Самая дорогая картина - «Цветы» Н.Гончаровой - была продана на аукционе Кристи за $10,9 млн в 2008 году.
И это рекорд для произведений искусства, созданных женщинами.
Наталья Гончарова «Цветы» (1912 год)
Эта картина считается знаковой для русского авангарда. В ней Гончарова смешала последние
веяния европейского искусства (она изучала полотна Гогена, Матисса, Пикассо) и собственное
новое направление - лучизм. Этот стиль - одну из ранних форм абстракционизма -
Гончарова придумала вместе с мужем, футуристом Михаилом Ларионовым.
Художники изображали лучи света цветными линиями, и таким образом передавали
образ предметов.Они считали, что предметы в восприятии человека —
это «сумма лучей, идущих от источника света,отраженных от предмета
и попавших в поле нашего зрения» (из «Манифеста лучизма»).
Луиза Буржуа «Паук» Цена: $10,7 млн Аукцион: Christie’s 2011
Американка французского происхождения Луиза Буржуа дожила почти до ста лет и
попробовала себя практически во всех основных направлениях искусства ХХ века —
кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме.
Но прославилась Буржуа, прежде всего, как скульптор. Все ее работы объединяет уникальная
система символов.Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания.
Паук, а точнее паучиха, в знаковой системе Буржуа — это символ матери.
«Она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха.
И она умела защитить себя», — говорила художница о своей матери.
Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луизы Буржуа бьют рекорды на аукционных торгах.
Последней рекорд принадлежит почти семиметровой «Паучихе» из частной коллекции
в долине Напа неподалеку от Сан-Франциско: 8 ноября 2011 года ее приобрели
на Christie’s за $10,7 млн.
Наталья Гончарова «Испанка» (1916 год) Цена: $10,7 млн Аукцион: Christie’s 2010
Это полотно было написано Гончаровой во время Первой мировой войны. Тогда в жизни художницы произошли серьезные перемены. Она переехала из России в Париж, где делала декорации для «Русских балетов» Дягилева. В «Испанке» проявилось мастерство Гончаровой как театрального художника: в композиции была передана мощная энергия испанского танца.
При этом ей удалось сочетать детализацию театральных декораций и упрощение, присущее абстрактному искусству.
В «Испанке» проявилась радикально новая техника, которую позже назвали театральным конструктивизмом.
Наталья Гончарова «Сбор яблок» (1909 год) Цена: $9,8 млн Аукцион: Christie’s 2006
По итогам торгов «Импрессионисты и мастера XX века» в 2006 году «Сбор яблок» установил рекорд для русской живописи.
Правда, кто купил картину, не известно: покупатель пожелал остаться неизвестным.
В тот момент, когда была написана эта работа, художница увлекалась импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но особенно ощутимо в ней влияние Гогена. Вдохновлялась Гончарова и русской иконописной и лубочной традицией. В результате возник целый цикл «Сбор плодов», выполненный в совершенно оригинальной манере.
Джоан Митчелл «Без названия» (1959 год) Цена: $9,3 млн Аукцион: Sotheby’s 2011
«Без названия» - одна из первых работ Митчелл в новом для нее на тот момент стиле абстрактного экспрессионизма. Митчелл, по данным берлинской трейдинговой компании Artnet.com, является самой успешной художницей по аукционному обороту. За период
с 1985 г. по 2013 г. было продано 646 ее работ, за них покупатели заплатили в общей сложности $239,8 млн. В отличие от других американских художников, работавших в стиле абстрактного экспрессионизма, Митчелл обращалась к европейской традиции.
Тамара де Лемпицка «Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне») (1927 год)
Цена: $8,5 млн Аукцион: Sotheby’s 2011
Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, которая некоторое
время жила в Санкт-Петербурге. Она работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х
годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана Лемпицка в плодотворный
парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы.
До этого самыми дорогими ее работами были проданные в 2009 г.
«Портрет Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).
Джоан Митчелл «Салют, Салли!» (1970 год) Цена: $7 млн Аукцион: Chistie’s 2012
Эта картина посвящена старшей сестре Митчелл, Салли. Работа резко отличается от ее прежних полотен. В жизни художницы настали светлые времена, что отразилось на холсте. «Салют, Салли!» — яркая и солнечная картина. К 1970 г. Митчелл обрела постоянный дом, поселившись в небольшом городке Ветей в 55 км от Парижа. Там она наблюдала за природой и постоянно рисовала на своей террасе, в основном подсолнухи и прочие яркие цветы. Митчелл получила признание парижской публики — первая персональная выставка абстракционистки прошла в французской столице в том же 1970 г.
Картина написана маслом по холсту. До продажи полотно находилось в частной коллекции.
Кэди Ноланд «Озвальд» (1989 год) Цена: $6,6 млн Аукцион: Sotheby’s 2011
Американка Кэди Ноланд — скульптор и автор инсталляции, работающий в стиле постмодернизма. Пик ее творчества пришелся
на 1980-1990 гг., а свою последнюю работу Ноланд создала 11 лет назад. Это, впрочем, не мешает ее картинам дорожать.
По данным Bloomberg, Ноланд - один из трех художников, чьи работы сильней всего подорожали за последние 13 лет (+ 5,488 %). Столь впечатляющих цифр она добилась в том числе и благодаря проданному за $6,6 млн «Озвальду».Скульптура изображает Ли Харви Освальда - единственного подозреваемого в убийстве американского президента Джона Кеннеди. Ноланд работала над этой инсталляцией в привычной для себя технике. Она использует образы из СМИ (вырезки из газет, кадры хроники), увеличивает их и
с помощью шелкографии, наносит на листы алюминия, а потом вырезает. Чтобы придать фигурам выразительности, в некоторых случаях она делает отверстия — следы от пуль.Произведения Ноланд находятся в ведущих галереях. Ее персональные выставки проходили в США, Японии, Европе, а работы продаются ведущими аукционными домами мира.
Тамара де Лемпицка «Спящая» (1930 год) Цена: $6,6 млн Аукцион: Sotheby’s Год: 2011
Портреты, в том числе и в жанре «ню», занимают серьезное место в творческом наследии де Лемпицка. Она создавала образ сильной и сексуальной женщины (не удивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала Мадонна). Мир художницы наполнен роскошью, дорогими платьями, идеальными телами.
Наталья Гончарова «Цветущие деревья» («Яблоневый цвет») (1912 год)
Цена: $3,96 млн Аукцион: Sotheby’s Год: 2011
В этой работе Гончарова, как утверждают критики, куда ближе к живописной французской традиции XIX века, чем к произведениям Казимира Малевича и Василия Кандинского.
10 самых дорогих произведений искусства, созданных женщинамиВ Москву привезли обширную коллекцию работ Натальи Гончаровой — знаменитой русской авангардистки, уехавшей в начале XX века в Париж. Это самая крупная выставка Гончаровой в России за последние 100 лет: до 16 февраля 2014 года в Третьяковской галерее будут представлены около 400 экспонатов, большинство из которых раньше в России не выставлялись.
Гончарова получила признание не только в России, но и в мире. Ее самая дорогая работа - «Цветы» - была продана более чем за $10 млн. И это рекорд для произведений искусства, созданных женщинами.
~~~~~~~~~~~
Наталья Гончарова «Цветы» (1912 год)
Цена: $10,9 / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2008
Эта картина считается знаковой для русского авангарда. В ней Гончарова смешала последние веяния европейского искусства (она изучала полотна Гогена, Матисса,Пикассо) и собственное новое направление - лучизм. Этот стиль - одну из ранних форм абстракционизма - Гончарова придумала вместе с мужем, футуристом Михаилом Ларионовым. Художники изображали лучи света цветными линиями, и таким образом передавали образ предметов. Они считали, что предметы в восприятии человека — это «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения» («Манифест лучизма»).
Луиза Буржуа «Паук»
Цена: $10,7 млн / Аукцион: Christie"s / Год: 2011
Американка французского происхождения Луиза Буржуа дожила почти до ста лет и попробовала себя практически во всех основных направлениях искусства ХХ века — кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме. Но прославилась Буржуа, прежде всего, как скульптор. Все ее работы объединяет уникальная система символов. Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания. Паук, а точнее паучиха, в знаковой системе Буржуа — это символ матери. «Она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха. И она умела защитить себя», — говорила художница о своей матери.
Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луизы Буржуа бьют рекорды на аукционных торгах. Последней рекорд принадлежит почти семиметровой «Паучихе» из частной коллекции в долине Напа неподалеку от Сан-Франциско: 8 ноября 2011года ее приобрели на Christie"s за $10,7 млн.
Наталья Гончарова «Испанка» (1916 год)
Цена: $10,7 млн / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2010
Это полотно было написано Гончаровой во время Первой мировой войны. Тогда в жизни художницы произошли серьезные перемены. Она переехала из России в Париж, где делала декорации для «Русских балетов» Дягилева. В «Испанке» проявилось мастерство Гончаровой как театрального художника: в композиции была передана мощная энергия испанского танца. При этом ей удалось сочетать детализацию театральных декораций и упрощение, присущее абстрактному искусству. В «Испанке» проявилась радикально новая техника, которую позже назвали театральным конструктивизмом.
Наталья Гончарова «Сбор яблок» (1909 год)
Цена: $9,8 млн / Аукцион: Christie’s / Год продажи: 2006
По итогам торгов «Импрессионисты и мастера XX века» в 2006 году «Сбор яблок» установил рекорд для русской живописи. Правда, кто купил картину, не известно: покупатель пожелал остаться неизвестным.
В тот момент, когда была написана эта работа, художница увлекалась импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но особенно ощутимо в ней влияние Гогена. Вдохновлялась Гончарова и русской иконописной и лубочной традицией. В результате возник целый цикл «Сбор плодов», выполненный в совершенно оригинальной манере.
Джоан Митчелл «Без названия» (1959 год)
Цена: $9,3 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год продажи: 2011
«Без названия» - одна из первых работ Митчелл в новом для нее на тот момент стиле абстрактного экспрессионизма. Митчелл, по данным берлинской трейдинговой компании Artnet.com, является самой успешной художницей по аукционному обороту. За период с 1985 г. по 2013 г. было продано 646 ее работ, за них покупатели заплатили в общей сложности $239,8 млн. В отличие от других американских художников, работавших в стиле абстрактного экспрессионизма, Митчелл обращалась к европейской традиции.
Тамара де Лемпицка «Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне») (1927 год)
Цена: $8,5 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год продажи: 2011
Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, которая некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Она работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана Лемпицка в плодотворный парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы. До этого самыми дорогими ее работами были проданные в 2009 г. «Портрет Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).
Джоан Митчелл «Салют, Салли!» (1970 год)
Цена: $7 млн / Аукцион: Chistie"s / Год: 2012
Эта картина посвящена старшей сестре Митчелл, Салли. Работа резко отличается от ее прежних полотен. В жизни художницы настали светлые времена, что отразилось на холсте. «Салют, Салли!» — яркая и солнечная картина. К 1970 г. Митчелл обрела постоянный дом, поселившись в небольшом городке Ветей в 55 км от Парижа. Там она наблюдала за природой и постоянно рисовала на своей террасе, в основном подсолнухи и прочие яркие цветы. Митчелл получила признание парижской публики — первая персональная выставка абстракционистки прошла в французской столице в том же 1970 г.
Картина написана маслом по холсту. До продажи полотно находилось в частной коллекции.
Кэди Ноланд «Озвальд» (1989 год)
Цена: $6,6 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год: 2011
Американка Кэди Ноланд — скульптор и автор инсталляции, работающий в стиле постмодернизма. Пик ее творчества пришелся на 1980-1990 гг., а свою последнюю работу Ноланд создала 11 лет назад. Это, впрочем, не мешает ее картинам дорожать. По данным Bloomberg, Ноланд - один из трех художников, чьи работы сильней всего подорожали за последние 13 лет (+ 5,488 %). Столь впечатляющих цифр она добилась в том числе и благодаря проданному за $6,6 млн «Озвальду».
Скульптура изображает Ли Харви Освальда - единственного подозреваемого в убийстве американского президента Джона Кеннеди. Ноланд работала над этой инсталляцией в привычной для себя технике. Она использует образы из СМИ (вырезки из газет, кадры хроники), увеличивает их и с помощью шелкографии, наносит на листы алюминия, а потом вырезает. Чтобы придать фигурам выразительности, в некоторых случаях она делает отверстия — следы от пуль.
Произведения Ноланд находятся в ведущих галереях. Ее персональные выставки проходили в США, Японии, Европе, а работы продаются ведущими аукционными домами мира.
Тамара де Лемпицка «Спящая» (1930 год)
Цена: $6,6 млн / Аукцион: Sotheby"s / Год: 2011
Портреты, в том числе и в жанре «ню», занимают серьезное место в творческом наследии де Лемпицка. Она создавала образ сильной и сексуальной женщины (не удивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала Мадонна). Мир художницы наполнен роскошью, дорогими платьями, идеальными телами.
Наталья Гончарова «Цветущие деревья» («Яблоневый цвет») (1912 год)
Цена: $3,96 млн / Аукцион: Sotheby’s / Год: 2011
В этой работе Гончарова, как утверждают критики, куда ближе к живописной французской традиции XIX века, чем к произведениям Казимира Малевича и Василия Кандинского.
Анна Намит
Forbes
«Конечно, я мог бы обойтись и без цветов, но они помогают мне сохранить уважение к самому себе, ибо доказывают, что я не скован по рукам и ногам будничными заботами. Они свидетельство моей свободы» (Рабиндранат Тагор)
Какая интересная и глубокая мысль: цветы - и свобода личности! Еще больше поражает, что говорит об этом мужчина. Писатель, поэт, композитор, художник, общественный деятель, лауреат Нобелевской премии по литературе… Он находил время наслаждаться красотой цветов и чувствовать себя свободным!
Полгода холодов в России - это много! Покрытые снегом сады, поля и леса, серое небо… Потребность в ощущении полноты бытия всегда побуждала людей к созданию аналогов прекрасных творений природы, способных радовать сердце и душу круглый год.
Поэтому русское народное искусство такое яркое и праздничное. И не случайно в 19-м веке, в центре России зародился еще один замечательный промысел, который получил название, как часто водится в подобных случаях, по своему «местожительству» - Жостово! Вряд ли в нашей стране найдется человек, в памяти которого не возникнут сразу яркие, почти сказочные, букеты цветов, услышь он это слово! Цветочные композиции - на металлическом подносе. И надо сказать, что та свобода, которую отметил гений Тагора при общении с цветами, ярчайшим образом проявляется и при создании знаменитых жостовских букетов.
Представительница одной из известных династий художников Жостова - Лариса Гончарова (примеры работ мастера). Династия в любой сфере деятельности - это история данного дела. Обратившись к одной семье, узнаешь многовековую историю развития целого промысла. Так вот, говоря о секретах мастерства, Лариса сказала, что роспись - это импровизация: сам автор не знает, что получится, рука идет «на автомате»!
Каким же нужно быть Мастером, чтобы вот эти завораживающие, светящиеся из глубины бутонов волшебным светом цветы, трепетно «зазвучали» на лакированной поверхности, как нотки виртуозной музыкальной импровизации! Изысканная красота цветов, созданных Гончаровыми, наполнена особым смыслом, передающим нам настроение то ликующего праздника, то беспристрастной созерцательности.
Восхищаясь совершенством воплощения задуманного, наслаждаясь свободой и воздушной легкостью в изображении букетов, начинаешь понимать, что когда-то утилитарный предмет давно стал символом искусства, и что жостовская живопись - самостоятельный ее вид.
Деревня Жостово, что находится совсем близко от столицы, уже несколько веков является символом уникального русского промысла. В последние десятилетия 20 века деревню облюбовали уставшие от городской суеты и ухудшающейся экологии новые русские. К слову сказать, знакомая нам с детства Герда из «Снежной королевы», вернее сказать, сыгравшая ее популярная актриса театра и кино Елена Проклова, тоже много лет живет в этой деревне рядом с лесом, с наслаждением занимаясь ландшафтным дизайном, выращивая экологически чистые фрукты и овощи. Не избежала она и искушения научиться расписывать подносы!
На фоне все разрастающегося «города особняков» дома старожилов становились все ниже, «врастали» в родную землю, все глубже и крепче цепляясь, как будто боясь быть выкорчеванными. А основания для этого были.
Сначала возникли слухи, но не хотелось верить. Разве мог старинный народный промысел, которым так гордилось государство, стать частной собственностью? Прошло немного времени и слухи стали свершившимся фактом. Владельцем легендарного Жостовского промысла стал Банк (не будем делать ему дополнительную рекламу, тем более как собственник банк и продать его может!). И все пошло по обычной схеме. Банк пообещал сохранить народный промысел и знаменитый Музей Жостовских подносов, но территорию и площади фабрики стал раздавать в аренду. Там теперь около тридцати предприятий не связанных с подносным промыслом. Тридцать же оставшихся на фабрике молодых мастеров ютятся в четырех маленьких комнатах, отведенных под живописные мастерские. Теперь они работают «на хозяина». Все большие художники, старые мастера, настоящие творцы покинули промысел и работают дома. Последнее время они практически прекратили сотрудничество с фабрикой.
Поднос как предмет быта известен с давних времен, но именно с начала 19 века в связи с ростом городов, появлением многочисленных гостиниц, трактиров, ресторанов, подносы стали требоваться в большом количестве и использовались не только по прямому назначению, но и для украшения интерьеров. Яркие букеты, натюрморты, сцены чаепития или катания на тройке - традиционные сюжеты картин-подносов, украшавших стены подобных заведений.
Жостовские подносы относятся к направлению, имеющее общее название «русские лаки». Сначала в конце 18 века появилась лаковая миниатюрная живопись по папье-маше. Село Данилково близ Федоскино, деревни Жостово и Осташково известны были производством шкатулок, табакерок, коробочек, стаканов для карандашей, портсигаров, альбомов, сухарниц, кошельков - предметов, украшенных миниатюрной живописью. Художники в то время обращались к известным произведениям станковой живописи, гравюрам, вольно интерпретируя которые, создавали свои произведения. Зародившись в русле лаковой миниатюры, постепенно производство подносов выделилось в самостоятельный промысел. Точка отсчета - 1807 год, когда начала в Жостове работать мастерская Филиппа Никитича Вишнякова. Хотя основание промысла связывают с именем другого Вишнякова - Осипа Филипповича. К середине 19 века мастерских в округе насчитывалось уже двенадцать: Беляева, Митрофанова, Зайцева, Леонтьева и других. Промысел развивался, и подносы начали делать не только из папье-маше, но и из железа. Несомненно, в этом отношении влияние знаменитого еще с 18 века центра производства подносов в Нижнем Тагиле.
Если поначалу хозяева работали наравне с рабочими, то к 1870-1880-м годам они все больше превращались в предпринимателей. В эти годы в подмосковном подносном промысле насчитывалось более 240 наемных рабочих. Над одним подносом работали обычно три человека: коваль, изготовлявший форму, шпатлевщик, грунтовавший поверхность, и живописец расписывающий поднос. После просушки грунтовщик покрывал его лаком.
К началу 20 века, усвоив все самое интересное, что было в подносном производстве Петербурга, Нижнего Тагила, в подмосковной лаковой миниатюре, станковой живописи, росписи по фарфору и других видах искусства, художники Жостова сформировали свой стиль, основываясь все-таки, в первую очередь, на развитии своих местных традиций. Выработалась система, профессиональный живописный канон, присущий искусству Жостова и в наши дни. В последовательности приемов многослойного жостовского письма зафиксирована своеобразная азбука, которая впитывается мастерами, что называется «с молоком». Замалевка, тенежка, прокладка, бликовка, чертежка, привязка - это и есть те «ступеньки», которые от обобщенных силуэтов цветов и листьев замалевки вели к созданию сложнейших композиций с тончайшими деталями привязки, объединяющей цветы в букеты и связывающей его с фоном. И только освоив эту азбуку «на отлично», научившись «чисто говорить самые сложные слова», художник получает долгожданную Свободу. Теперь рука Мастера имеет право вести его по собственным тропинкам волшебных садов, в которых живут райские птицы, и виртуозно импровизируя, создавать все новые букеты сказочной красоты.
Общаясь с известными мастерами различных Российских промыслов, я обратила внимание, что все они талантливы не только в своей основной профессии, но зачастую и во многих других сферах деятельности. Несколько лет назад участником фестиваля «Буян-остров» в Сочи был Николай Гущин - Народный художник России, главный художник Нижегородского промысла «Хохломский художник». Он поразил участников не только произведениями, привезенными на выставку, талантливой росписью, которую продемонстрировал на мастер-классе, но и … замечательным даром танцора! Как он танцевал на банкете! Не многие мужчины могут похвастаться такими способностями. И еще: глаза художника постоянно выхватывают из окружающей действительности необходимые для творчества элементы, и у каждого творца они свои. Помню, как приехав ко мне в гости, Гущин сразу же нашел новые идеи для своих росписей: в первую минуту прогулки по саду сорвал незаметный цветок. Восхищенно разглядывая завитки «сорняка», сказал, что в средней полосе он таких не видел и обязательно использует в своих росписях. Аккуратно завернул травинку-цветочек и положил в карман. Цветы - самый популярный мотив росписей в русских художественных промыслах.
Вот так и развиваются традиции. Каждый художник в сложившиеся каноны вносит свое, увиденное и пережитое именно им. Каждый автор имеет свой индивидуальный почерк. Профессионалы по характеру мазков легко различают «руки» мастеров, причем, отмечая индивидуальность, взращенную трудом и талантом, зачастую определения дают, отнюдь не искусствоведческими терминами. «Танцующим» восторженно называют они мазок заслуженного художника России Ларисы Гончаровой - мастера жостовской росписи. Лариса поет так..., как пишет свои знаменитые цветы (или пишет, как поет!).
Дипломная работа Ларисы Гончаровой в художественном училище им. Калинина была высоко оценена комиссией и отправлена на ВДНХ, а Лариса получила премию ЦК ВЛКСМ.
В детстве Лариса занималась хореографией, но получив профессию художника, долгие годы пела в фольклорном ансамбле «Русь», гастролировала. А еще она - прирожденный дизайнер одежды, за ночь может сшить себе прекрасный наряд. Попробуйте повторить: платье из тафты с отделкой из «кролика» расписанное жостовскими цветами - эксклюзив!
Позитивный характер, яркие артистические наклонности нашли естественное отражение в росписи. Отсюда и «танцующий» мазок!
Художник в четвертом поколении, Лариса с детства могла наблюдать все стадии создания знаменитых жостовских подносов, бегая к маме на работу (благо «Жостовская фабрика декоративной росписи» находилась рядом с домом!), хотя совсем не собиралась идти по ее стопам. Но мама была мудрой женщиной и смогла постепенно направить ее по нужному пути. Вот где, очевидно, сыграли свою роль гены. Ведь тот самый Тимофей Максимович Беляев, который в 1830-е годы имел в Жостово свою мастерскую по изготовлению подносов, был прадедом мамы Ларисы Гончаровой - Нины Николаевны, Народного художника России, Лауреата Государственной премии им. И. Е. Репина.
Довоенная история промысла оставила нам только мужские имена. Но 1941 год перевернул жизнь страны и начал писать свою историю во всех областях и сферах жизни. Мужчин забрали на фронт. И впервые, чтобы не погиб Жостовский промысел, насчитывающий уже тогда более 100 лет, на фабрику взяли шесть девчонок 13-14 лет. Среди них была Нина Беляева (в последствии по мужу Гончарова). Военное детство на производстве - это отдельная статья. Можно романы писать и фильмы художественные снимать! Нина Николаевна рассказывала, как они, маленькие девочки, таскали из леса на себе бревна, чтобы отапливать производство, а расписывали - банки из-под консервов, поскольку железа не было (весь металл шел на оборону). Вряд ли в те годы Нина могла представить свои работы в музейных коллекциях и лучших выставочных залах мира! Очевидно: не важно, какие стены, полы, горшки и банки расписывает твоя детская рука. Важно - кто эту руку «ставит». Учил девочек старейший мастер Андрей Павлович Гогин, сыгравший выдающуюся роль в истории Жостова. Именно Гогин в 20-е годы прошлого столетия стал активным организатором артели, на базе которой создал множество выдающихся произведений и обучил традиционному мастерству многочисленных учеников. Он был одним из тех, чья деятельность помогла пережить кризис, нарушивший в начале 20 века работу буквально всех народных промыслов. В 1928 году артели объединились в одну - «Металлоподнос», которую в 1960 переименовали в Жостовскую фабрику декоративной росписи. Все эти этапы были жизнью Андрея Павловича, и после войны, с 1948 по 1961 годы он возглавлял промысел в качестве художественного руководителя и главного художника. В тот период коллективу художников Жостова еще приходилось преодолевать начавшиеся в 20-30-е годы попытки советских госорганов изменить сложившееся направление развития промысла внедрением прямолинейного утверждения реализма. Подобные новации могли уничтожить целое направление в искусстве России. Но ведущие мастера смогли противостоять этому, направляя реализацию новых идей на углубление традиционного мастерства.
В своем творчестве Гогин экспериментировал и с формой подносов, и с композиционными схемами, применял перламутровую инкрустацию, цветные и золотые фоны. Неизменным оставался его лирический дар, переданный им своей ученице - Нине Гончаровой. Более полувека создает она произведения, восхищающие нас своим совершенством.
Уже давно доказано, что человек, не живущий в местности, где зародился и развивался промысел, никогда не станет его представителем, не сможет развивать традиции. Искусство русских народных промыслов по-настоящему живо только на родной земле и ею одухотворяется. Не смотря на это, в разных уголках нашей страны и во многих странах мира есть люди, которые страстно тянутся к красоте русского искусства и мечтают овладеть хотя бы основами мастерства. Поэтому наших художников приглашают в разные страны, организуют школы, проводят мастер-классы. Лариса часто ездит за рубеж, обучает иностранцев. Научиться основам жостовской росписи может каждый, но художником этой росписи могут быть далеко не все. Иностранцы учатся, потому что это для них новое. Для многих знакомство с русским искусством долгие годы ограничивалось матрешками. Для одних теперь это развлечение, для других - бизнес. Преподавала Л. Гончарова в Австралии, Тайване. В Америке довелось бывать неоднократно: художественные студии 8 штатов организовывали ее мастер-классы. А однажды такой мастер-класс по росписи подносов превратился в настоящее и неповторимое шоу: проходил он на фоне выступления фольклорного ансамбля, участники которого были одеты в шикарные красочные русские костюмы. Лариса тоже пела, чередуя свои выступления с обучением. В роскошном костюме она сидела за подносом на фоне ансамбля! Американки бегали смотреть, как певица-художник за одну минуту переодевается, меняет наряд: зрелище было захватывающее!
«Заграница нам поможет» - такая знакомая для всех фраза. Классика. Участившиеся в последние годы поездки наших художников за рубеж на длительные сроки подтверждают ее без юмора. Условия работы и жизни, оплата труда - там неизмеримо выше! Хотя нет, «измерить» как раз можно, но не хочется! Деньги - это хорошо: удовлетворение мастер получает не только от того, что хлеб с маслом может купить. Деньги - это «мерило», оценка творца: «Мне хорошо платят - значит, ценят мой талант, созданные мной произведения. Значит, я чего-то достиг! Не зря учился и много работал!». Получается, что деньги - это стимул работать дальше! А вот фраза: «Художник должен быть голодным»… Голодайте сами, господа!
Меняется время, жостовская роспись, отвечая веяньям моды, украшает в наше время не только традиционные подносы, но и другие предметы интерьера: шкафы, столы, сундуки, шкатулки… и даже ведра! Были бы заказы: расписать можно и туфли, и платье. И это действительно красиво. Несколько лет назад в Москве проходила выставка «Все об устройстве мира». Организаторы заказали Ларисе Гончаровой роспись компьютера. Получился замечательный и необычный артефакт!
И все же талантливые художники промысла делают все, чтобы сохранить жостовский поднос как явление русской культуры. А «Цветы Гончаровых» своим тонким лиризмом и изысканной красотой живописи срывают с наших рук и ног будничные путы и дают нам ощущение свободы и радости!
Наталия Цыгикало
Гончарова Н.С. «Бабы с граблями» 1907 г. Холст, масло
«Павлин под ярким солнцем» 1911 г. Холст, масло. 129 x 144 см.
Государственная Третьяковская галерея
Описание картины
Художница изображала одного и того же павлина в 10 стилях (в «египетском» стиле, в виде «русской вышивки», футуристическом, кубистическом и др.). Была создана целая серия под названием «Художественные возможности по поводу павлина». Он был ее символом, символом ее искусства.
Павлин был близок Гончаровой, поскольку это глубокий целостный символ. К примеру, в римском искусстве он мог обозначать триумф дочерей императора. На Востоке павлин являлся выражением души, которая из принципов единства черпала свою силу. В христианстве павлин считался образом веры в бессмертие и воскресение, а его оперение из «тысячи глаз» указывало на всеведение. Многоцветие оперения намекало на красоту мира (в Китае) и сам акт творения в исламе - символ Вселенной).
Павлин может восприниматься как знак единства Бытия. Символизм его ассоциируется с теми древними синкретическими культурами, которые так полюбила художница. В египетском варианте головка и шея павлина изображены в профиль, а хвост, согласно канонам египетского искусства, развернут фронтально. При этом он как будто распластан по плоскости темного фона, выделяясь своим неповторимым оперением. Он как будто покрыт не перьями, а яркими красками, действуя на зрителя больше физиологически.
В ярких красках воплощена поистине первозданная энергия, напоминающая об аналогичных воплощениях человеческих эмоций в русском народном творчестве. Предположительно в этой картине отразилось увлечение молодой художницы картинами Гогена с их красочной экзотикой и свободой природной жизни.
Гончарова Н.С. «Стрижка овец» 1907 г. Холст, масло
«Велосипедист» 1913 г. Холст, масло. 78x105 cm.
Государственнй Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Описание картины
В картине точно передана стремительная скорость движения. Мимо мчащегося велосипедиста мелькают уличные вывески и сливаются в одно целое. Быстрое движение колес передано через их многократное повторение друг возле друга.
И сам человек, пригнувшийся к рулю, расслаивается, становится подчиненным общей идее - скорости. Это основные признаки футуризма - смещение контуров, повторение деталей и вкрапление незаконченных фрагментов. Разлагая формы видимого мира, Гончарова, тем не менее, сумела создать целостный образ динамики в жизни отдельного человека.
В этой картине воплощена эстетика ХХ века - века технического прогресса и ускоренного темпа жизни.
Уже произошла 1 Русская революция 1905 года. Накануне Первой Мировой войны, начавшейся в 1914 году, неспокойная обстановка в общества была тонко уловлена художницей и выражена в невинном сюжете - условной фигуре человека на велосипеде.
Это одна из лучших картин художницы в стиле кубофутуризма. Последующее творчество Гончаровой шло в духе нового, изобретенного М. Ларионовым стиля «лучизм».
«Хоровод» 1910 г. Холст, масло Историко-художественный музей, Серпухов, Россия
«Архистратиг Михаил» 1910 г. Холст, масло 129.5 x 101.6 cm
Гончарова Н.С. «Литургия, св. Андрей» 1914 г.
Гончарова Н.С. «Богоматерь с младенцем».Описание картины
Картина выполнена в духе русской иконографии. Художница пользовалась традиционными схемами и приемами, и в то же время ее не сковывали никакие рамки.
Богоматерь изображена в желтых одеждах с коричневыми складками. На ее левой руке сидит младенец, которого она придерживает правой. Вопреки православным традициям, ребенок не смотрит ни на нее, ни на зрителя. Простой синий фон заполнен примитивно трактованными зелеными растениями и фигурами ангелов. Условная трактовка лица Божией Матери дополняется его нетрадиционной раскраской, что характерно для лучизма.
Свободная пластическая трансформация фигур ангелов и ребенка Христа дополняется звучностью ярких красок, что отдаляет картину от иконописных канонов и ставит на достойное место среди достижений единомышленников.
Гончарова Н.С. «Покос» 1910 г.
Гончарова Н.С. «Урожай» 1911 г.
Гончарова Н.С. «Маленькая станция» 1911 г.
«Аэроплан над поездом» 1913 г. Холст, масло. 55 x 83 см
Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань, Россия
Гончарова Н.С. «Кошки» 1913 г.
Гончарова Н.С. «Крестьянские танцы» 1911 г.
Гончарова Н.С. «Цветы» 1912 г.
Гончарова Н.С. «Прачки» 1911 г.
Гончарова Н.С. «Динамо-машина» 1913 г.
«Портрет Ларионова» 1913 г. Холст, масло. Museum Ludwig, Cologne, Германия
Гончарова Н.С. «Натбюморт с тигром» 1915 г.
Гончарова Н.С. «Посадка картофеля» 1908-1909 г.
Гончарова Н.С. «Лен» 1908 г.
Гончарова Н.С. «Соляные столпы» 1908 г. Описание картины
Для картины характерны большая архитектоничность, усложнение и многофигурность композиции, разнообразие ракурсов, свобода в построении форм.
Используя прием «живописного рассказа», за основу композиции Гончарова берет библейскую легенду о Лоте, но пересказывает ее с отступлением.
Точкой притяжения для кубистической трактовки является момент превращения человеческой фигуры в соляной кристалл на фоне повергаемого города.
В гончаровской трактовке в столпы превратились все участники сцены - и Лот, и его жена, и дочери, даже их будущие дети.
Многие живописно-пластические приемы перетекают из предыдущей картины «Бог плодородия», а именно - трактовка лица, особенно двойная обводка глаз, линия бровей, переходящая в нос, голова, посаженная на плечи, тонкие руки и ноги, жесткие деформации пропорций, доминирование 4-угольных форм.
В живописной разработке поверхности намечается и новый элемент - имеющий форму «ласточкиного хвоста» в изображении Лота. Здесь он еще не выявлен в достаточной степени ни функционально, ни живописно, но в последующих работах найдет свое место.
Гончарова Н.С. «Каменная дева» 1908 г.
Гончарова Н.С. «Крестьянки» 1910 г.
Гончарова Н.С. «Обнаженная негритянка». Описание картины
Эта картина - показательный пример примитивизма Гончаровой. Она дышит сверхэнергией движения натуры и динамичностью самой живописи. Одновременно она близка и Пикассо, и Матиссу.
В трактовке ступней ног, кистей рук и особенно в форме и постановке головы чувствуется пластическая близость «Дриаде» и «Дружбе» Пикассо. Штрихующий мазок на лице вызывает ассоциации с «Танцем с покрывалами».
Влияние Матисса ощутимо в группировке фигуры, изображенной в стремительном танце, позволяющем показать ее одновременно в разных ракурсах, цветовых контрастах (черная фигура на малиново-розовом фоне), в экспрессии движения, сжатости фигуры в минимальном пространстве и сверхрельефности контуров, в оптимистичности образов.
Гончарова смягчает кубистическую огранку и добивается большей пластичности изображения, по сравнению с эмоциональными изломами фигур на полотнах своих кумиров. Популярности картины способствовала культурная экспансия населения из покоренных стран, охватившая страны Европы. Увлечение новыми формами было подхвачено русскими художниками вслед за европейскими коллегами.
Гончарова Н.С. «Пустота» . Описание картины
Эта картина - исключение и одновременно новаторство. В творчестве Гончаровой впервые едва ли не во всей русской авангардной живописи появляется абстрактная структура в виде разноцветных концентрических колец неправильной формы.
Эта структура, имеющая биологическую, белковую форму, неустойчива по своим очертаниям, сжимающаяся и разжимающаяся вширь и в глубину, похожа на неведомую материальную субстанцию, на всплеск энергии. Она наполнена, как всегда у Гончаровой, дыханием жизни, правда, жизни другого уровня - жизни мыслящей материи.
Ритмичность и чередование синих и белых колец убывающих размеров с меняющейся шириной ленты плотной гладкой фактуры создает свое собственное пространство, перетекающее внутри этих форм, обтекаемое другим пространством, формируемое живописной массой черно-зелено-лилового цвета с матовой фактурой. Окружающее пространство становится проницаемым, несмотря на свойство темной матовой структуры поглощать весь свет.
Гончарова нарушает физику цвета и физику вещества, разрушая единство и материальную плотность, создаваемые красящими пигментами, введением белильных живописных элементов, напоминающих зеркальные блики. Плоскость всего живописного поля картины, кажется, теряет свои материальные границы. А композиция готова преодолеть их, становясь как бы иллюстрацией положения о 4 измерениях: «Картина является скользящей, дает ощущение того, что можно назвать 4 измерением, - вневременного и внепространственного…».
Материальный объем - краски, их фактура, т.е. «полное» - изображает «пустое»: «полное» рождает «пустое», объем становится категорией пространства. Картина может показаться чисто абстрактной. Если задуматься о теософских знаниях, можно представить, что центральное белое пятно - как бы обозначение туннеля, который ведет в иной мир, в мнимую «пустоту». Это потусторонний цвет. Синие кольца - своего рода ступени перехода по этому туннелю в иной мир.
Тема перехода в иной мир не впервые поднимается в творениях художниках. Подобные туннели присутствовали в работах других художников-духовидцев. Яркий пример - «Рождение души человеческой» 1808 года немецкого романтика Ф.О. Рунге.
Гончарова Н.С. «Ангелы, мечущие камни на город». Описание картины
Одна из 9 экспрессивных картин общего цикла под названием «Жатва».
В этой картине Гончарова строит свою религиозную картину мира. Вершина этого мира - божеский небесный мир. Все на земле вершится под его покровительством, а ангелы-воины вмешиваются непосредственно в земную жизнь, противоборствуя техницизму и урбанизму и одновременно охраняя пашни и сады. Таким образом, выстраиваются оппозиции «город-деревня» и «естественное-техническое».
Кроме того, сильна идея возмездия, небесной кары, судьбы, рока, в целом, апокалиптические настроения, соотносимые с христианской символикой. Картина создавалась художницей в период творческих исканий: лучизм, футуризм - все это было впереди. Только примитивизм и участие в «Бубновом валете» пока составляли творческий опыт Гончаровой. Так что это полотно в неопримитивистском стиле считается одной из лучших.
Как и многие другие, эта картина отличается выдающимися декоративными достоинствами. В частности, заметно ритмическое движений линий и пятен, ярко проявляется акцентированное тяготение к плоскости - земле. Все это подчеркивало стремление Гончаровой к монументальным формам.
Гончарова Н.С. «Желтый и зеленый лес». Описание картины
Один из серии «лучистых пейзажей». Все в этой картине размыто проблесками пересекающихся лучей, за ними едва угадываются очертания деревьев. В центре композиции - 2 уходящих ввысь ствола, глухого синего и коричневых тонов. Интенсивное пятно желтого цвета в кроне дерева, из которого вырываются лучи, густые зеленый и темно-синий тона доходят до абсолютной глубины цвета.
Высокие кроны деревьев - все в пересекающихся лучах. Даже в густом коричневом тоне земли вспыхивают проблески лучей света. Это привносит в пейзаж взволнованное и приподнятое, но нереальное, почти мистическое звучание.
Есть мнение, что этот пейзаж - простая иллюстрация к философским построениям П.Д. Успенского «Tertium Organum. Ключ к загадкам мира». Мистика и эзотерика переплелись в его жизненном пути с оккультизмом и целительством. Предложенная философом новаторская модель Вселенной, в которой не 3, а 4 измерения, в том числе время. Также призывал к созданию мира на основе идеи синтеза Психологии и Эзотерики, что вело к высшему уровню осмысления и осознания жизни человека.
Родилась 16 августа 1881 года в деревне Ладыжино Тульской области. Наталья воспитывалась в семье архитектора. Этот род принадлежал к старинному роду Гончаровых.
Увлекшись искусством, Гончарова начала обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, которое продолжалось с 1901 по 1909 год. Сначала Наталья занималась преимущественно скульптурой, а впоследствии стала увлекаться живописью. Первым наставником начинающей художницы стал К.А. Коровин. При этом скульптурные работы художницы тоже получили высокую оценку.
Ранними работами Гончаровой стали картины в духе импрессионизма. Эти полотна успешно экспонировались на выставках «Мира искусства» и МХТ. Позднее она получила приглашение от С.П. Дягилева. Он предложил начинающей художнице участвовать в Осеннем Салоне в Париже.
В этот период Гончарова пишет в основном улицы со старинными зданиями, городские парки в технике пастели. Особенности мировосприятия, прослеживающиеся в этих полотнах, явно говорят о влиянии на художницу творчества мастеров группы «Наби». Однако тот нежный лиризм, который отличал работы раннего периода, вскоре уступил место последовательному неопримитивизму.
Еще во время обучения в училище Гончарова знакомится с М.Ф. Ларионовым. Вскоре это знакомство приведет к теплым отношениям, а Ларионов станет супругом художницы. Вместе с ним Гончарова участвовала в различных русских и европейских выставках. Творческий подъем молодой художницы был связан с 1906 годом, когда Гончарова вплотную занялась картинами в духе примитивизма. Художницу привлекает тематика крестьянского искусства. Она стремится познать сущность творчества народа во всей его глубине.
Позднее Гончарова будет работать и в других стилях, активно используя традиции разных эпох. В это время появляются картины «Мать», «Хоровод», «Уборка хлеба», «Евангелисты».
В 1913 году Гончарова много работает над иллюстрациями к литературным произведениям, среди которых издания С.П. Боброва, А.Е. Крученых, В.В. Хлебникова. С 1914 года художница оформляет театральные постановки, такие как «Золотой петушок». В поздний период творчества Гончарова создает много работ, поддерживающих идею беспредметного искусства. В это время появляются картины «Лучистые лилии», «Орхидеи».
В 1915 году Гончарова вместе с мужем уезжает во Францию. Здесь жизнь художницы и оборвется 17 октября 1962 года.
