено в I в. до н. э. в результате Галльской войны Юлия Цезаря, современная территория Франции вошла в состав Римской империи как провинция Галлия. Население было романизировано и к V веку говорило на народной латыни, ставшей основой современного французского языка.

Франция История Франции В 486 году Галлия была завоёвана франками под предводительством Хлодвига. Тем самым было установлено Франкское государство, а Хлодвиг стал первым королём династии Меровингов. В VII веке власть короля существенно ослабла, а реальной силой в государстве обладали мажордомы, одному из которых, Карлу Мартеллу, удалось в 732 году в битве при Пуатье разбить арабское войско и предотвратить завоевание арабами Западной Европы. Сын Карла Матрелла, Пипин Короткий, стал первым королём династии Каролингов, а при сыне Пипина, Карле Великом, франкское государство достигло наивысшего расцвета за всю историю и занимало большую часть территории нынешней Западной и Южной Европы. После смерти сына Карла Великого - Людовика Благочестивого - его империя была поделена на три части. В 843 году по Верденскому договору было образовано Западно-Франкское королевство во главе с Карлом Лысым. Данное королевство занимало приблизительно территорию современной Франции и в X веке стало называться Францией.

Франция История Франции Впоследствии центральная власть существенно ослабла. В IX веке Франция регулярно подвергалась набегам викингов, в 886 году последние осаждали Париж. В 911 году викинги основали герцогство Нормандия на севере Франции. К концу X века страна была практически полностью раздроблена, а короли не имели реальной власти за пределами своих феодальных владений (Париж и Орлеан). Династия Каролингов в 987 году сменилась династией Капетингов, по имени первого её короля Гуго Капета. Правление Капетингов примечательно крестовыми походами, религиозными войнами в самой Франции (сначала в 1170 году движение вальденсов, а в 1209-1229 - Альбигойские войны), созывом парламента - Генеральных штатов - впервые в 1302 году, а также Авиньонским пленением пап, когда папа Римский был арестован в 1303 году королём Филиппом IV Красивым, и папы вынуждены были оставаться в Авиньоне до 1378 года. В 1328 году Капетингов сменила боковая ветвь династии, известная как династия Валуа. В 1337 году началась Столетняя война с Англией, в которой сначала успех сопутствовал англичанам, сумевшим захватить существенную часть территории Франции, но в конце концов, особенно после появления Жанны д"Арк, в войне наступил перелом, и в 1453 году англичане капитулировали.

Франция История Франции К периоду правления Людовика XI (1461-1483) относится фактическое прекращение феодальной раздробленности Франции и превращение страны в абсолютную монархию. В дальнейшем Франция постоянно стремилась играть заметную роль в Европе. Так, с 1494 по 1559 год она вела Итальянские войны с Испанией за контроль над Италией. В конце XVI века в преимущественно католической Франции получил распространение протестантизм кальвинистского толка (протестанты во Франции назывались гугенотами). Это вызвало религиозные войны между католиками и протестантами, пиком которых в 1572 году стала Варфоломеевская ночь в Париже - массовое убийство протестантов. В 1589 году династия Валуа пресеклась, и Генрих IV стал основателем новой династии Бурбонов.

Франция История Франции В 1598 году Генрих IV подписал Нантский эдикт, положивший конец войне с протестантами и давший им широкие полномочия, так что они образовали «государство в государстве» со своими крепостями, войсками и местными структурами управления. С 1618 по 1648 год Франция участвовала в Тридцатилетней войне (формально боевые действия вела лишь с 1635 г. - это так называемый шведско-французский период войны). С 1624 года до своей смерти в 1642 году страной фактически управлял министр короля Людовика XIII, кардинал Ришелье. Он возобновил войны с протестантами и сумел нанести им военное поражение и разрушить их государственные структуры. В 1643 году умер Людовик XIII, и королём стал его пятилетний сын Людовик XIV, который правил до 1715 года и сумел пережить своих сына и внука.

Франция История Франции В 1648-1653 годах произошло восстание дворянской оппозиции, недовольной правлением королевы-матери Анны Австрийской и министра кардинала Мазарини, продолжавших политику Ришелье, Фронда. После подавления восстания во Франции была восстановлена абсолютная монархия. За время правления Людовика XIV - «короля-солнца» - Франция участвовала в нескольких войнах в Европе: 1635-1659 гг. - война с Испанией, 1672-1678 гг. - Голландская война, 1688-1697 гг. - Война за пфальцское наследство (война Аугсбургской лиги) и 1701-1713 гг. - Война за испанское наследство.
Франция История Франции В 1685 году Людовик отменил Нантский эдикт, что привело к бегству протестантов в соседние страны и ухудшению экономического положения Франции.
Франция История Франции В 1715 г. после смерти Людовика XIV на французский престол взошел его правнук Людовик XV, правивший до 1774 г.
Франция История Франции Основные вехи французской истории:
1789 - Великая французская революция.
1792 - Первая республика.
1793-1794 - якобинский террор.
1795 - захват Нидерландов.
1797 - захват Венеции.
1798-1801 - Египетская экспедиция.
1799-1814 - правление Наполеона (в 1804 провозглашён императором; Первая империя). В 1800-1812 годах Наполеон путём завоевательных походов создал всеевропейскую империю, а в Италии, Испании и других странах правили его родственники или ставленники. После поражения в России (см. Отечественная война 1812 г.) и очередного объединения антинаполеоновской коалиции держава Наполеона распалась.
1815 - Битва при Ватерлоо.
1814-1830 - период Реставрации, базировавшийся на дуалистической монархии Людовика XVIII (1814/1815-1824) и Карла X (1824-1830).
1830 - Июльская монархия. Революция свергает Карла X, власть переходит к принцу Луи-Филиппу Орлеанскому, к власти пришла финансовая аристократия.
1848-1852 - Вторая республика.
1852-1870 - правление Наполеона III - Вторая империя.
1870-1940 - Третья республика, провозглашённая после пленения Наполеона III под Седаном во франко-прусской войне 1870-71. В 1879 - 80 создана Рабочая партия. В начале XX века образованы Социалистическая партия Франции (под руководством Ж. Геда, П. Лафарга и других) и Французская социалистическая партия (под руководством Ж. Жореса), которые объединились в 1905 (французская секция рабочего интернационала, СФИО). К концу XIX века в основном завершилось образование французской колониальной империи, включавшей в себя огромные владения в Африке и Азии.
1870-1871 - Франко-прусская война
1871 - Парижская коммуна (март - май 1871).
1914-1918 - в Первой мировой войне Франция участвовала в составе Антанты.
1939-1945 - Вторая мировая война
1940 - Компьенское перемирие 1940 с Германией (капитуляция Франции)
1940-1944 - германская оккупация северной Франции, режим Виши в южной Франции.
1944 - освобождение Франции войсками антигитлеровской коалиции и движения Сопротивления.
1946-1958 - Четвёртая республика.

Франция История Франции Пятая республика Современная Франция Франция сегодня
Франция История Франции В 1958 принята конституция Пятой республики, расширившая права исполнительной власти. Президентом Республики Франция был избран Шарль де Голль, Генерал Освобождения, герой Первой и Второй мировых войн. К 1960 в обстановке распада колониальной системы большая часть французских колоний в Африке завоевала независимость. В 1962 после кровопролитной войны обрёл независимость и Алжир. Профранцузские алжирцы переселились во Францию, где составили стремительно растущее мусульманское меньшинство.
Франция История Франции Массовые волнения французской молодёжи и студентов (майские события во Франции 1968), вызванные обострением экономических и социальных противоречий, а также всеобщая забастовка привели к острому государственному кризису; президент Франции Шарль де Голль, основатель Пятой республики, ушёл в отставку (1969) и 9 ноября 1970 года, спустя год он умер.

Франция История Франции В целом, послевоенное развитие Франции характеризовалось форсированным развитием промышленности и сельского хозяйства, поощрением национального капитала, экономической и социально-культурной экспансией в бывшие африканские и азиатские колонии, активной интеграцией в рамках Евросоюза, развитием науки и культуры, усилением мер социальной поддержки, противодействием «американизации» культуры.
Франция История Франции Внешняя политика Франции при президенте Де Голле отличалась стремлением к независимости и к «восстановлению величия Франции». В 1960 г. после успешных испытаний собственного ядерного оружия Франция присоединилась к «ядерному клубу», в 1966 году Франция вышла из военной структуры НАТО (вернулась только во время президентства Николя Саркози), Шарль Де Голль не поддерживал и процессы евроинтеграции.

Франция История Франции В 1974 г. после смерти Помпиду президентом Франции стал Валери Жискар д"Эстен, политик либеральных и проевропейских взглядов, основатель центристской партии «Союз за французскую демократию».
Франция История Франции С 1981 по 1995 пост президента Франции занимал социалист Франсуа Миттеран.
Франция История Франции C 17 мая 1995 по 16 мая 2007 президентом Франции являлся Жак Ширак, переизбранный в 2002 году. Он является французским политиком неоголлистского направления. При нем, в 2000 году во Франции, был проведен референдум по вопросу сокращения срока полномочий президента Франции с 7 до 5 лет. Несмотря на очень низкую явку (около 30 % населения), большинство французов в итоге все же высказалось за уменьшение срока полномочий президента Франции(73 %).
Франция История Франции В связи с ростом числа выходцев из стран Африки во Франции обострилась проблема мигрантов, многие из которых являются мусульманами: 10 % населения Франции составляют некоренные мусульмане (в большинстве выходцы из Алжира). С одной стороны, это вызывает рост популярности ультраправых (ксенофобских) организаций у коренных французов, с другой стороны, Франция становится ареной частых уличных беспорядков и даже терактов.

Франция История Франции 16 мая 2007 президентом Франции стал кандидат от партии «Союз за народное движение» Николя Саркози, сын венгерского эмигранта.
Франция История Франции 21 июля 2008 г. парламент Франции с незначительным перевесом поддержал проект конституционной реформы, предложенный президентом Франции Николя Саркози. Нынешняя реформа конституции Французской Республики стала самой существенной за все время существования Пятой республики, внеся поправки в 47 из 89 статей документа 1958 года. Законопроект включил в себя три части: усиление роли парламента, обновление института исполнительной власти и предоставление гражданам новых прав.
Франция История Франции Принятие нового закона вызвало активную полемику во французском обществе. Критики проекта указывают на то, что основные выгоды все же получит президент Франции. Николя Саркози уже называют «гиперпрезидентом» и даже новым «монархом» Франции.

Франция История Франции Сегодня история и жизнь современной Франции неразрывно связана с развитием Евросоюза. Эта тенденция приводит к существенным изменениям в культурной жизни французского общества.
Франция Культура и искусство Франции
Франция Культура Франции Французская республика обладает огромным культурным наследием. Оно богато, разнообразно, отражает широкие региональные различия, а также влияние иммиграционных волн разных эпох. Франция дала цивилизации великих математиков, многочисленных философов, писателей, художников, Век просвещения, язык дипломатии, определённую универсальную концепцию человека и многое другое. Французский язык в течение многих веков был одним из основных международных языков, и в значительной мере сохраняет эту роль и по сей день. Длительные периоды своей истории Франция являлась основным культурным центром, распространяя свои достижения по всему миру. Во многих областях, как, например, мода или кинематограф, она до сих пор сохраняет лидирующие позиции в мире. В Париже расположена штаб-квартира ЮНЕСКО - Организации Объединённых Наций по вопросам образования, науки и культуры.

импрессионисты
импрессионистов импрессионисты импрессионист

Франция Культура Франции Архитектура Франции На территории Франции сохранились значительные памятники как античной архитектуры, в первую очередь в Ниме, так и романского стиля, получившего наибольшее распространение в XI веке. Характерными представителями последнего являются, например, соборы в Базилика святого Сатурнина в Тулузе, самая большая романская церковь в Европе, и собор Нотр-Дам-де-ла-Гранд в Пуатье. Однако средневековая французская архитектура в первую очередь известна своими готическими сооружениями. Готический стиль возник во Франции в середине XII века, первым готическим собором стала базилика Сен-Дени (1137-1144). Наиболее значительными произведениями готического стиля во Франции считаются соборы Шартра, Амьена и Реймса, но вообще во Франции осталось огромное количество памятников готического стиля, от часовен до огромных соборов. В XV веке наступил период так называемой «пламенеющей готики», от которой до нас дошли лишь отдельные образцы, как башня Сен-Жак в Париже или один из порталов Руанского собора. В XVI веке, начиная с правления Франциска I, во французской архитектуре наступает эпоха Возрождения, хорошо представленная замками в долине Луары - Шамбор, Шенонсо, Шеверни, Блуа, Азэ-лё-Ридо и другие, - а также дворцом Фонтенбло.

французские художники, картины французских художников, французские художники 19 века, французские художники импрессионисты , выставка французских художников, французские художники 18 века, современные французские художники, французские художники 20 века, французский художник, известные французские художники
картины французских художников импрессионистов , великие французские художники, французский художник, импрессионисты , французские художники эпохи возрождения, французский художник, французские художники 17 века, картины современных французских художников, французский художник, французский художник, французский живописец художник импрессионист , художники франции, художники 19 века франция, художники 18 века во франции, современные художники франции, картины художники франции, художники франции 17 века, художники импрессионисты франции, художники франции 17 19 века.

Франция Культура Франции Архитектура Франции XVII век - расцвет архитектуры барокко , характерной созданием больших дворцово-парковых ансамблей, таких как Версаль и Люксембургский сад, и огромных купольных зданий, как Валь-де-Грас или Дом Инвалидов. На смену барокко в XVIII веке приходит классицизм. К этой эпохе относятся первые образцы городского планирования, с прямыми улицами и перспективами, организацией городского пространства, как, например, Елисейские поля в Париже. К образцам собственно архитектуры классицизма относятся многие парижские памятники, например, Пантеон (бывшая церковь Сен-Женевьев) или Церковь Мадлен. Классицизм постепенно переходит в ампир, стиль первой трети XIX века, эталоном которого во Франции является арка на площади Каррузель. В 1850-1860-е годы была проведена полная перепланировка Парижа, в результате которой он принял современный вид, с бульварами, площадями и прямыми улицами. В 1887-1889 годах была возведена Эйфелева башня, которая, хоть и встретила существенное неприятие современников, в настоящее время считается одним из символов Парижа. В XX веке по всему миру распространяется модернизм, в архитектуре которого Франция уже не играла лидирующей роли, однако во Франции, тем не менее, были созданы прекрасные образцы стиля, как, например, церковь в Роншане, построенная Ле Корбюзье, или построенный по специально разработанному плану деловой квартал Парижа Дефанс с Большой Аркой.

французские художники, картины французских художников, французские художники 19 века, французские художники импрессионисты , выставка французских художников, французские художники 18 века, современные французские художники, французские художники 20 века, французский художник, известные французские художники
картины французских художников импрессионистов , великие французские художники, французский художник, импрессионисты , французские художники эпохи возрождения, французский художник, французские художники 17 века, картины современных французских художников, французский художник, французский художник, французский живописец художник импрессионист , художники франции, художники 19 века франция, художники 18 века во франции, современные художники франции, картины художники франции, художники франции 17 века, художники импрессионисты франции, художники франции 17 19 века.

Франция Культура Франции Искусство Франции Франция и французские художники произвели замечательные образцы средневекового искусства (скульптура готических соборов, живопись Жана Фуке, книжная миниатюра, вершиной которой считается Великолепный часослов герцога Беррийского братьев Лимбург) и искусства возрождения (лиможские эмали, живопись Франсуа Клуэ, школы Фонтенбло) и XVII века (Жорж де Латур).

Франция Культура Франции Искусство Франции В XVII веке крупнейшие французские мастера (живописцы Никола Пуссен и Клод Лоррен, скульптор Пьер Пюже) существенную часть жизни проводили в Италии , считавшейся в это время центром мирового искусства. Первым стилем живописи , возникшим во Франции, стал в XVIII веке стиль рококо, крупнейшими представителями которого были Антуан Ватто и Франсуа Буше. Во второй половине XVIII века, пройдя через натюрморты Шардена и женские портреты Грёза, пришла к классицизму, который доминировал во французском академическом искусстве до 1860-х годов. Основными представителями этого направлениями были Жак Луи Давид и Доминик Энгр.

французские художники, картины французских художников, французские художники 19 века, французские художники импрессионисты , выставка французских художников, французские художники 18 века, современные французские художники, французские художники 20 века, французский художник, известные французские художники
картины французских художников импрессионистов , великие французские художники, французский художник, импрессионисты , французские художники эпохи возрождения, французский художник, французские художники 17 века, картины современных французских художников, французский художник, французский художник, французский живописец художник импрессионист , художники франции, художники 19 века франция, художники 18 века во франции, современные художники франции, картины художники франции, художники франции 17 века, художники импрессионисты франции, художники франции 17 19 века.

Франция Культура Франции Искусство Франции В это же время во Франции развивались общеевропейские художественные течения, существенно расходившиеся с официальным академическим направлением: романтизм (Теодор Жерико и Эжен Делакруа), ориентализм (Жан-Леон Жером), реалистический пейзаж «Барбизонской школы», наиболее яркими представителями которой были Жан-Франсуа Милле и Камиль Коро, реализм (Гюстав Курбе, отчасти Оноре Домье), символизм (Пьер Пюви де Шаванн, Гюстав Моро). Однако только в 1860-е годы французское искусство сделало качественный прорыв, выведший Францию в бесспорное лидерство в мировом искусстве и позволивший ей удерживать это лидерство вплоть до Второй мировой войны. Этот прорыв связан в первую очередь с творчеством Эдуара Мане и Эдгара Дега, а затем - импрессионистов, наиболее заметными из которых были Огюст Ренуар, Клод Моне, Камиль Писсарро и Альфред Сислей, а также Гюстав Кайботт.

французские художники, картины французских художников, французские художники 19 века, французские художники импрессионисты , выставка французских художников, французские художники 18 века, современные французские художники, французские художники 20 века, французский художник, известные французские художники
картины французских художников импрессионистов , великие французские художники, французский художник, импрессионисты , французские художники эпохи возрождения, французский художник, французские художники 17 века, картины современных французских художников, французский художник, французский художник, французский живописец художник импрессионист , художники франции, художники 19 века франция, художники 18 века во франции, современные художники франции, картины художники франции, художники франции 17 века, художники импрессионисты франции, художники франции 17 19 века.

Франция Культура Франции Искусство Франции К выдающимися мастерам французского искусства следует отнести живописцев и скульпторов Огюста Родена, Одилона Редона, Поля Сезанна, Поля Гогена, Винсента ван Гога, Анри де Тулуз-Лотрека, и многих других французских художников. Во Франции в конце XIX и начале XX века постоянно появлялись новые художественные течения, которые затем распространялись по всей Европе, оказывая влияние на другие художественны школы. Это пуантилизм (Жорж Сёра и Поль Синьяк), группа наби (Пьер Боннар, Морис Дени, Эдуар Вюйяр), фовизм (Анри Матисс, Андре Дерен, Рауль Дюфи), кубизм (ранние произведения Пабло Пикассо, Жорж Брак). Французское искусство откликнулось и на основные направления авангарда, как, например, экспрессионизм (Жорж Руо, Хаим Сутин), стоящая особняком живопись Марка Шагала или сюрреалистические произведения Ива Танги. После немецкой оккупации во Вторую мировую войну Франция утратила бесспорное лидерство в мировом изобразительном искусстве.

французские художники, картины французских художников, французские художники 19 века, французские художники импрессионисты , выставка французских художников, французские художники 18 века, современные французские художники, французские художники 20 века, французский художник, известные французские художники
картины французских художников импрессионистов , великие французские художники, французский художник, импрессионисты , французские художники эпохи возрождения, французский художник, французские художники 17 века, картины современных французских художников, французский художник, французский художник, французский живописец художник импрессионист , художники франции, художники 19 века франция, художники 18 века во франции, современные художники франции, картины художники франции, художники франции 17 века, художники импрессионисты франции, художники франции 17 19 века.

Франция Культура Франции Искусство Франции Практический вклад французских художников в мировую культуру огромен и бесценен Музеи и художественные галереи Франции привлекают туристов со всего мира Картины художников Франции (французских художников) украшают музеи и частные коллекции по всему миру
Франция Художники Франции Современные французские художники работают и создают свои новые интересные картины и скульптуры .

Работы французских художников и французских скульпторов пользуются постоянным интересом среди любителей живописи .
Франция - Художники Франции! Французские художники!

В нашей галерее вы можете найти и заказать работы лучших французских художников и скульпторов Франции.

Французскую художественную школу на рубеже 17-го и 18-го века можно назвать ведущей европейской школой, именно во Франции в то время зародились такие стили искусства, как рококо, романтизм, классицизм, реализм, импрессионизм и постимпрессионизм.

Рококо (франц. rococo, от rocaille - декоративный мотив в форме раковины) - стиль в европейском искусстве 1-й половины 18-го века. Для рококо характерен гедонизм, уход в мир идиллической театральной игры, пристрастие к пасторальным и чувственно-эротическим сюжетам. Характер декора рококо приобрёл подчёркнуто изящные, утончённо-усложнённые формы.

В стиле рококо работали Франсуа Буше, Антуан Ватто, Жан Оноре Фрагонар.

Классицизм - стиль в европейском искусстве 17 - начала 19-го века, характерной чертой которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону.

В стиле классицизма работали Жан Батист Грёз, Никола Пуссен, Жан Батист Шарден, Жан Доминик Энгр, Жак-Луи Давид.

Романтизм - стиль европейского искусства в 18-19-м веках, характерными чертами которого было утверждение самоценности духовно-творческой жизни личности, изображение сильных и зачастую бунтарских страстей и характеров.

В стиле романтизма работали Франсиско де Гойя, Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Уильям Блейк.

Эдуар Мане. Завтрак в мастерской. 1868 г.

Реализм – стиль искусства, задачей которого является как можно более точная и объективная фиксация действительности. Стилистически реализм многолик и многовариантен. Различные стороны реализма в живописи представляют собой барочный иллюзионизм Караваджо и Веласкеса, импрессионизм Мане и Дега, нюненские работы Ван Гога.

Рождение реализма в живописи чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе, открывшего в 1855 г. в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон. В 1870-е гг. реализм разделился на два основных направления - натурализм и импрессионизм.

Реалистическая живопись получила большое распространение по всему миру. В стиле реализма остросоциальной направленности в России 19-го века работали передвижники.

Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) - стиль в искусстве последней трети 19-го - начала 20-го веков, характерной чертой которого являлось стремление наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы, а сосредоточивался на текучести мгновения, настроения и освещения. Сюжетами импрессионистов становится сама жизнь, как очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных пикников на природе в дружеском окружении. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на пленэре, не дорабатывая свои работы в студии.

В стиле импрессионизма работали Эдгар Дега, Эдуард Мане, Клод Моне, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар, Жорж Сёра, Альфред Сислей и другие.

Постимпрессионизм – стиль искусства, возникший в конце 19-го века. Постимпрессионисты стремились свободно и обобщённо передавать материальность мира, прибегая к декоративной стилизации.

Постимпрессионизм дал начало таким направлениям искусства, как экспрессионизм, символизм и модерн.

В стиле постимпрессионизма работали Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Тулуз-Лотрек.

Рассмотрим подробнее импрессионизм и постимпрессионизм на примере творчества отдельных мастеров Франции 19-го века.

Эдгар Дега. Автопортрет. 1854-1855 гг.

Эдгар Дега (годы жизни 1834-1917) - французский живописец, график и скульптор.

Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов, Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма и обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений.

В картинах Дега динамичная, часто асимметричная композиция, точный гибкий рисунок, неожиданные ракурсы, активность взаимодействия фигуры и пространства тщательно продуманны и выверены.

Э. Дега. Ванная. 1885 г.

Во многих произведениях Эдгар Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту. Искусству Дега присуще соединение прекрасного и прозаического; художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд.

Излюбленная техника пастели позволяла Эдгару Дега наиболее полно проявить свой талант рисовальщика. Насыщенные тона и «мерцающие» штрихи пастели помогали художнику создать ту особенную красочную атмосферу, ту переливчатую воздушность, которая так отличает все его работы.

В зрелые годы Дега часто обращается к теме балета. Хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то в свете софитов на сцене, то в короткие минуты отдыха. Кажущаяся случайность композиции и беспристрастная позиция автора создают впечатление подсмотренной чужой жизни, художник показывает нам мир грации и красоты, не впадая при этом в излишнюю сентиментальность.

Эдгара Дега можно назвать тонким колористом, его пастели удивительно гармоничны, то нежные и светлые, то построенные на резких цветовых контрастах. Манера Дега отличалась удивительной свободой, он накладывал пастель смелыми, ломаными штрихами, иногда оставляя проступающий сквозь пастель тон бумаги или добавляя мазки маслом или акварелью. Цвет в картинах Дега возникает из переливчатого сияния, из струящегося потока радужных линий, рождающих форму.

Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стеснённостью пространства, придающей им напряженно-драматический характер. В этот

период Дега написал одну из своих лучших работ – «Голубые танцовщицы». Художник работает здесь большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины. По красоте цветовой гармонии и композиционному решению картина «Голубые танцовщицы» может считаться лучшим воплощением темы балета у Дега, который добился в этой картине предельного богатства фактуры и цветовых сочетаний.

П. О. Ренуар. Автопортрет. 1875 г.

Пьер Огюст Ренуар (годы жизни 1841-1919) - французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен, прежде всего, как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма в энгровский период творчества. Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний валёров, близких по цвету тонов.

П.О.Ренуар. Лягушатник. 1869 г.

Как большинство импрессионистов, Ренуар сюжетами своих картин выбирает мимолётные эпизоды жизни, отдавая предпочтение праздничным городским сценкам - балам, танцам, прогулкам («Новый мост», «Лягушатник», «Мулен да ла Галетт» и другие). На этих полотнах мы не увидим ни черного, ни темно-бурого цвета. Только гамма ясных и ярких цветов, сливающихся воедино, если смотреть на картины с определенного расстояния. Фигуры людей в этих картинах написаны в той же импрессионистской технике, что и окружающий их пейзаж, с которым они часто сливаются.

П. О. Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г.

Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они словно отмечены общей печатью эпохи. Кисти Ренуара принадлежат три различных портрета актрисы Жанны Самари. На одном из них актриса изображена в изысканном зелёно-голубом платье на розовом фоне. В этом портрете Ренуар сумел подчеркнуть лучшие черты своей модели: красоту, живой ум, открытый взгляд, лучезарную улыбку. Стиль работы художника очень свободный, местами до небрежности, однако это создаёт атмосферу необычайной свежести, душевной ясности и безмятежности.В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций (живопись цвета человеческой кожи), построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна. В картине «Обнажённая в солнечном свете» Ренуар использует преимущественно основные и дополнительные цвета, полностью исключая чёрный цвет. Цветовые пятна, полученные при помощи мелких цветных мазков, дают характерный эффект слияния при отдалении зрителя от картины.

Надо отметить, что использование зеленого, желтого, охры, розового и красного тонов для изображения кожи шокировало публику того времени, неподготовленную к восприятию того факта, что тени должны быть цветными, наполненными светом.

В 1880-х годах в творчестве Ренуара начинается так называемый «энгровский период». Наиболее известное произведение этого периода - «Большие купальщицы». Для построения композиции Ренуар впервые стал использовать наброски и эскизы, линии рисунка стали чёткими и определёнными, краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись в целом стала выглядеть сдержанней и холоднее.

В начале 1890-х годов в ренуаровском искусстве происходят новые перемены. В живописной манере появляется переливчатость цвета, отчего этот период иногда именуют «перламутровым», затем этот период уступает место «красному», названному так из-за предпочтения оттенкам красноватых и розовых цветов.

Эжен Анри Поль Гоген (годы жизни 1848-1903) - французский живописец, скульптор и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. Живописью начал заниматься в зрелом возрасте, ранний период творчества связан с импрессионизмом. Лучшие работы Гогена написаны на островах Таити и Хива-Оа в Океании, куда Гоген уехал от «порочной цивилизации». К характерным чертам стиля Гогена можно отнести создание на больших плоскостных полотнах статичных и контрастных по цвету композиций, глубоко эмоциональных и одновременно декоративных.

На картине «Жёлтый Христос» Гоген изобразил распятие на фоне типичного французского сельского пейзажа, страдающий Иисус окружён тремя бретонскими крестьянками. Умиротворение разлитое в воздухе, спокойные покорные позы женщин, насыщенный солнечным жёлтым цветом ландшафт с деревьями в красной осенней листве, крестьянин занятый вдали своими делами, не могут не входить в конфликт с тем, что происходит на кресте. Окружение резко контрастирует с Иисусом, на лице которого отображается та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему его окружающему. Противоречие безграничных мук принимаемых Христом и «незамечаемость» этой жертвы людьми – вот главная тема этого произведения Гогена.

П. Гоген. А, ты ревнуешь? 1892 г.

Картина «А, ты ревнуешь?» относится к полинезийскому периоду творчества художника. В основе картины лежит сцена из жизни, подсмотренная художником:

на берегу две сестры - они только что искупались, и теперь их тела раскинулись на песке в непринуждённых сладострастных позах - беседуют о любви, одно воспоминание вызывает раздоры: «Как? Ты ревнуешь!».

В живописи сочной полнокровной красоты тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, Гоген изображал утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой. Полинезийские полотна Гогена напоминают панно по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщённости стилизованного рисунка.

П. Гоген. Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём? 1897-1898 гг.

Картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» Гоген считал возвышенной кульминацией своих размышлений. По замыслу художника картину нужно читать справа налево: три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Группа женщин с ребёнком в правой части картины представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в крайней левой группе Гоген изобразил человеческую старость, приближение к смерти; голубой идол на дальнем плане символизирует потусторонний мир. Эта картина является вершиной в новаторском постимпрессионистском стиле Гогена; в его стиле сочеталось чёткое использование красок, декоративность цветового и композиционного решения, плоскостность и монументальность изображения с эмоциональной выразительностью.

Творчество Гогена предвосхитило многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн и оказало влияние на становление мастеров группы “Наби” и других живописцев начала XX века.

В. Ван Гог. Автопортрет. 1889 г.

Винсент Ван Гог (годы жизни 1853-1890) – французский и нидерландский художник-постимпрессионист, начал заниматься живописью, как и Поль Гоген, уже в зрелом возрасте, в 1880-х годах. До этого времени Ван Гог успешно работал дилером, затем учителем в интернате, позднее прошёл обучение в Протестантской миссионерской школе и проработал полгода миссионером в бедном шахтёрском квартале в Бельгии. В начале 1880-х годов Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880-1881) и Антверпене (1885-1886). В раннем периоде своего творчества Ван Гог писал этюды и картины в тёмной живописной гамме, выбирая сюжетами сцены из жизни шахтёров, крестьян, ремесленников. Работы этого периода Ван Гога («Едоки картофеля», «Старая церковная башня в Нюнене», «Башмаки») отмечают болезненно-острое восприятие людских страданий и чувства подавленности, гнетущая атмосфера психологической напряжённости. В своих письмах брату Тео художник писал об одной из картин этого периода «Едоки картофеля» следующее: «В ней я старался подчеркнуть, что эти люди, поедающие свой картофель при свете лампы, теми же руками, которые они протягивают к блюду, копали землю; таким образом, полотно говорит о тяжелом труде и о том, что персонажи честно заработали свою еду».В 1886-1888 гг. Ван Гог жил в Париже, посещал престижную частную художественную студию знаменитого на всю Европу педагога П. Кормона, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок («Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин», «Мост через Сену», «Папаша Танги», «Вид на Париж из квартиры Тео на улице Лепик»).

В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах («Жёлтый дом», «Жатва. Долина Ла-Кро»), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночная терраса кафе»); динамика цвета и мазка

В. Ван Гог. Ночная терраса кафе. 1888 г.

наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле»), но и неодушевлённые предметы («Спальня Ван Гога в Арле»).

Напряжённая работа Ван Гога в последние годы сопровождалась приступами душевной болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле, затем в Сен-Реми (1889–1890) и в Овер-сюр-Уаз (1890), где он покончил жизнь самоубийством. Творчество двух последних лет жизни художника отмечено экстатической одержимостью, предельно обострённой экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от исступлённого отчаяния и мрачного визионерства (“Дорога с кипарисами и звездами”) до трепетного чувства просветления и умиротворения (“Пейзаж в Овере после дождя”).

В. Ван Гог. Ирисы. 1889 г.

В период лечения в клинике Сен-Реми Ван Гог пишет цикл картин «Ирисы». В его живописи цветов отсутствует высокая напряжённость и прослеживается влияние японских гравюр укиё-э. Это сходство проявляется в выделении контуров объектов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных областей и областей, залитых сплошным цветом, не соответствующим реальности.

В. Ван Гог. Пшеничное поле с воронами. 1890 г.

«Пшеничное поле с воронами» - картина Ван Гога, написанная художником в июле 1890 года и являющейся одной из самых знаменитых его работ. Картина была закончена предположительно 10 июля 1890 года, за 19 дней до его смерти в Овер-сюр-Уазе. Существует версия, что Ван Гог покончил жизнь самоубийством в процессе написания данной картины (выйдя на пленэр с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета, приобретённого для отпугивания птичьих стай, в область сердца, затем самостоятельно добрался до лечебницы, где и скончался от потери крови).