Символизм, возникший в 60-80 гг. XIX в. во Франции как литературная школа, вскоре охватил другие формы искусства – изобразительное искусство, архитектуру, музыку и др. и распространился во многих странах, включая Россию, став одним из важнейших событий в мировой культуре рубежа XIX-XX веков. Символизм стал реакцией на кризис позитивизма и реализма, его философской основой является идеализм, эстетические положения символизма генетически восходят к различным идеалистическим учениям (Ф. Ницше, А. Шопенгауэра и др.). Символисты считали, что окружающая реальность есть отблеск реальности более высокого порядка; мир рационально не познаваем; постичь сущность вещей можно только на основе принципов алогизма, интуитивизма и мистики; задача искусства не копировать повседневность, а выражать Идеи. Считая субъективное важнее объективного, символисты стремились раскрыть индивидуальный мир, выразить движения глубинной жизни души. Символизм рассматривался как элитарное, «аристократическое» движение в искусстве, причем символисты подчеркивали, что провозглашенный «аристократизм» имеет сугубо интеллектуальный, духовный характер.
В рамках символизма не существовало единой, общепризнанной концепции символа. В широком смысле символ понимался как самое совершенное образное выражение Идеи – тайны, скрывающейся в глубине вещей, повседневно данных в опыте. Символисты считали, что символ должен не называть идею по имени, а только намекать и вызывать ее ощущение.

Русский символизм не был прямым заимствованием с Запада, он был глубоко укоренен в отечественной культуре и являлся продолжением национальной традиции – это подчеркивали и сами символисты (А. Белый, Вяч. Иванов и др.). Коренное отличие между русским и западноевропейским вариантами символизма заключается в том, что если западноевропейский символизм в целом развивался как литературно-художественная школа, то русский символизм стремился выйти за пределы искусства и стать широким культурным течением, определенным мировоззрением эпохи. Русский символизм развивался под знаком синтеза (синтеза искусства и жизни, синтеза разных форм искусства) и был призван остановить процесс культурного распада, когда усилившаяся дифференциация философии, искусства и науки, разные формы которых зачастую воспринимаются как оппозиционные друг другу, привела к обедненному восприятию жизни.

По мнению русских символистов – А. Белого, Вяч. Иванова, А. Блока и др. – целью символизма было творчество новой жизни и спасение человечества. В искусстве они видели деятельность, направленную на создание не одних только сугубо художественных форм, но прежде всего новых форм жизни, призванных обновить и преобразить все существование человека. Проблема жизнетворчества является центральной в русском символизме. Под жизнетворчеством подразумевалось не реальное, революционное изменение существовавшего общественно-политического порядка, а преобразующее жизнь действие искусства, заключающееся во «внутреннем» преображении и самосовершенствовании человека.

Символисты считали, что искусство тесно связано с религией, так как имеют общие цели – преображение человечества и создание новых форм. Грядущее «преображение» мыслилось прежде всего как некое религиозное преображение души, которое должно было осуществиться на основе тесного взаимодействия искусства и религии. В начале XX в. русские символисты выступили с учением о теургии, то есть о религиозно-освященном творчестве, художник должен быть теургом, который на основе принципов алогизма, интуитивизма и мистики «прозревает волю сущностей». Другими словами художник призван выявлять присущую миру красоту и гармонию.

В процессе своего развития русский живописный симво­лизм выработал особый, присущий только ему изобразительный язык и существенно по­влиял на дальнейшие судьбы русского искусства.

В русском живописном символизме, который является целостным направлением в русском изобразительном искусстве, можно выделить два типа живописных систем: построенные на пластической основе (В. Э. Борисов-Мусатов и его последователи, мастера «Голубой Розы») и литературной основе (М. А. Врубель). Качествами литературности обладало творчество некоторых художников-мирискусников (Л. С. Бакст, К. А. Сомов, М. В. Добужинский и Н. К. Рерих), которые были связаны с традициями символизма. Отличие между двумя живописными системами заключается прежде всего в специфике сюжета. Произведения, выполненные в эстетике живописной системы имеющей пластическую основу, не имеют явных сюжетов, их содержание нельзя «рассказать» словами. Данные картины выражают определенные настроения, состояния души. В основе произведений, выполненных в эстетике живописной системы имеющей литературную основу, лежат литературные сюжеты, широко представлены легендарные, мифологические герои и т.д. Даже если они не опираются непосредственно на литературную основу, сюжеты этих картин можно перевести в вербальный эквивалент, «рассказать».

Основные положения живописной системы, построенной на пластической основе, первоначально были сформулированы и оформлены в творчестве В. Э. Борисова-Мусатова, а затем получили свое дальнейшее развитие в творчестве мастеров «Голубой Розы» (П. В. Кузнецов, С. Ю. Судейкин, М. С. Сарьян, А. Т. Матвеев и др.). Ее особенности: тщательное построение композиции, выражающей идеи, настроения; органичное соединение рационального и интуитивного; широкое использование музыкальных принципов; стремление решать станковые картины как панно.

В русском живописном символизме одной из главных была проблема синтеза искусств в аспекте выявления и расширения музыкальных средств выразительности . А. Белый выделил пять главных форм искусства и расположил их в порядке совершенства: вначале три пространственных искусства – зодчество, скульптура, живопись, и затем два временных – поэзия, музыка («искусство чистого движения»). Искусство является целостной системой – формы искусства не замкнуты, включают в себя элементы других форм и взаимно влияют друг на друга (более совершенные формы, проникая в менее совершенные, одухотворяют их и наоборот). Музыка как высочайшая форма искусства включает в себя остальные формы и охватывает все сферы действительности. Символисты считали, что дальнейшее развитие искусства связано с музыкой, которая проникая в другие формы искусства, будет одухотворять их. Соответственно, для того, чтобы живопись стала способной постигать явления, а ее образы приобрели качества подвижности и многозначности, в ней должны быть реализованы музыкальные средства выразительности.

В русском живописном символизме музыкальные принципы (ритм, мелодическое развитие линии, эмоциональная насыщенность, вариантность, мотив движения и др.), прежде всего, были реализованы в живописной системе, построенной на пластической основе.

В истории русского символизма можно выделить "две волны" . "Первая волна" возникла на рубеже 1880-х - 1890-х годов и представляла собой стихийный неоромантический протест . В своем стремлении уйти от современной реальности каждый из "старших символистов" избирал свой путь. Одни обращались к образам романтической литературы (М.Врубель), другие - к древней истории (Н.Рерих), третьи - к религиозно-нравственным идеалам (М.Нестеров), многие пришли к театру (А.Головин). Но все они стремились соз­дать свой новый мир по законам высокого искусства.

Провозвестником и творцом "второй волны" русского символизма явился В.Борисов-Му­сатов, начавший свою деятельность еще в русле "первой символистской волны". Он стал создателем новой живописной системы в русском искусстве. Под его непосредственным воздействием сформировалось объединение "второй волны" русских символистов "Голу­бая Роза".

Содружество выросло из кружка творческой молодежи, сложившегося на рубеже ХIХ-ХХ веков в стенах Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Лидерами стали мо­лодые художники-саратовцы П.Кузнецов и П.Уткин, их земляком был и скульптор А.Матвеев. В объединение также входили А.Арапов, Н.Крымов, братья Н. и В.Милиоти, Н.Рябушинский, Н.Сапунов, М.Сарьян, С.Судейкин, А.Фонвизин и др.

В отличие от "первой волны" русского символизма, "вторая волна" обрела очертания эсте­тической системы, характер художественного направления . Переориентация изобрази­тельного искусства с литературной основы на музыкальную привела к переносу акцента при создании художественного образа на собственно пластические средства выражения - линию, цветовую интонацию, ритмическую организацию композиции.

Деятельность "Голубой Розы" была длительной, хотя выставка с таким назва­нием оказалась единственной. Название перешло к движению, связанному с творчеством участвовавших в выставке мастеров.

Русский символизм конца 1900-х годов, изменяя свой характер, формы, темы, набирает еще большую силу и убедительность. На данном этапе происходит сближение русских художников-новаторов с крупнейшими мастерами французского искусства начала ХХ столетия. Общий поворот к "реализму" определил направление новых интересов "голубо­розовцев". От сказок и снов, от образов подсознания они обратились к реальности. Спо­собность синтетического видения, умение обобщать непосредственное наблюдение в ре­альной жизни, проникать за видимую оболочку предметов к Истинной реальности, при­вели символистов к тому, о чем они мечтали, - к декоративному синтезу. По мере разви­тия символистская живопись приобретала большую силу экспрессии и активно включа­лась в стремительный поток авангардного движения в русском искусстве 1910-х годов. Из восторженных мечтателей художники "Голубой Розы" превратились в участников испол­ненной драматизма Жизни-Балагана. Главной цветовой тональностью их произведений стала глубокая густая синева, в которой особенно напряженно зазвучали интонации крас­ного, желтого и оранжевого.

Странный текст про Врубеля:

М. А. Врубель – крупнейший русский художник-символист, создатель оригинальной живописной системы, построенной на литературной основе. Иконографически он близок к западноевропейскому модерну и символизму, но за сюжетными внешними аналогиями скрывается глубокое оригинальное содержание, которое зиждется на отечественной национальной традиции. В творчестве Врубеля всегда привлекали серьезные, глубокие темы, лишенные иронии и легковесности, даже обыденным сюжетам он придавал характер таинственного, возвышенного. Его мироощущение было трагичным, ему свойственны страстные порывы. В своих произведениях художник создал галерею сильных личностей, испытывающих душевное горение и жажду нравственной чистоты (Демон, Пророк, Пан и др.). В работах Врубеля были реализованы основные теоретические положения русского символизма. Идеей, лежащей в пределах русского символизма, является идея преображения мира и человека средствами искусства.

В образе-символе Демона Врубель художественно выразил мировоззрение интеллигенции, ее притязания на жизнетворчество, то есть пересоздание мира и человека на основе неких умозрительных идеалов, ею продуцированных. Врубель создал триаду Демонов («Демон сидящий» (1890, ГТГ) – «Летящий Демон» (1899, ГРМ) – «Демон поверженный» (1902, ГТГ)), в которой художественными средствами выразил все этапы жизнетворчества русской интеллигенции (конструирование ментального идеала – практические действия по претворению идеала – результаты жизнетворчества).

В творчестве М. А. Врубеля, наряду с темой Демона, существовала тема русской национальной старины («Богатырь» (1898, ГРМ), «Пан» (1899, ГТГ), «Царевна-Лебедь» (1900, ГТГ) и др.). Демон и русские сказочные персонажи идейно противостоят друг другу как противоположные полюса. Демон лишен почвы, сказочные персонажи укоренены и растворены в ней, Демон терзается мучительными вопросами, сказочные персонажи не задаются ими, Демон жаждет жизнетворчества, сказочные персонажи живут традиционным укладом и т.д. Одной из центральных задач русского символизма было преодоление и снятие антиномий. Врубель решает данную задачу в теме Пророка, в которой органично соединяются размышления художника о человеке, его бытии, выраженные в образах Демона и сказочных персонажей. Если говорить в терминах русского символизма, то процесс вытеснения темы Демона (главной темы Врубеля) новой темой Пророка является преодолением антитезы в его творчестве.

Хотя символизм в живописи принято считать отдельным стилем, ни один искусствовед не сможет дать его четкое определение и загнать в четкие рамки. Вообще, когда говорят о символизме, то подразумевают направление в европейской философии и литературе, а в дальнейшем и в живописи, которое возникло на рубеже 19 и 20 веков. Но если быть более честным, истоки символизма стоит искать еще раньше, примерно в 13 веке. Именно на этот период пришелся расцвет Инквизиции, которая путем цензуры запрещала все неугодное Богу, точнее Церкви. Поэтому чтобы выразить свои мысли, художники прибегали к различным символам, истинный смысл которых был понятен только узкому кругу посвященных. А некоторые историки искусства уводят корни символизма еще дальше, и связывают его с иконописью. Однако, точно известно только дата возникновения термина — его ввел в оборот французский поэт Жан Мореас в 1886 году.

Вне зависимости от вида искусства, главная идея символизма состоит в том, что наш мир — всего лишь смутное отражение совершенно другого мира, но именно он является настоящим. Все, что происходит вокруг нас, символисты считали следствием невидимых и не понятных нам причин. Адепты символизма отрицали науку, были агностиками, и считали, что человеческий разум слишком часто ошибается, поэтому ему нельзя верить. Только краткий миг прозрения, который происходит во время творческого процесса, может ненадолго открыть темную завесу тайны над миром иллюзий. Именно поэтому символисты отводили особую роль творческим личностям.

Зародившийся во Франции символизм, в живописи так и не стал полноценным стилем, хотя бы потому, что не создал собственного художественного языка, а использовал уже существующие приемы: гротеск, осознанное использование гипертрофированных формы и ярких цветов. Однако это не помещало ему стать предшественником художественного авангарда 20-го века. Наиболее популярными темами символизма в живописи были: любовь страдание, смерть, предчувствие каких-то событий. Персонажей и сюжеты художники-символисты брали из библейских историй, античной мифологии, исторических событий. Символизм оказал сильное влияние на живопись во Франции, Германии, Бельгии, Австрии, Норвегии, где его считали отдельным стилем. Среди европейских художников-символистов наиболее известны П. Гоген, Э. Мунк и О. Редон. Среди художников Нового Света стоит отметить Фриду Кало. В России символизм был достаточно популярен, но, в первую очередь, в литературе. Среди художников идеи символизма пропагандировали Врубель и Борисов-Мусатов. С момента официального возникновения символизма прошло примерно полтора века, у него до сих пор есть почитатели, как среди публики, так и среди художников. Может быть дело в том, что присутствие символов на картине заставляет зрителя интенсивно работать, как разумом (думать, чувствовать), так и подсознанием и интуицией. Благодаря этому зритель также проводит некую творческую работу, что ставит его на одну ступень с художником, в широком смысле этого слова.

Символизм – направление в живописи, которое обильно использует образность, шифры, отсылки и кодировки.

В соответствии с теорией искусств, символизм в живописи возник во второй половине XIX века и продолжил становление в начале XX века.

При этом еще в эпоху Средневековья было создано немало произведений искусства в жанре символизма - художники и иконописцы шифровали свои послания потомкам и загадывали загадки современникам.

Сам же термин “символизм” появился в 1886 году благодаря французскому поэту Жану Мореасу.

Присутствие символов в живописи заставляет зрителя активно думать, задействовать подсознание, интуицию с целью лучше понять и принять (или не принять) задумку автора полотна. Самым ярким примером символизма можно считать иконопись - язык написания икон очень своеобразен.

Символизму также приписывают и “правила чтения”: существуют целые эмблематические сборники для расшифровки изображений. Но точно так же, как в литературе бытует мнение, что “цитата - это протез для мысли”, подобным образом можно упрекнуть и “символические” справочники с правилами для чтения изображений.

Зачем же обращаться к чужим толкованиям? Каждый воспринимает изображение по-своему, в меру своего чувственного опыта, уровня развития и интеллекта. Язык всех видов искусства - универсален, каждый зритель, созерцая картину художника-символиста, обязательно увидит в ней что-то своё.

Интерпретировать картину художника-символиста - это очень увлекательное занятие. Не оглядываясь на чужое уже сформировавшееся мнение, прочитаем скрытое и переданное на языке символов послание автора самостоятельно: на примере картины мексиканской художницы Леоноры Каррингтон (1917-2011). Леонора Каррингтон - одна из немногих женщин художниц-сюрреалистов, которая писала картины в жанре, где в основном правят бал художники-мужчины.

Большой интерес для толкования представляет работа “The Inn of the Dawn Horse”, написанная в 1936-1939 г.г. [“Постоялый двор лошади Утренняя Заря” - англ.] - это автопортрет Леоноры Каррингтон. Полотно считается первой и главной работой художницы в жанре сюрреализма.

Итак, на первый взгляд на картине изображена девушка, безучастно сидящая одна в пустой комнате на стуле, оформленном в стиле Викторианской эпохи. При внимательном рассмотрении мы можем увидеть ножки стула и подлокотники в виде человеческих конечностей - рук и ног. Эпоха, когда в Англии правила королева Виктория характеризуется строгостью моральных устоев - сама королева подчинила свою жизнь долгу и семье и требовала этого от своих подданных.

Девушка одета в мужскую одежду - наездника, что придаёт ей мужские черты, и она выглядит как некое двуполое существо. На девушке абсолютной белизны брюки - белый цвет символизирует чистоту, непорочность. И именно потому, что это белые именно брюки как часть одежды - приходит мысль о том, что эта девушка всегда отказывала себе в сексуальных удовольствиях.

Её волосы беспорядочно растрепаны, а взгляд - безумен, и вся её поза выражает некую пассивность. Её правая рука застыла в жесте - руки, протянутой для поцелуя. На стене висит огромная лошадка-качалка - символ памяти о детских мечтах и надеждах, когда каждая девушка знает, что у неё в жизни получится всё. Судя по тому, что рядом с девушкой в комнате находится полосатая гиена - это её реальная неудавшаяся жизнь, которую художница и изобразила в виде неприятной, неопрятной гиены с такими же безумными глазами как у девушки.

Рядом с пессимистичностью настроя, чувством безысходности, так свойственным всем творящим в жанре символизма художникам, вселяет надежду изображение парящей с легкостью белой лошади - за окном комнаты, в которой находится девушка. Там, где-то там, вдали, впереди - есть, есть легкость, есть исполнение желаний, возможно достижение счастья, а также обретение женщиной свободы и независимости… Необходимо просто решиться на это!

Единственное, что вызывает заминку в толковании - это три маленьких шарика на животе у гиены - что это? Символ триединства с намёком на религию? Древние греки считали, что гиена способна менять свой пол. И именно нижняя часть тела животных - живот и ноги - это бессознательное. Возможно, три шарика означают три любви девушки - трое мужчин, которые ухаживали за ней, а она захотела сохранить свою чистоту, и вот к чему это привело - к тому, что она безумна… Справедливо напрашивается вывод, что абсолютная чистота и целомудрие для женщины - это противоестественно и нарушает все мыслимые законы природы…

Картина как бы говорит: посмотри, посмотри, что ты сделала со своей жизнью! - и таким образом, побуждает любую женщину-зрителя к действию: “Действуй! Всё только в твоих руках!”

Символизм – движение в искусстве конца 19 – начала 20 столетия. В живописи это движение называют постимпрессионистским. На всей территории Европы в период между 1886 и 1900 годами символизм доминировал практически во всех областях искусства. Для России начала 20 столетия наибольшим влиянием пользовалось творчество Врубеля.

История

Изначально сформировался в прозе, поэзии, философии и театре, затем распространился на музыку и изобразительное искусство. Стиль имеет прочные связи с романтизмом. Символизм в живописи был в значительной степени реакцией против натурализма и реализма, тесно связан с мифологической тематикой в живописи всех жанров.

Символисты искали глубинный смысл в фантазии, мечтах, сознании, эмоциях, там, где реалисты и натуралисты стремились воспроизвести действительность в ее объективности, их идеи были сосредоточены на передаче идеального образа.

Представители

Известные художники-символисты 19 – 20 столетия:

• Густав Моро (1826 — 1898)
• Арнольд Беклин (1827 -1901)
• Ходлер (1853 — 1918)
• Макс Клингер (1857 — 1920)
• Поль Гоген (1848 — 1903)
• Энсор (1860 — 1949)
• Эдвард Мунк (1863 — 1944)
• Одилон Редон (1840 — 1916).

История готического стиля в живописи

Картины находятся в известных галереях мира. Для России наиболее знаковым является творчество Врубеля.

Развитие стиля не было долговечным, но имело сильное влияние на немецкое искусство 19 столетия и развитие творчества в России. Символизм сыграл свою роль в творчестве Джорджо де Кирико, Хуана Миро, Пауля Клее, Фриды Кало и Марка Шагала.

В течение 1990-х годов, ряд китайских художников использовали символистские мотивы для выражения политических и социальных неопределенностей, существовавших стране, особенно, после разгона демонстраций на площади Тяньаньмэнь.

Основные идеи

Статья под названием «Le Symbolisme», которая появилась во французской газете «Le Figaro» 18 сентября 1886 года, была написана французским поэтом Жаном Мореасом. По его словам, символика была против «простого смысла и прозаичного описания».

Концептуализм как стиль в живописи

Цель символизма состояла в том, чтобы «облечь идеал в ощутимой форме». Проще говоря, символисты считали, что искусство должно выражать абсолютные истины, используя метафорические образы и аллегории, содержащие символическое значение.

Художники-символисты 19 – 20 столетий были вдохновлены литературой и поэзией, историей, легендами, мифами, библейскими историями. Создавая картины, символисты наделяли предметы, изображенные на полотне, мифологическим, мистическим, эзотерическим смыслом. Черты мировоззрения авторов передают картины – наиболее популярными тематиками были чувства и эмоции, религия, оккультизм, любовь, смерть, болезнь и грех.

Символизм во многом был реакцией против урбанизации и материализма викторианской эпохи. Он отверг узкие изобразительные пределы натурализма. Это философский, а не живописный стиль. Картины живописцев – Врубеля, Дельвиля, Рериха и других – передают глубокую истину на противовес реалистам, которые отображали лишь внешнюю оболочку.

Неоклассицизм как стиль в живописи

Символизм является интеллектуальной формой экспрессионизма. Именно содержание, а не цвет и форма делают работы художников этого направления уникальными и узнаваемыми. Стремление передать не буквальный образ, а крик души, переживания, настроение, впечатления было главным смыслом символизма в творчестве Врубеля, Редона, Моро, Дельвиля.

Характерные черты

Выделяются характерные черты стиля: новаторство, стремление к экспериментам, таинственность, неоднозначность, недосказанность.

Франция

Региональные особенности развития символизма:

Французская школа символизма отличается тягой к синтетизму и декадансу. Представители направления: Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Поль Гоген, Эмиль Бернар, Эдгар Максенс. Известные картины: «Осень», «Сон» (Пюви де Шаванн), «Саломея», «Фаэтон» (Г. Моро), «Циклоп» (О. Редон), «Снежная королева» (Э. Максенс).

Бельгия

Бельгийский символизм развивался по линии декаданса. Картины Ксавье Меллери, Джеймса Энсора, Жана Дельвиля в стиле символизм отличаются особым восприятием и передачей образов.

Британия

В Британии ощущалось влияние прерафаэлитов, их средневековый стиль и возврат к идеалам Возрождения дал толчок истории местного символизма. Художники: Уильям Холман Хант (1827 — 1910), Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882), Джон Эверетт Милле (1829 – 1896), Эдвард Берн-Джонс (1833 — 1898).

Маньеризм как стиль в живописи

Развитие стиля в России

Символизм в России отставал от своего движения в Западной Европе. Период представлен творчеством Врубеля, Нестерова, Сомова, Рериха, Гущина. В развитии русской живописи этот период связан с представителями Серебряного периода в начале 20 столетия, совпавшего с появлением модерна в культуре.

Культурное становление русской философии и поэзии этого периода происходило в сложный период развития государственности. Представители Серебряного века переключились с политических и социальных проблем на мистические, философские. Это ярко проявилось в работах Врубеля. Русский символизм наиболее выразительно представлен поэтами Серебряного века. Название зародилось позже, чем получили популярность работы поэтов и художников – в эмиграции, по аналогии с Золотым веком русской поэзии 19 столетия.

Реализм как стиль в живописи

Сущность российской версии символизма – богоискательство, эмоциональность, декадентство. Окончание Серебряного века связано со становлением советской власти.

Одним из наиболее ярких представителей этого периода в русской живописи является Михаил Врубель. Живописец работал в разных жанрах искусства – графика, театр, живопись, скульптура. Влияние Врубеля на живопись Серебряного периода исключительно. Одной из главных работ Врубеля, репрезентативных для характеристики периода, можно назвать полотно «Демон сидящий».

Картины представителей периода были представлена на двух тематических выставках – «Алая роза» и «Голубая роза». Первая прошла в Саратове в 1904 году. Организаторами были представители одноименного объединения, созданного в конце 19 века. В 1907 году ядро Алой розы сформировало новое объединение – «Голубая роза».

Работы символистов России Серебряного периода характеризуются атмосферностью. Художники стремились передать суть, а не правильную, натуральную форму.

14.03.2011 в 00:45

СИМВОЛИЗМ. живопись

Моро - Саломея

Символизм (фр. Symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основное настроение улавливаемое символистами являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представало лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.

Моро-Орфей

В своих произведениях символисты старались отобразить жизнь каждой души — полную переживаний, неясных, смутных настроений, тонких чувств, мимолётных впечатлений. Поэты-символисты были новаторами поэтического стиха, наполнив его новыми, яркими и выразительными образами, и иногда, пытаясь добиться оригинальной формы, они уходили в считаемую критиками бессмысленной игру слов и звуков. Можно сказать, что символизм различает два мира: мир вещей и мир идей. Символ становится неким условным знаком, соединяющим эти миры в смысле, им порождаемом. В любом символе есть две стороны — означаемое и означающее. Вторая эта сторона повернута к ирреальному миру. Искусство — ключ к тайне.

Моро- Музы покидающие Апполона

Основным содержанием символистичного произведения являются выраженные в образности символов вечные Идеи, т.е. обобщённые представления о человеке и его жизни, высший Смысл, постигаемый лишь в символе, а также Красота, в нём воплощённая.

Моро-Одифус и Сфинкс

Моро (Moreau Gustave) Гюстав (1826-1898), французский живописец и график. Родился в Париже 6 апреля 1826 года, в семье архитектора.На протяжении 1860 –х годов произведения Моро пользуются огромным успехом и популярностью. Критики называют Моро спасителем жанра исторической живописи.
В течение всей жизни Моро писал фантастически пышные, мастерски исполненные в духе символизма композиции на мифологические, религиозные и аллегорические сюжеты.Восхищался женским телом, имел вкус к роскошным нарядам и аксессуарам. Мир картин Моро – зачарованный мир фантастических пейзажей, призрачной архитектуры, дремотных состояний. В 30 лет едет на два года в Италию, привозит несколько сотен копий мастеров Ренессанса. Пишет в пастели и акварели. Романтическая стилистика, отрешенность.Отшельник, чуждый широкой публики. Творчество обращено к рафинированной элите, которая может понять мир символов.Он практически не продавал работы- «Я так люблю мое искусство, что почувствую себя счастливым, только если буду писать только для самого себя».У него не было жены, жил со своей мамой, женщинами не интересовался. После смерти свой особняк с картинами (более 1200 полотен) и мастерской завещал государству.

Моро-Саломея

Моро -Орфей. Моро придумал поэтический финал этой истории: в его версии голову и лиру обнаруживает фракийская девушка."Орфей" - одна из самых прозрачных картин художника. Здесь он отказывается от обилия характерных для его ранних работ символических деталей и создает простую, но в то же время величественную композицию. Картина была показана в Салоне 1866 года и приобретена государством за 8000 франков. Выставленная еще при жизни художника, она оказалась единственной постоянно доступной для любого зрителя и потому стала самой известной его работой.

Моро

Сегантини - Наказание плохих матерей

Выглядит очень загадочно, но посвящена приземленной теме - абортам. Собственно говоря, изображены вечные муки женщин, сделавших аборт.Есть и другая похожая картина - "Наказание сладострастных".

Леви -Дхурмер -Саломея

Леви -Дхурмер -Дух ветра

Леви -Дхурмер

ДЕВИЛЬ

Редон-Офелия

Редон -Будда

Уоотс

Карьер -Сон

Эжен Карьер .Происходил из бедной семьи. С детства рисовал, систематического образования не получил. С 15 лет работает в Страсбурге рабочим литографом. Переезжает в Париж, посещает Школу изящных искусств. Был на фронте. Затем учился у Кабанеля.В его сценах интимные прикосновения. Свет несет заряд метафоричности, т. к. берется в двойном значении: материальной и духовной энергии. Древние традиции понимания света как эманации божественного первоначала. Насыщенность материальной формы светом ассоциируется с сиянием внутренней жизни, духовной просветленностью.

Карьер- Женщина

Метод Карьера: понять искусство можно только через пристальное изучение природы. Предпочитал Музей естественных наук. наблюдение природы должно стать базисом для сравнительной морфологии, необходимой каждому художнику. Его метод - «трансформизм». Излюбленный сюжет - мать и дитя.