Какие архитектурные и скульптурные произведения. Showforum прикладное искусство архитектура. Декоративно-прикладное искусство. Триумфальная арка императора Тита

Искусство арабских стран сложно по своим истокам. На Южной Аравии они восходят к культурам Сабейского, Минейского и Химьяритского государств (1-е тыс. до н. э. - 6 в. н. э.), связанным со Средиземноморьем и Вост. Африкой. Древние традиции прослеживаются в архитектуре башнеобразных домов Хадрамаута и многоэтажных постройках Йемена, фасады которых украшены цветным рельефным узором. В Сирии, Месопотамии, Египте и Магрибе стили средневекового арабского искусства формировались также на местной основе, испытывая некоторое воздействие иранской, византийской и других культур.

Архитектура. Основным культовым зданием ислама стала мечеть, где собирались для молитвы последователи пророка. Мечети, состоящие из огороженного двора и колоннады (положившие начало «дворовому», или «колонному», типу мечети), в 1-й половины 7 в. были созданы в Басре (635), Куфе (638) и Фустате (40-е гг. 7 в.). Колонный тип надолго остался основным в монументальной культовой архитектуре арабских стран (мечети: Ибн Тулуна в Каире , 9 в.; Мутаваккиля в Самарре, 9 в.; Хасана в Рабате и Кутубия в Марракеше, обе 12 в.; Большая мечеть в Алжире, 11 в., и др.) и оказал воздействие на мусульманское зодчество Ирана, Кавказа, Ср. Азии, Индии. В архитектуре получили развитие также купольные постройки, ранний образец которых представляет восьмигранная мечеть Куббат Ас-Сахра в Иерусалиме (687-691). В дальнейшем куполами завершают различные культовые и мемориальные здания, чаще всего увенчивая ими мавзолеи над могилами известных лиц.

С 13 в. до начало 16 в. зодчество Египта и Сирии было тесно взаимосвязано. Велось большое крепостное строительство: цитадели в Каире, Халебе (Алеппо) и др. В монументальной архитектуре этого времени пространственное начало, доминировавшее на предшествующем этапе (дворовая мечеть), уступило место грандиозным архитектурным объёмам: над гладью мощных стен и большими порталами с глубокими нишами вздымаются высокие барабаны, несущие купола. Строятся величественные здания четырёхайванного (см. Айван ) типа (известного до этого в Иране): маристан (госпиталь) Калауна (13 в.) и мечеть Хасана (14 в.) в Каире, мечети и медресе (духовные школы) в Дамаске и других городах Сирии. Сооружаются многочисленные купольные мавзолеи, подчас образующие живописный ансамбль (Кладбище мамлюков в Каире, 15-16 вв.). Для украшения стен снаружи и в интерьере наряду с резьбой широко применяется инкрустация разноцветным камнем. В Ираке в 15-16 вв. в декоре используются цветная глазурь и позолота (мечети: Мусы аль-Кадима в Багдаде, Хусейна в Кербеле, имама Али в Неджефе).

Высокий расцвет пережила в 10-15 вв. арабская архитектура Магриба и Испании. В крупных городах (Рабате, Марракеше, Фесе и др.) строились касбы - цитадели, укрепленные мощными стенами с воротами и башнями, и медины - торговые и ремесленные кварталы. Большие колонные мечети Магриба с многоярусными, квадратными в плане минаретами отличаются обилием пересекающихся нефов, богатством резной орнаментики (мечети в Тлемсене, в Таза и др.) и пышно украшены резным деревом, мрамором и мозаикой из разноцветных камней, как и многочисленные медресе 13-14 вв. в Марокко. В Испании, наряду с мечетью в Кордове, сохранились и другие выдающиеся памятники арабской архитектуры: минарет «Ла Хиральда», воздвигнутый в Севилье зодчим Джебером в 1184-96, ворота в Толедо, дворец Альгамбра в Гранаде - шедевр арабского зодчества и декоративного искусства 13-15 вв. Арабское зодчество оказало воздействие на романскую и готическую архитектуру Испании («стиль мудехар»), Сицилии и других средиземноморских стран.

Декоративно-прикладное и изобразительное искусство. В арабском искусстве получил яркое воплощение свойственный художественному мышлению средневековья принцип декоративности, породивший богатейший орнамент, особый в каждой из областей арабского мира, но связанный общими закономерностями развития. Арабеска, восходящая к античным мотивам, - это созданный арабами новый тип узора, в котором математическая строгость построения сочетается со свободной художественной фантазией. Получил развитие также эпиграфический орнамент - каллиграфически исполненные надписи, включенные в декоративный узор.

Орнамент и каллиграфия, широко применявшиеся в архитектурном декоре (резьба по камню, дереву, стуку), характерны и для прикладного искусства, достигшего высокого расцвета и особенно полно выразившего декоративную специфику арабского художественного творчества. Красочным узором украшалась керамика: поливная бытовая посуда в Месопотамии (центры - Ракка, Самарра); расписанные золотистым, разных оттенков люстром сосуды, изготовленные в фатимидском Египте; испано-мавританская люстровая керамика 14-15 вв., оказавшая большое влияние на европейское прикладное искусство. Мировой известностью пользовались также арабские узорные шёлковые ткани - сирийские, египетские, мавританские; изготовлялись арабами и ворсовые ковры. Тончайшими чеканкой, гравировкой и инкрустацией из серебра и золота украшены художественные изделия из бронзы (чаши, кувшины, курильницы и другие предметы утвари); особенным мастерством отличаются изделия 12-14 вв. г. Мосула в Ираке и некоторых ремесленных центров Сирии. Славились сирийское покрытое тончайшей эмалевой росписью стекло и украшенные изысканным резным узором египетские изделия из горного хрусталя, слоновой кости, дорогих пород дерева.

Искусство в странах ислама развивалось, сложно взаимодействуя с религией. Мечети, а также священная книга Коран украшались геометрическим, растительным и эпиграфическим узором. Однако ислам, в отличие от христианства и буддизма, отказался широко использовать изобразительное искусство в целях пропаганды религиозных идей. Более того, в т. н. достоверных хадисах, узаконенных в 9 в., содержится запрещение изображать живые существа и особенно человека. Богословы 11-13 вв. (Газали и др.) эти изображения объявили тягчайшим грехом. Тем не менее, художники на протяжении всего средневековья изображали людей и животных, реальные и мифологические сцены. В первые века ислама, пока богословие ещё не выработало свои эстетические каноны, обилие реалистических по трактовке живописных и скульптурных изображений во дворцах Омейядов свидетельствовало о силе домусульманских художественных традиций. В дальнейшем изобразительность в арабском искусстве объясняется наличием антиклерикальных по своему существу эстетических воззрений. Например, в «Посланиях братьев чистоты» (10 в.) искусство художников определено «как подражание образам существующих предметов, как искусственных, так и естественных, как людей, так и животных».

Мечеть в Дамаске. 8 в. Интерьер. Сирийская Арабская Республика.

Мавзолеи на кладбище Мамлюков близ Каира. 15 - нач. 16 вв. Объединённая Арабская Республика.

Живопись.Высокий расцвет пережило изобразительное искусство в Египте 10-12 вв.: изображения людей и жанровые сцены украшали стены зданий г. Фустата, керамические блюда и вазы (мастер Саад и др.), вплетались в узор резьбы по кости и дереву (панно 11 в. из дворца Фатимидов в Каире и др.), а также льняных и шёлковых тканей; изготовлялись бронзовые сосуды в виде фигур животных и птиц. Аналогичные явления имели место в искусстве Сирии и Месопотамии 10-14 вв.: придворные и другие сцены включены в изысканный чеканный с инкрустацией орнамент изделий из бронзы, в узор росписей по стеклу и керамике.

Изобразительное начало было менее развито в искусстве стран арабского Запада. Однако и здесь создавались декоративная скульптура в виде животных, узоры с мотивами живых существ, а также миниатюра (рукопись «История Байяд и Рийяд», 13 в., Ватиканская библиотека). Арабское искусство в целом было ярким, самобытным явлением в истории мировой художественной культуры эпохи средневековья. Его влияние распространялось на весь мусульманский мир и выходило далеко за его пределы.

  • 5. Восприятие произведений искусства. Анализ произведений искусства. Значение искусства в жизни человека. Крупнейшие художественные музеи.
  • 6.Краткий обзор методов преподавания изобразительного искусства.Обучение рисованию в древности и в эпоху средневековья. Вклад художников Возрождения в методику преподавания изобразительного искусства.
  • 7. Обучение рисованию в учебных заведениях России в 18-19 веках.
  • 8. Совершенствование методов преподавания рисования в советской школе. Передовой педагогический опыт художников-педагогов и его роль в художественном воспитании детей.
  • 11. Художественное воспитание школьников. Цель, задачи, требования к преподаванию изобразительного искусства в начальных классах.
  • 12.Сравнительный анализ программ по изобразительному искусству (авторы в.С. Кузин, б.М. Неменский, б.П. Юсов и др.), структура и основные разделы программы. Виды, содержание программ, тематизм.
  • 14. Принципы планирования занятий. Календарное тематическое, иллюстрированное планирование по изобразительному искусству в 1-4 классах
  • 15. Особенности планирования уроков изобразительного искусства в 1 классе.
  • 16. Планирование уроков изобразительного искусства во 2-ом классе.
  • 17. Планирование урока изобразительного искусства в 3 классе
  • 1. Объясните значение слова.
  • 2. Кроссворд “Угадай ключевое слово”.
  • 1. Игра-пантомима “Живые скульптуры”.
  • 2. Игра «Лучший экскурсовод».
  • 22. Виды и содержание внеклассной работы по изобразительному искусству. Организация работы факультативов по изобразительному искусству. Планирование занятий в кружке по изобразительному искусству.
  • 1. Виды и содержание внеклассной работы по изобразительному искусству.
  • 2. Организация работы факультативов по изобразительному искусству.
  • 3. Планирование занятий в кружке по изобразительному искусству.
  • 23. Диагностика индивидуальных психологических особенностей учащихся. Методика проведения изо – тестов и контрольных заданий.
  • 24. Развитие творческих способностей учащихся 1-4 классов. Дифференциация и индивидуализация обучения изобразительному искусству.
  • 25.Оборудование занятий по изобразительному искусству. Художественные техники и материалы, применяемые на уроках изобразительного искусства в начальных классах
  • 26. Психологические и возрастные особенности детского рисунка. Анализ и критерии оценки детских, учебных и творческих работ»
  • 27. Педагогический рисунок на уроках изобразительного искусства в 1 – 4 классах. "Альбом учителя".Технологии педагогического рисования. Методика педагогического рисования.
  • 28. Демонстрации, выполняемые учителем на уроках художественного труда. Методика показа.
  • 30. Термины и понятия по изобразительному искусству. Методика обучения учащихся 1-4 классов в системе терминов и понятий по изобразительному искусству на уроках и во внеклассной работе.
  • 4. Архитектура как вид искусства

    Архитектура – один из древнейших видов искусства, выражающий в культовых и общественных сооружениях мировоззрение народа в конкретную историческую эпоху, определенный художественный стиль.АРХИТЕКТУРА (лат. architecture, отгреч.аrchitecton - строитель), зодчество – здания, другие сооружения или их комплексы, образующие материальную, художественно организованную среду жизнедеятельности человека.Также – искусство формировать эту пространственную среду, создавая новую реальность, обладающую функциональным значением, приносящую человеку пользу и доставляющую эстетическое наслаждение. Термин охватывает дизайн внешнего вида сооружения; организацию внутреннего пространства; выбор материалов для наружного и внутреннего применения, проектирование системы естественного и искусственного освещения, а также систем инженерного обеспечения; электро- и водоснабжение; декоративное оформление.Каждое из сооружений имеет определённое назначение: для жизни или труда, отдыха или учёбы, торговли или транспорта. Все они прочны, удобны и необходимы людям – это их обязательные свойства.

    Виды архитектуры

    Различают три основных вида архитектуры:

    Архитектура объёмных сооружений.Она включает культовые и крепостные постройки, жилые дома, общественные здания (школы, театры, стадионы, магазины и др.), промышленные сооружения (заводы, фабрики и др.);

    Ландшафтная архитектура, связанная с организацией садово-паркового пространства (скверы, бульвары и парки с «малой» архитектурой – беседками, фонтанами, мостиками, лестницами)

    Градостроительство, охватывающее строительство новых городов и посёлков и реконструкцию старых городских районов.

    Стили архитектуры

    Архитектура тесно связана с жизнью общества, её взглядами и идеологией.В основе древнегреческой архитектуры лежит идея совершенного, физически и духовно развитого человека. Античные архитекторы все свои здания строили согласно пропорциям человеческого тела, воплощающего гармонию, противостояние стихии природы, величественную ясность и человечность«Стиль эпохи» (романский стиль, готика, и т.д.) возникает преимущественно в те исторические периоды, когда восприятие произведений искусства отличается сравнительной негибкостью, когда оно ещё легко приспосабливается к перемене стиля.

    Великие стили – романский, готика, ренессанс, барокко, классицизм, ампир /вариация позднего классицизма/ - обычно признаются равноправными и равнозначными.Развитие стилей ассиметрично, что внешне выражается в том, что каждый стиль постепенно изменяется от простого к сложному; однако от сложного к простому он возвращается только в результате скачка. Поэтому смены стилей происходят различно: медленно - от простого к сложному, и резко – от сложного к простому.Романский стиль сменяется готическим в течении более ста лет – от середины ХІІ в. до середины ХІІІ в. простые формы романской архитектуры постепенно переходят в усложнённый готический стиль.В пределах готики затем зреет ренессанс.С возникновением ренессанса снова наступил период идеологических исканий, появления цельной системы мировоззрения. И вместе с тем опять начинается процесс постепенного усложнения и распада простого: ренессанс усложняется, и за ним является барокко. Барокко, в свою очередь, усложняясь, переходит в некоторых видах искусства (архитектура, живопись, прикладное искусство) в рококо. Затем снова происходит возвращение к простому, и в результате скачка на смену барокко приходит классицизм, развитие которого в некоторых странах заменил ампир.

    Причины смены пар стилей в следующем: действительность не выбирает стиль среди существующих, а создает стиль новый и преобразовывает старый. Стиль созданный – первичный стиль, а преобразованный – вторичный.

    Архитектура родного края

    Архитектура Гродненской области

    Борисоглебская (Коложская) церковь, памятник древнерусскойархитектурывторой половиныХІІ в.

    Мирский замок, включенный в Список ЮНЕСКО, Лидский замок (XIV–XV вв.)

    Архитектура Минской области

    Архикафедральный костёл Пресвятой Девы Марии (вторая половина XVII–началоXVIIIвв.)

    Костёл Святых Симеона и Елены (Красный костёл) - памятник архитектуры неоготики с чертами модерна (1908 – 1910 гг.)

    Несвижский дворцово-парковый комплекс (XVII–XVIIIв.)

    Костёл бернардинцев в д. Будслав Мядельского района, памятник архитектуры барокко (XVIIIв.)

    Архитектура Витебской области

    Софийский собор, памятник архитектуры XI –XVIIIвв.

    Спасо-Евфросиньевская церковь, памятник древнерусской архитектуры (1152 – 1161 гг.). На ее стенах и колоннах сохранились уникальные фрески.

    Литература:

    1. Герчук Ю.Л. Основы художественной грамоты. –М., 1998

    2. Данилов В.Н. Методика преподавания изобразительного искусства и художественного труда. Мн., 2004

    3. Кастерин Н.П. учебное рисование. –М.: Просвещение, 1996

    4. Лазука Б. Слоўнік тэрмінаў па архітэктуры, выяўленчаму дэкаратыўна-прыкладному мастацтву. – Мн., 2001

    5. Неменский Б.М. Педагогика искусства. –М.: Просвещение, 2007

    Архитектура, дизайн, декоративно-прикладное искусство относятся к утилитарно художественным видам творчества. Т.е они решают утилитарные задачи – передвижения, организации быта, города, жилища, разных видов жизнедеятельности человека и общества. В отличии от художественного творчества (изобразительное искусство, литература, театр, кино, поэзия, скульптура) которые создают только духовные, культурные и эстетические ценности не имеющие утилитарного значения.

    Дизайн отличается от декоративно-прикладного искусства технологическим массовым изготовлением в отличии от ремесленного в дек. прикладном искусстве. Архитектура и дизайн будучи родственными понятиями отличаются только пространственным масштабом; город, микрорайон, комплекс, здание в архитектуре и среды улицы интерьер, промышленный дизайн, арт. дизайн в «дизайне», но например интерьер и благоустройство является предметом и архитектуры и дизайна.

    Дизайн и архитектура – утилитарно-художественная деятельность по созданию предметно-пространственной среды. Архитектура – более древнее понятие, дизайн более современное, однако различие между ними минимальные, часто не различимые.

    Дизайнер формирует - ландшафт, площадь, элемент городской среды- киоск, фонтан, остановка, светильник часы, вестибюль/, комната, мебель, офис, интерьер.

    Пространства интерьера формирует архитектор, а насыщение дизайнер часто один или другой делает все, в этом практически проявляется близость, а часто неразличимость профессии арх. и дизайнера.

    Архитектура и дизайн относятся к выразительным искусствам, которые непосредственно не отражают действительность, а ее создают. В отличие от изобразительных искусств (живопись, графика, литература, театр, скульптура) художественным способом отражающие материальную и духовную действительность.

    Лекция 1. Методология проектирования

    1. Отношение между социально-мирровоззренческим состоянием общества и дизайном.

    Современная практика « новой эклектики»

    2. Творческий метод - профессиональный метод - «индивидуальная манера».

    Взаимодействие методов на разных этапах творчества.

    Взаимодействие метода и этапов профессиональной деятельности

    Примеры разные

    3. Субъективное и объективное в творческом процессе.

    1. Любая деятельность и в большей степени творческая как дизайн связана и своими средствами отражает социальную организацию общества, культурное развития, эстетические идеалы……. Отражает Египет полное обожествлентие предметного мира и архитектуры, Средние века, Возражение, Классицизм, Конструктивизм. В 20 веке мы пережили крах историзма, рождение модернизма и конструктивизма в искусстве архитектуре и дизайне. Отказ от традиционных форм композиций деталей, принцип свободной планировки воспринимался как революция и как будто отразившая социальную революцию но на западе не было революции, а родилось родственное движение получившее названия современное движение между ними была реальная связь (Группа Стиль Голландия и лидера конструктивизма в России). Однако эта революция была подготовлена и новыми технологиями и материалами (ж.б) фермы балки и новыми художественными течениями –кубизм, футуризм, экспрессионализм, но и социальными потрясениями (революции, 1 мировая война), новыми философскими течениями(социализм. Коммунизм, национал социализм –фашизм)…………., кризис буржуазной морали. Много говорили о правдивости в противовес буржуазному декораторству и декоративизму. Изменения предметной и пространственной среды было подготовлено и развитием философской и научной мысли и новым художественным абстрактным течениям и развитием техники, но и социальным потрясениям придавшим некий идеологический пафос и сформировашим и развившим жизнестроительный принцип –говоривший что можно изменить действительность исходя из художественных и пространственных идей и концепций уже сформировавшимся идеям современного движения и конструктивизма

    Модерн как модное течение новой буржуазии и купечества (особняк Морозова).

    Напротив Дома коммуны, идея соц. города, обобществления быта как проявления в предметном мире идей социализма. Утопическая идея о том что изменив среду обитания можно изменить и самого человека.

    Конечно предметный мир среда и архитектура отражает своими средствами экономическую систему и уровень развития и общества и идеологию и систему ценностей господствующую в обществе, но эта зависимость не прямая а сложная, часто идеи искусства для искусства приспосабливаются переосмысляются к объективным реалиям.


    Архитектура и инженерно-строительное дело, украшение интерьера и организация ландшафта заняли в ренессансной культуре видающееся место. Меняются приемы строительства, планировка и убранство жилищ.
    В простых домах за счет внутренних перегородок увеличивается число комнат. В городах и в родовых усадьбах сооружаются целые дворцы в ренессансном стиле. Развитие абсолютистского режима было неразрывно связано с сооружением замков-резиденций короля и одновременно фортификационных объектов. Распространение ренессансных идей в архитектуре повлекло разработку проектов «идеальных» зданий и целых поселений. Появляются привозные, переводные, местные трактаты по архитектуре и строительству. Из-за границы, главным образом из Нидерландов, выписываются выдающиеся мастера разных специальностей: Адриан де Фриес, Ханс ван Стеенвинкель Старший (ок.1550-1601) и его сыновья - Лоренс, Ханс, Мортенс, а также Ханс ван Оберберк и др. Скандинавы заимствовали образцы архитектурного стиля из Германии, Нидерландов, Италии, Франции. Датская ренессансная архитектура с ее краснокирпичным колоритом, массивными прямоугольными зданиями и ненавязчивым декором обычно ориентировалась на северогерманское зодчество.
    Наивысшего взлета строительство в Дании достигло за 60-летнее правление Кристиана IV, особенно до 1617 г. Оно шло одновременно в разных направлениях. Строились целые города с новой планировкой и регулярной застройкой-геометрической или радиальной формы. Всего по инициативе короля появилось 14 новых городов - в Сконе, Зеландии, Южной Ютландии, Норвегии.
    347

    Возводились могучие крепости: Фредериксборг в Хиллереде (1602- 1625), Кронборг в Хельсингере и др., которые включали замок, служебные помещения, склады и казармы, были окружены валами, рвами и бастионами. Король сам хорошо разбирался в зодчестве и контролировал возведение сооружений. Планомерная застройка в XVII в. совершенно изменила облик Копенгагена и значительно расширила его размеры. Были выстроены или заложены при Кристиане IV дворец, военный порт, ренессансная Биржа (1619-1625). Архитекторы Л. и X. ван Стеенвинкель получили задание построить ее как «храм новой экономической политики». В результате строительного энтузиазма Копенгаген превратился в XVII в. в одну из красивейших столиц Европы. Здесь соседствуют разные стилистические линии: готика, маньеризм, нарождающееся барокко.
    В Швеции этот период также отмечен переделкой старых и возведением новых зданий. В ренессансном стиле возводятся замки Грипсхольма, Вадстены и Упсалы, дворцы, ратуши и частные дома в городах. Церковное строительство, напротив, претерпевает спад.
    Постройкам того времени соответствовало богатое убранство интерьеров, более пышное в Швеции, более сдержанное в Дании: сундуки-скамьи, секретеры, шкафы. Деревянная мебель и панели покрывались сложнейшей сюжетной живописью или резьбой на библейские и светские сюжеты, уставлялись изделиями из дорогих камней и металлов, фаянса, дерева. Стены увешивались оригинальными светскими шпалерами, массой портретов, картинами. В залах, дворах и садах появляются скульптуры, нередко целые группы, обычно в антично-мифологическом духе. Сложилась особая мода на расписные и фигурные печные изразцы, а также печи из железа и чугуна, с литой резьбой.
    К инженерно-строительным новшествам того времени можно отнести водопровод: в замках и дворцах появились трубы с кранами, сложные фонтаны. Украшением дворцов и замков занимались как отдельные мастера, так и целые мастерские. Сочетание западноевропейского влияния, особенно из Нидерландов и Германии, и местных традиций образовало неповторимые по стилю образцы.
    В этот период искусство имело прежде всего прикладной характер. Как важная часть интерьера оно служило для выражения и закрепления престижа. Отсюда, например, - необыкновенное распространение в то время пышных эпитафий, парадных портретов (скульптурных и живописных), аллегорических изображений.
    Самым импозантным и престижным видом искусства была скульптура, расцвет которой произошел позднее, с утверждением барокко. Большинство скульпторов были иностранцами, выполнявшими преимущественно заказы короля. «Королевский строитель» Ханс Стеенвинкель руководил созданием ряда скульптурных ком-
    348
    позиций для фонтанов. По заказу Кристиана IV в Амстердаме делал скульптуры Хендрик де Кейзер. Знаменитый фонтан «Нептун» во Фредериксборге изготовил голландец Адриан де Фриес (1546- 1626).
    Большое распространение получили барельефы, преимущественно надгробные, но также декоративные.
    Интерес к изображению человека, в частности к семейным портретам, стал и одной из особенностей живописи этого периода. Нередко портреты делались все еще по старым образцам: статично, условно, без психологической характеристики. Вошедшие в моду парадные изображения государей и членов их семей - торжественные, с символами власти - с XVII в. были выдержаны чаще всего в манере классицизма. Период характеризует также и обилие портретов городских патрициев и ученых; все они демонстрируют черные одеяния и знаки своих занятий. Пожалуй, самый ранний портрет ученого-бюргера - изображение гуманиста Веделя (1578). Выразителен портрет семьи родмана из Фленсборга (1591), где вокруг распятия стоят он сам, две его жены и 14 детей. Сам родман, одна из жен и четверо детей, как уже покойные, отмечены крестом над головой. В такой же манере сделаны и некоторые другие семейные портреты-эпитафии бюргеров. Соединение мертвых и живых, несомненно, отражает представления того времени о единстве жизни и смерти, о неразрывной связи двух миров. Авторы названных портретов неизвестны, анонимно выполнено вообще большинство портретов бюргеров и провинциального дворянства Напротив, королевское семейство и знать прибегали к услугам известных мастеров. Примерно 200 портретов царственных и знатных особ написал голландец Якоб ван Доордт, множество - голландец Иост Верхейден.
    Постепенно в Дании складывается новый тип художника - образованного и культурного человека, достаточно богатого и близкого к ученым-гуманистам, нередко потомственного художника и коллекционера. Таким был, в частности, плодовитый портретист, голландец Карел ван Мандер, автопортрет которого с женой и тещей - редкое для того времени изображение художника-интеллигента. Примерно такой же была художническая семья Исаакз, которая внесла заметный вклад в культуру датского Ренессанса; ее основатель - потомок эмигранта из Амстердама, торговец произведениями искусства, а один из внуков-гуманист и историк Иоганн Понтанус. Среди художников были особые специалисты по историческим полотнам, по церковной живописи и т.д., но большинство имело широкую специализацию.
    Важным видом декоративного искусства были тогда гобелены, как привозные, так и местные, эскизы для которых делали видные
    349

    художники, а изготовление осуществлялось в заграничных или датских дворцовых мастерских.
    В тогдашнем декоре, как уже отмечалось, заметное место занимала резьба по дереву, традиционная и развитая в Скандинавии. В церквах украшались резьбой алтари, где изображались сцены из Библии, а также сюжеты классических авторов, характерные для датского Ренессанса. Резьбой с готическим и ренессансным орнаментом со светскими сюжетами украшалась мебель в жилищах. В Норвегии и Финляндии больших успехов достигла народная деревянная резьба, украшавшая провинциальные постройки и бытовые предметы.

    Многообразие видов искусства позволяет эстетически осваивать мир во всей его сложности и богатстве. Нет главных и второстепенных искусств, но каждый вид обладает своими сильными и слабыми сторонами в сравнении с другими искусствами.

    Архитектура. Когда человек научился изготавливать орудия труда, его жильем стала уже не нора или гнездо, а целесообразная постройка, постепенно обретавшая эстетический вид. Строительство стало архитектурой.

    Архитектура - формирование действительности по законам красоты при создании зданий и сооружений, призванных обслуживать потребности человека в жилье и общественных помещениях. Архитектура создает замкнутый утилитарно-художественный освоенный мир, отграниченный от природы, противостоящий стихийной среде и позволяющий людям использовать очеловеченное пространство в соответствии с их материальными и духовными потребностями. Архитектурный образ выражает назначение здания и художественную концепцию мира и личности, представление человека о себе самом и о сути своей эпохи.

    Архитектура - искусство и здания обладают определенным стилем. Ломоносов, определяя особенности зодчества, писал, что архитектурное искусство «воздвигнет здания, к обитанию удобныя, для зрения прекрасныя, для долговременности твердыя». Благодаря архитектуре возникает составная часть «второй природы» - материальная среда, которая создана трудом человека и в которой протекает его жизнь и деятельность.

    Формы архитектуры обусловлены: 1) природно (зависят от географических и климатических условий, от характера ландшафта, интенсивности солнечного света, сейсмической безопасности); 2) социально (зависят от характера общественного строя, эстетических идеалов, утилитарных и художественных потребностей общества; архитектура теснее других искусств связана с развитием производительных сил, с развитием техники).

    Прикладное искусство. Один из древнейших и поныне развивающихся видов художественного творчества - прикладное искусство. Оно осуществляется в предметах быта, созданных по законам красоты. Прикладное искусство - это вещи, окружающие и обслуживающие нас, создающие наш быт и уют, вещи, сделанные не только как полезные, но и как прекрасные, имеющие стиль и художественный образ, который выражает их назначение и несет обобщенную информацию о типе жизни, об эпохе, о миросозерцании народа. Эстетическое воздействие прикладного искусства ежедневно, ежечасно, ежеминутно. Произведения прикладного искусства могут подниматься до вершин искусства.

    Прикладное искусство национально по самой своей природе, оно рождается из обычаев, привычек, верований народа и непосредственно приближено к его производственной деятельности и быту. Вершина прикладного искусства - ювелирное дело, сохраняющее свое самостоятельное значение и развивающееся и сегодня.

    Декоративное искусство. Декоративное искусство - эстетическое освоение среды, окружающей человека, художественное оформление созданной человеком «второй природы»: зданий, сооружений, помещений, площадей, улиц, дорог. Это искусство вторгается в повседневную жизнь, создавая красоту и удобства внутри и около жилых и общественных помещений. Произведениями декоративного искусства могут быть дверная ручка и ограда, оконное стекло в витраже и светильник, вступающие в синтез с архитектурой.

    Декоративное искусство вбирает в себя достижения других искусств, особенно живописи и скульптуры. Живопись вначале существовала в виде наскальной и настенной и лишь потом сформировалась как станковая. Монументальная живопись на стене - фреска (название произошло от ее техники: «аль фреско» - роспись красками по сырой штукатурке) - жанр декоративного искусства.

    Архитектура и скульптура Древней Греции

    Города античного мира обычно появлялись возле высокой скалы, на ней же возводилась цитадель, чтобы было где укрыться если враг проникнет в город. Такая цитадель называлась акрополем. Точно так же на скале, которая почти на 150 метров возвышалась над Афинами и издавна служила естественным оборонительным сооружением, постепенно образовался верхний город в виде крепости (акрополя) с различными оборонительными, общественными и культовыми сооружениями.
    Афинский Акрополь начал застраиваться еще во II тысячелетии до н.э. Во время греко-персидских войн (480-479 годы до н.э.) он был полностью разрушен, позднее под руководством скульптора и архитектора Фидия началось его восстановление и реконструкция.
    Акрополь относится к таким местам, «о которых все твердят, что они великолепны, неповторимы. Но не спрашивайте почему. Никто вам не сможет ответить...». Его можно измерить, можно пересчитать даже все его камни. Не такой уж большой труд пройти его из конца в конец - на это уйдет всего несколько минут. Стены Акрополя круты и обрывисты. Четыре великих творения стоят и поныне на этом холме со скалистыми склонами. Широкая зигзагообразная дорога идет от подножия холма к единственному входу. Это Пропилеи - монументальные ворота с колоннами в дорическом стиле и широкой лестницей. Их соорудил архитектор Мнесикл в 437-432 годах до н.э. Но прежде чем войти в эти величественные мраморные ворота, каждый невольно оборачивался вправо. Там, на высоком пьедестале бастиона, некогда охранявшего вход в акрополь, высится храм богини победы Ники Аптерос, украшенный ионическими колоннами. Это дело рук архитектора Калликрата (вторая половина V веке до н.э.). Храм - легкий, воздушный, необычайно прекрасный - выделялся своей белизной на синем фоне неба. Это хрупкое, похожее на изящную мраморную игрушку здание как будто улыбается само и заставляет ласково улыбнуться прохожих.
    Непоседливые, пылкие и деятельные боги Греции походили на самих греков. Правда, они были выше ростом, умели летать по воздуху, принимать любой облик, превращаться в животных и растения. Но во всем остальном вели себя, как обыкновенные люди: женились, обманывали друг друга, ссорились, мирились, наказывали детей...

    Храм Деметры, строители неизвестны, VIв. до н.э. Олимпия

    Храм Ники Аптерос, зодчий Калликрат, 449-421 до н.э. Афины

    Пропилеи, зодчий Мнезикл, 437-432 до н.э. Афины

    Богиня победы Ника изображалась прекрасной женщиной с большими крыльями: победа непостоянна и перелетает от одного противника к другому. Афиняне изобразили ее бескрылой, чтобы она не покинула город, одержавший так недавно великую победу над персами. Лишенная крыльев богиня не могла больше летать и навсегда должна была остаться в Афинах.
    Храм Ники стоит на выступе скалы. Он чуть повернут в сторону Пропилеи и играет роль маяка для процессий, огибающих скалу.
    Сразу же за Пропилеями гордо возвышалась Афина Воительница, копье которой приветствовало путника издалека и служило маяком для мореплавателей. Надпись на каменном пьедестале гласила: «Афиняне посвятили от победы над персами». Это означало, что статуя была отлита из бронзового оружия, отнятого у персов в результате одержанных побед.
    На Акрополе находился и храмовый ансамбль Эрехтейон, который (по замыслу его создателей) должен был связать воедино несколько святилищ, располагавшихся на разных уровнях, - скала здесь очень неровная. Северный портик Эрехтейона вел в святилище Афины, где хранилась деревянная статуя богини, якобы упавшая с неба. Дверь из святилища открывалась в маленький дворик, где росло единственное на всем Акрополе священное оливковое дерево, которое поднялось, когда Афина дотронулась в этом месте до скалы своим мечом. Через восточный портик можно было попасть в святилище Посейдона, где он, ударив по скале своим трезубцем, оставил три борозды с журчащей водой. Здесь же находилось святилище Эрехтея, почитаемого наравне с Посейдоном.
    Центральная часть храма - прямоугольное помещение (24,1х13,1 метров). В храме также находились могила и святилище первого легендарного царя Аттики Кекропа. На южной стороне Эрехтейона - прославленный портик кариатид: у края стены шесть высеченных из мрамора девушек поддерживают перекрытие. Некоторые ученые предполагают, что портик служил трибуной почтенным гражданам или что здесь собирались жрецы для религиозных церемоний. Но точное предназначение портика до сих пор неясно, ведь «портик» означает преддверие, а в данном случае портик не имел дверей и отсюда нельзя попасть внутрь храма. Фигуры портика кариатид - это по сути опоры, заменяющие столб или колонну, они же прекрасно передают легкость и гибкость девичьих фигур. Турки, захватившие в свое время Афины и не допускавшие по своим мусульманским убеждениям изображений человека, уничтожать эти статуи, однако, не стали. Они ограничились лишь тем, что стесали лица девушек.

    Эрехтейон, строители неизвестны, 421-407 до н.э. Афины

    Парфенон, зодчие Иктин, Калликрат, 447-432 до н.э. Афины

    В 1803 году лорд Эльджин, английский посол в Константинополе и коллекционер, пользуясь разрешением турецкого султана, выломал в храме одну из кариатид и увез в Англию, где предложил ее Британскому музею. Слишком широко трактуя фирман турецкого султана, он увез с собой также многие скульптуры Фидия и продал их за 35 000 фунтов стерлингов. Фирман гласил, что «никто не должен препятствовать увезти ему несколько камней с надписями или фигурами с Акрополя». Эльджин заполнил такими «камнями» 201 ящик. Как он сам заявил, он взял только те скульптуры, которые уже упали или которым грозило падение, якобы для того, чтобы спасти их от окончательного разрушения. Но еще Байрон назвал его вором. Позднее (при реставрации портика кариатид в 1845-1847 годах) Британский музей прислал в Афины гипсовый слепок статуи, увезенной лордом Эльджином. Впоследствии слепок заменили более прочной копией из искусственного камня, изготовленной в Англии.
    В конце прошлого века греческое правительство потребовало от Англии вернуть принадлежащие ей сокровища, но получило ответ, что лондонский климат для них более благоприятен.
    В начале нашего тысячелетия, когда при разделе Римской империи Греция отошла к Византии, Эрехтейон превратили в христианский храм. Позднее крестоносцы, завладевшие Афинами, сделали храм герцогским дворцом, а при турецком завоевании Афин в 1458 году в Эрехтейоне устроили гарем коменданта крепости. Во время освободительной войны 1821-1827 годах греки и турки поочередно осаждали Акрополь, бомбардируя его сооружения, в том числе и Эрехтейон.
    В 1830 году (после провозглашения независимости Греции) на месте Эрехтейона можно было обнаружить лишь фундаменты, а также архитектурные украшения, валявшиеся на земле. Средства на восстановление этого храмового ансамбля (как и на восстановление многих других сооружений Акрополя) дал Генрих Шлиман. Его ближайший сподвижник В.Дерпфельд тщательно измерил и сравнил античные фрагменты, к концу 70-х годов прошлого века он уже планировал восстановить Эрехтейон. Но эта реконструкция была подвергнута строгой критике, и храм был разобран. Здание было восстановлено заново под руководством известного греческого ученого П.Кавадиаса в 1906 году и окончательно отреставрировано в 1922 году.

    "Венера Милосская" Агессандр(?), 120 до н.э. Лувр, Париж

    "Лаокоон" Агессандр, Полидор, Афинодор, ок.40 до н.э. Греция, Олимпия

    "Геракл Фарнезский" ок. 200 до н. э., Нац. музей, Неаполь

    "Раненая амазонка" Поликлет, 440 до н.э. Нац. музей Рим

    Парфенон - храм богини Афины - самое большое сооружение на Акрополе и самое прекрасное создание греческой архитектуры. Он стоит не в центре площади, а несколько сбоку, так что можно сразу охватить взглядом передний и боковой фасады, понять красоту храма в целом. Древние греки верили, что храм с основной культовой статуей в центре представляет собой как бы дом божества. Парфенон - храм Афины-Девы (Парфенос), и потому в центре его находилась хрисоэлефантинная (выполненная из слоновой кости и золотых пластин на деревянной основе) статуя богини.
    Парфенон воздвигли в 447-432 годах до н.э. архитекторы Иктин и Калликрат из пентелийского мрамора. Он размещался на четырехступенчатой террасе, размер его основания равен 69,5х30,9 метра. С четырех сторон Парфенон окружают стройные колоннады, между их беломраморными стволами видны просветы голубого неба. Весь пронизанный светом, он кажется воздушным и легким. На белых колоннах нет ярких рисунков, как это встречается в египетских храмах. Только продольные желобки (каннелюры) покрывают их сверху донизу, от чего храм кажется выше и еще стройнее. Своей стройностью и легкостью колонны обязаны тому, что они чуть-чуть сужаются кверху. В средней части ствола, совсем не заметно для глаз, они утолщаются и кажутся от этого упругими, прочнее выдерживающими тяжесть каменных блоков. Иктин и Калликрат, продумав каждую мельчайшую деталь, создали здание, поражающее удивительной соразмерностью, предельной простотой и чистотой всех линий. Поставленный на верхней площадке Акрополя, на высоте около 150 метров над уровнем моря, Парфенон был виден не только из любой точки города, но и с подплывавших к Афинам многочисленных судов. Храм представлял собой дорический периметр, окруженный колоннадой из 46 колонн.

    "Афродита и Пан" 100 до н.э., Дельфы, Греция

    "Диана-охотница" Леохар, ок.340 до н.э., Лувр, Париж, Франция

    "Отдыхающий Гермес" Лисипп, IVв. до н. э., Нацональный музей, Неаполь

    "Геракл, борющийся со львом" Лисипп, ок. 330 до н.э. Эрмитаж, Санкт-Петербург

    "Атлант Фарнезский" ок.200 до н.э., Нац. музей, Неаполь

    В скульптурном оформлении Парфенона участвовали самые известные мастера. Художественным руководителем строительства и оформления Парфенона был Фидий, один из величайших скульпторов всех времен. Ему принадлежит общая композиция и разработка всего скульптурного декора, часть которого он выполнил сам. Организационной стороной строительства занимался Перикл - крупнейший государственный деятель Афин.
    Все скульптурное оформление Парфенона было призвано прославить богиню Афину и ее город - Афины. Тема восточного фронтона - рождение любимой дочери Зевса. На западном фронтоне мастер изобразил сцену спора Афины с Посейдоном за господство над Аттикой. Согласно мифу, в споре победила Афина, подарившая жителям этой страны оливковое дерево.
    На фронтонах Парфенона собрались боги Греции: громовержец Зевс, могучий властитель морей Посейдон, мудрая воительница Афина, крылатая Ника. Завершал скульптурный декор Парфенона фриз, на котором была представлена торжественная процессия во время праздника Великих Панафиней. Этот фриз считается одной из вершин классического искусства. При всем композиционном единстве он поражал своим разнообразием. Из более чем 500 фигур юношей, старцев, девушек, пеших и конных ни одна не повторяла другую, движения людей и животных были переданы с удивительным динамизмом.
    Фигуры скульптурного греческого рельефа не плоские, у них есть объем и форма человеческого тела. От статуй они отличаются только тем, что обработаны не со всех сторон, а как бы сливаются с фоном, образуемым плоской поверхностью камня. Легкая расцветка оживляла мрамор Парфенона. Красный фон подчеркивал белизну фигур, четко выделялись синевой узкие вер­тикальные выступы, отделявшие одну плиту фриза от другой, ярко сияла позолота. Позади колонн, на мраморной ленте, опоясывающей все четыре фасада здания, была изображена праздничная процессия. Здесь почти нет богов, а люди, навек запечатленные в камне, двигались по двум длинным сторонам здания и соединялись на восточном фасаде, где происходила торжественная церемония вручения жрецу одеяния, сотканного афинскими девушками для богини. Каждая фигура характерна своей неповторимой красотой, а все вместе они точно отражают подлинную жизнь и обычаи древнего города.

    Действительно, раз в пять лет в один из жарких дней середины лета в Афинах происходило всенародное празднество в честь рождения богини Афины. Оно носило название Великих Панафиней. В нем принимали участие не только граждане Афинского государства, но и множество гостей. Празднество состояло из торжественной процессии (помпы), принесения гекатомбы (100 голов скота) и общей трапезы, спортивных, конных и музыкальных состязаний. Победитель получал особую, так называемую панафинейскую амфору, наполненную маслом, и венок из листьев священной маслины, растущей на Акрополе.

    Самым торжественным моментом праздника было всенародное шествие на Акрополь. Двигались всадники на конях, шли государственные мужи, воины в доспехах и молодые атлеты. В длинных белых одеждах шли жрецы и знатные люди, глашатаи громко славили богиню, музыканты радостными звуками наполняли еще прохладный утренний воздух. По зигзагообразной панафинейской дороге, вытоптанной тысячами людей, поднимались на высокий холм Акрополя жертвенные животные. Юноши и девушки везли за собой модель священного панафинейского корабля с прикрепленным к его мачте пеплосом (покрывалом). Легкий ветерок развевал яркую ткань желто-фиолетового одеяния, которое несли в дар богине Афине знатные девушки города. Целый год они ткали и вышивали его. Другие девушки высоко поднимали над головой священные сосуды для жертвоприношений. Постепенно шествие приближалось к Парфенону. Вход в храм был сделан не со стороны Пропилеи, а с другой, словно для того, чтобы каждый сначала обошел, осмотрел и оценил красоту всех частей прекрасного здания. В отличие от христианских храмов, древнегреческие не предназначались для богослужений внутри их, народ во время культовых действий оставался вне храма. В глубине храма, окруженная с трех сторон двухъярусными колоннадами, горделиво высилась знаменитая статуя девы Афины, созданная прославленным Фидием. Ее одежда, шлем и щит были сделаны из чистого сверкающего золота, а лицо и руки сияли белизной слоновой кости.

    О Парфеноне написано множество книжных томов, среди них есть монографии о каждой его скульптуре и о каждом шаге постепенного упадка с той поры, когда после декрета Феодосия I он стал христианским храмом. В XV веке турки сделали из него мечеть, а в XVII веке - пороховой склад. В окончательные руины его превратила турецко-венецианская война 1687 года, когда туда попал артиллерийский снаряд и за один миг сделал то, что не смогло сделать за 2000 лет всепожирающее время.

    АРХИТЕКТУРА - СКУЛЬПТУРА

    В. М. Фирсанов

    Кафедра архитектуры и градостроительства Российского университета дружбы народов,

    117198, Москва, ул.Миклухо-Маклая, б

    В последние годы работы Ле Корбюзье и ряд пионеров современной архитектуры: Марино ди Теана, Шавинье, Секель, Блок, Лардер и др. не раз высказывались за обновление архитектурных форм, за архитектуру -скульптуру путем придания им пластической выразительности. Повышение художественного уровня архитектурных работ возможно путем широкого использования макетов, организации исследовательских работ, привлечения архитекторов, художников и, в частности, скульпторов к разработке городской среды и создания новых ландшафтов или садов.

    Трем недюжинным личностям обязана жизнью идея архитектуры - скульптуры: уроженцу Вены, американскому архитектору Фридриху Кизлеру, мексиканскому художнику Матиасу Геритсу и французу Жаку Куэллю.

    В настоящее время коренное изменение системы образования архитекторов, обращение к ваятелям, и особенно к скульпторам, является подлинным средством повышения уровня архитектурной выразительности

    Как своего рода реакция на стремление к дематериализации архитектуры, выразившейся в сплошном остеклении зданий, сейчас явно обозначились поиски архитектуры замкнутых, глухих объемов. Если произведения Л. Мис ван дер Роэ из стали и стекла можно рассматривать как наиболее яркое проявление первой тенденции, то намечающийся возврат к первоосновам есть не что иное, как прямо противоположное ей явление.

    Архитектура - скульптура - вот новая ведущая идея. Правда, если сам термин и нов, то направление, которое он определяет, значительно старше. Можно считать, что к нему принадлежат жилые дома А.Гауди и его же сооружения в парке Гуэль (1898-1914) в Барселоне, относящиеся к началу XX столетия. К этому же направлению могут быть отнесены проекты немецких архитекторов 20-х годов, названных тогда «утопическими», которые можно сегодня увидеть в самом расцвете в произведениях, реализованных Матиасом Геритсом, Жаком Куэллем и Ээро Саариненом. Одновременно в 50-е годы появляются образцы архитектуры-скульптуры, о которых можно было бы уже говорить как о течении. В Мексике Матиас Геритс приступил к строительству Музея «Эль Эко» в 1952 году и в том же году для Международной ярмарки в Милане Лючино Бальдессари (Luciano Baldessari) он возводит динамичный павильон в форме бетонной ленты длиной 60 м, шириной 20 м и высотой 16 м. Наконец, в 1955 году Ле Корбюзье своей копеллой в Роншане вызывает сенсацию, доказывающую, что наступил новый этап развития архитектуры. Капелла в Роншане, по существу, одновременно и один из шедевров современной скульптуры, и один из шедевров современной архитектуры. Это - поэма в бетоне, которая также и произведение художника, ведет нас далеко за пределы того, что можно ожидать от сооружений А.Гауди. У последних, и особенно А.Гауди, удивительные находки структурных форм, однако идея скульптуры остается еще тесно связанной с идеей декора. В то время как в капелле в Роншане больше не существует декора, а рассматривается автономный объект, который можно назвать по своей прихоти скульптурой или архитектурой.

    Существует мнение, что нельзя синтезировать таким образом два очень различных произведения искусства, отличие которых заключается в бесполезности первой и функциональной целесообразности второй. Однако Аполлинэр (Apollinaire) в 1913 г. уже восставал против идеи, что архитектура при любых обстоятельствах должна быть полезной, напомнив очень своевременно и кстати, что триумфальная арка представляла функциональную целесообразность весьма относительно. Однако триумфальная арка классифицировалась в категории архитектуры, а не в категории скульптуры. Эйфелева башня также связана с историей архитектуры, а не с историей скульптуры. Однако строить башню 300-метровой высоты исключительно только для того, чтобы там разместить ресторан и увенчать ее телевизионными антеннами, представляется нам нелепым (экстравагантным).

    Поэтому на наш взгляд, Эйфелева башня гораздо ближе к некоторым современным скульптурам, чем к обычной архитектуре XIX и даже XX веков.

    Почему архитектура не могла бы быть бесполезной? Почему скульптура не могла бы быть полезной? И почему архитектура не может быть скульптурой или скульптурой -архитектурой?

    Наши современные виды искусства слишком специализированы. Микеланджело не задавался таким вопросом, когда возводил купол Святого Петра. И Ф.Л.Райт был глубоко прав, когда проявил удивительный дух сторонника расовой сегрегации, написав следующее по этому поводу: «(Микеланджело) думал, что архитектура также лишь форма скульптуры. Вот почему он создал самую большую статую, которую можно было задумать, начиная с архитектуры эпохи Ренессанса. Новый купол собора, которому он придал величие, был бы лишенным смысла или определенной ценности, если бы не напоминал собой тиару Папы».

    Ф. Л. Райт насмехался над архитектурой Микеланджело, поскольку в ней так мало «построенного», что ей грозит опасность тут же разрушиться. Это вынуждало вводить необходимые связи в конструкцию. Однако он упустил из виду то, что величие произведения Микеланджело как раз в этом и состоит и что это «огромное» сооружение удалось именно в силу технической «некомпетентности» Микеланджело. Архитектор, современник Микеланджело, несомненно не осмелился бы построить такой обширный купол Собора Святого Петра. Но Микеланджело как скульптор не колеблясь приступил к его созданию и ему удалось невозможное сделать возможным. А почему он не ввел в конструкцию купола связей? Ф. Л. Райт разве колебался вводить арматуру в свой бетон?

    Скульптор Николай Шеффер, который также, как и Микеланджело, не колеблясь занялся тем, что «его не касается», т. е. архитектурой, сказал несколько слов по этому поводу. Эти слова в известной мере проливают свет на то, что мы понимаем под скульптурой-архитектурой: «Когда я говорю - это скульптура, очевидно следует уточнить реальное содержание этого слова. Скульптура в сущности - искусство экстерьера: это монументальное искусство, которое адресовано скорее большинству, чем отдельным индивидуумам, что свидетельствует о том, что скульптура является прежде всего зрелищем».

    «Чем более пластичным (скульптурным) будет наше окружение, тем более возрастет его эффективность, и логичнее считать, что все, что строится и возводится человеком должно быть пластичным. Интеграция архитектуры и всего строительства в скульптуру является настоящим решением проблемы строительства, как в деталях, так и в целом».

    С этой идеей скульптора, в которой можно заподозрить желание завладеть архитектурой, извлекая выгоду для присущего ему искусства, корреспондируется аналогичное утверждение инженера и архитектора Поля Кониля: « Задуманные формы, живые, могли бы быть свободно применены: с помощью такой свободы, при которой можно было бы избежать излишеств, ибо между математическими формами и барочными формами, т.е. случайными, есть место для создания архитектуры, в которой функциональное пространство организуется не тонкой эпидермой, а оболочкой более свободной, эволюционное развитие которой следует по пути, где можно провести определенные параллели с произведениями скульптуры таких авторов, как Бранкузи, Арп или Моор».

    Эта идентичность скульптуры и архитектуры не только благое пожелание. Когда Лучано Балдессари построил свой павильон для Муждународной ярмарки в Милане, он сознавал свою ответственность за создание архитектуры - скульптуры: «Я думал о композиции, говорил он, которая была бы компромиссным решением, нечто среднее между архитектурой и скульптурой, и я отказался идти по пути классического “прямого угла”», предпочитая поиск динамических форм, выражаемых параболами, гиперболами и конхоидами (имеющих форму раковины), которые смягчают “грубую внешность” материалов».

    Для Матиаса Геритса это было благим пожеланием, когда он в 1952 году экспонировал полуабстрактную скульптуру в галерее в Мехико, намереваясь превратить скульптуру в архитектуру. Но вот случилось так, что богатый мексиканец предложил ему восемь

    инженеров и сорок рабочих для осуществления его мечты в самом центре Мехико. Матиас Геритс построил тогда здание в виде скульптуры, т.е. без заранее разработанного проекта, порой просто представляющие собой очень высокие части поверхности стен, не имеющих никакого определенного назначения. Это здание, первоначально призванное стать экспериментальным музеем, затем служило школой, рестораном, кабаре и в конце концов -университетским театром. Такое разнообразное использование не раздосадовало Матиаса Геритса, а напротив, очаровало (привело в восторг), ибо это убеждало, что здание не следует обязательно задумывать для точного назначения, но быть скульптурой-оболочкой, в которой могут осуществляться многочисленные всевозможные функции.

    Матиас Геритс мог повторить тот же эскперимент и в 1957 году. Об этом свидетельствует текст каталога, посвященный его выставке скульптуры в Нью-Йорке, где выражено намерение соорудить монументальные скульптуры в пустыне, ему предложено воплотить эту идею в пустыне, недалеко от Мехико. С апреля по сентябрь 1957 г. Матиас Геритс руководил строительством пяти железобетонных столбов - трех белых, одного оранжевого и одного светло-желтого; самый высокий столб достигал 57 метров, самый низкий - 37 метров. Это исключительный пример «бесполезного» архитектурного сооружения, созданного впервые после Эйфелевой башни. Столбы представляют собой одновременно произведения скульптуры, архитектуры и живописи. Геритс рассчитывал включить сюда и музыку, предусмотрев места для размещения стальных треугольников с вставленными в вершинах углов трубками, из которых ветер извлекал бы звуки флейты. Аэровокзал Э. Сааринена в Международном аэропорту Нью-Йорка, собственные жилые дома в Кастелларас-ле-Неф, в Провансе, скульптура Жака Куэлля - жилище Андрэ Блока также имеют отношение к этому направлению, пробуждающему к жизни одновременно и скульптуру, и архитектуру.

    В 1924 году, в период расцвета направления, которое сам Фридрих Кизлер назвал «всеобщая панацея - тюрьма в виде куба», он запроектировал два сфероидальных дома, один из которых, «беспредельный дом», полон выразительных криволинейных архитектурных форм и неожиданностей. В связи с этим Ф.Кизлер заявил: «Архитектурное произведение не должно быть подобным скульптуре; оно само должно быть скульптурой».

    Именно поэтому к данному течению примкнул ряд современных скульпторов, таких, как Николай Шеффер, или пошедших по другому пути, - Жилиоли, Сзекели, Марино ди Теана, Алина Слезинская.

    Незадолго до своей смерти Андрэ Блок, инженер по профессии, основатель (1930г.) журнала, не видел другого пути развития архитектуры. Не он ли писал: « Если не считать работ нескольких сотен архитекторов, завоевавших всемирное признание, мы вынуждены согласиться с тем, что во всем мире произведения градостроителей и архитекторов производят впечатление безнадежной обыденности. Необходимо срочно исправлять положение. Мы располагаем вполне необходимыми для этого средствами: в нашем распоряжении не только огромные технические возможности, но и первоклассные художники. Большинство современных скульпторов занимается бесцельными опытами. Крайне важно, чтобы и они наряду с другими художниками приняли участие в формировании городской среды, в создании нового ландшафта, новых парков. Сейчас, если не касаться серьезной перестройки архитектурного образования, повысить художественный уровень архитектурных работ можно путем широкого использования макетов, организации исследовательских работ, привлечения художников и, в частности, скульпторов.

    Андрэ Блок в последние годы недвусмысленно высказывался за архитектуру -скульптуру, или за обновление архитектурных форм путем придания им пластической выразительности.

    Важная черта современной зарубежной архитектуры - взаимосвязь с другими искусствами и перенесением результатов формально-эстетических исканий живописи и скульптуры в архитектуру.

    Влияние скульптуры на современную зарубежную архитектуру проявляется в появлении «скульптурных» форм целых архитектурных объемов и их фрагментов, в новой

    взаимосвязи объема и пространства, а также в самих методах проектирования - работе с макетами и моделями.

    Многие архитекторы ищут новые пути создания выразительного архитектурного образа, обращаясь к символическим и полуизобразительным пластическим композициям, перенося в архитектуру приемы, характерные для скульптуры.

    Среди архитекторов, чье творчество связано с направлением так называемой архитектуры- скульптуры, видное место занимают Фридрик Кизлер, Матиас Геритс, Жак Куэлль, Иорн Утцон, Ээро Сааринен и др.

    ЛИТЕРАТУРА

    1. Жиль Нере. Микеланджело (1475-1564). - Париж: Taschen/Арт-Родник, 2001. -

    2. Маклакова Т.Г. Архитектура двадцатого века. - М.: Изд-во АСВ, 2000. - С.46-56.

    3. Michael Schuyt, Joost Elffers, George R. Collins. FANTASTIC ARCHITECTURE. -New-York, 1980. -C. 36-37; C. 116; C. 122-127.

    4. Всеобщая история архитектуры, т. XI, изд-во литературы по строительству. - М.: 1973. - С. 522-525; С. 594 - 595.

    ARCHITECTURE - SCULPTURE

    Department of Architecture and Urbanism Peoples Friendship University of Russia Mikluho-Maklaya St., 6, Moscow 117168, Russia

    The important feature of the modem foreign architecture - correlation with other arts and transference of outcomes formal - aesthetic research of painting and sculpture in the architecture.

    The influence of a sculpture on the modem foreign architecture appears in appearance "of the «sculptural" forms of the whole architectural sizes and their fragments, in new correlation of size and space, and also in methods of designing -operation with mock-ups and models.

    Many architects search for new paths of creation of an indicative architectural image, accessing to symbolical and art to plastic compositions, transferring in the architecture receptions (tricks), characteristic for a sculpture.

    Among the architects, whose creativity is bound (interlinked) to a direction of the so-called architecture of a sculpture, an outstanding place borrow (occupy) Frederick Kiesler, Mathias Goeritz, Jacques Couelle, Jom Utzon, Eero Saarinen etc.

    Фирсанов Владимир Михайлович родился в 1931 г., окончил в 1956 г. МАИ. Доктор архитектуры, профессор, зав. кафедрой архитектуры и градостроительства РУДН. Профессор Международной Академии архитектуры, советник Российской Акадимии архитектуры и строительных наук, эксперт ВАК РФ. Автор более 150 научных работ в области архитектуры и градостроительства.

    Firsanov V. М. (Ь. 1931) graduated from Moscow Institute of Air Plane Design in 1956. DSci(Architecure), professor, head of Architecture and Urbanism Department of Peoples" Friendship University of Russia. Professor of the International Academy of Architecture, adviser of the Russian Academy of Architecture, member of the Staff of Supreme Certifying Commission of Russia. Author of more than 150 publications in the field of architecture and urbanism.

    Topic: Architecture

    Тема: Архитектура

    Gothic style, artistic style, which was the final stage in the development of medieval art in Western, Central and partly Eastern Europe (between the mid 12th and 15th to 16th centuries). The term "Gothic" was introduced in the Renaissance as a pejorative designation of all medieval art, considered "barbaric". From the beginning of the 19th century, when for the art of the 10th - 12th centuries. The term Romanesque was adopted, the chronological framework of Gothic was limited, in it early, mature (high) and late phases were distinguished. Gothic style developed in countries where the Catholic Church dominated, and under its aegis feudal-church foundations were preserved in the ideology and culture of the Gothic era. Gothic art remained predominantly religious in purpose and religious in subject matter: it was correlated with eternity, with "higher" irrational forces. For Gothic, the symbolic-allegorical type of thinking and the conventionality of the artistic language are characteristic. From the Romanesque style, Gothic inherited the primacy of architecture in the arts and traditional types of buildings. A special place in the art of Gothic architecture was occupied by the cathedral - the highest example of the synthesis of architecture, sculpture and painting (mainly stained-glass windows).

    Готический стиль, художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой 12 и 15-16 вв.). Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». С начала 19 в., когда для искусства 10 - 12 вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преим. витражей).

    The space of the cathedral, incommensurable with man, the verticalism of its towers and arches, the subordination of the sculpture to dynamic architrable rhythms, the multicolored radiance of the stained-glass windows had a strong emotional impact on the believers. It is difficult to find suitable words to convey the impression of Gothic cathedrals. They are high and stretch to the sky with endless arrows of towers and turrets, wimpers, phials, pointed arches. But more striking is not so much the height, as the richness of the aspects that open when you bypass the Cathedral around. Gothic cathedrals are not only high, but also very long: Chartres, for example, has a length of 130 meters, and the length of its transept is 64 meters, to get around it, it is required to pass at least half a kilometer. And from every point the cathedral looks in a new way. Unlike the Romanesque church, with its clear, easily visible forms, the Gothic cathedral is immense, often asymmetric and even heterogeneous in its parts: each of its facades with its portal is individual. The walls are not felt, they do not seem to be. Arches, galleries, towers, some platforms with arcades, huge windows, farther and farther - infinitely complex, elegant game of openwork forms. And all this space is inhabited: the cathedral inside and outside is inhabited by a mass of sculptures (in the Chartres Cathedral there are about ten thousand statues alone). They occupy not only portals and galleries, they can also be found on the roof, cornices, under the arches of chapels, on spiral staircases, they arise on drainpipes, on consoles. In short, the Gothic cathedral is a whole world. He absorbed the world of a medieval city. The development of Gothic art reflected also the cardinal changes in the structure of the medieval society: the beginning of the formation of centralized states, the growth and strengthening of cities, the nomination of secular forces - urban, commercial and craft, as well as court and knight circles. As the development of public consciousness, crafts and technology weakened the foundations of the medieval religious and dogmatic worldview, opportunities for cognition and aesthetic comprehension of the real world expanded; New architectural types and tectonic systems developed. Urban development and civil architecture were intensively developed. City architectural ensembles included cult and secular buildings, fortifications, bridges, wells. The main city square was often built up with houses with arcades, shopping and warehouses in the lower floors. From the square the main streets were divided; narrow facades of 2-, less than 3-storeyed houses with high, pediments were built along the streets and embankments. The cities were surrounded by powerful walls with richly decorated towers. The castles of kings and feudal lords gradually turned into complex complexes of serfs, palaces and religious buildings. Usually in the center of the city, dominating over its development, there was a castle or cathedral, becoming the focus of city life.In it along with the divine services, theological disputes were arranged, mysteries were played out, and meetings of townspeople took place. The cathedral was thought of as a kind of a collection of knowledge, a symbol of the universe, and its artistic system, combining solemn grandeur with passionate dynamics, the abundance of plastic motifs with a strict hierarchical system of their subordination, expressed not only the ideas of the medieval social hierarchy and the power of divine forces over man, but also growing self-awareness citizens, the creative greatness of the efforts of the human collective. The bold and complex frame structure of the Gothic cathedral, embodying the triumph of the bold engineering philosophy of man, allowed to overcome the massive nature of the Romanesque buildings, to facilitate the walls and arches, to create a dynamic unity of the internal space. In Gothic there is an enrichment and complication of the synthesis of arts, an expansion of the system of plots in which the medieval notions of the world were reflected. The only kind of fine art was sculpture, which received a rich ideological and artistic content and developed plastic forms. The stagnation and isolation of the Roman statues were replaced by the mobility of the figures, their appeal to each other and to the viewer. There was an interest in real natural forms, physical beauty and feelings of a person, a new treatment was given to the topics of motherhood, moral suffering, martyrdom and sacrificial firmness of a person. Organically intertwined in Gothic lyricism and tragic affects, sublime spirituality and social satire, fantastic grotesque and folklore, acute life observations. In the Gothic era, a book miniature flourished and altar painting appeared, the decorative art, connected with the high level of development of the craft craft, reached a high level. Gothic originated in Northern France (Ile-de-France) in the mid 12th century. and reached its heyday in the first half of the 13th century. Stone Gothic cathedrals received their classical form in France. As a rule, these are 3-5-nave basilicas with a transverse nave - a transept and a semicircular bypass of the choir ("de-ambulant"), to which radial chapels ("crown of chapels") adjoin. Their high and spacious interior is illuminated by the colored flickering of stained glass windows. The impression of an uncontrollable movement skyward and to the altar is created by rows of slender pillars, a powerful take-off of pointed pointed arches, a quickened rhythm of the arcades of the upper gallery (triforia). Due to the contrast of the high main and half-dark side naves, there is a picturesque richness of aspects, a sense of the boundlessness of space. The structural basis of the cathedral is a frame of pillars (in a mature Gothic - a bundle of columns) and leaning arches resting on them. The structure of the building consists of rectangular cells (grasses), limited by 4 pillars and 4 arches, which together with the arch-ribs form the skeleton of the cross vault, filled with lightweight small arches - formations. The lateral expanse of the arch of the main nave is transmitted by means of supporting arches (archways) to external pillars-buttresses. The walls released from the load in the intervals between the pillars are cut through the arched windows. Neutralization of the arch of the arch at the expense of bringing out the main structural elements allowed to create a sense of ease and spatial freedom of the interior. The 2-towered western facades of the French cathedrals with three "perspective" portals and a patterned round window ("rose") in the center combine the ascendance with the clear balance of the divisions. On the facades vary pointed arches and rich architectural and plastic and decorative details - patterned wimpergies, vials, crabs, etc. Statues on consoles in front of columns of portals and in their upper arched gallery, reliefs on socles and tympanums of portals, and also on capitals columns form a whole story system, which includes characters and episodes of Scripture, aplegorical images. The best works of Gothic plastics - the statues of the facades of the cathedrals in Chartres, Reims, Amiens, Strasbourg are imbued with spiritual beauty, sincerity and nobility of feelings.The decor is rhythmically organized and strictly subordinated to the architectural divisions of the facade, which determined the harmonious tectonics and proportions of the statues, the solemnity of their poses and gestures. Other parts of the temples were also decorated with reliefs, statues, plant ornament, images of fantastic animals; characterized by an abundance in the decor of secular motifs (scenes of work of artisans and peasants, grotesque and satirical images). The themes of stained-glass windows are also diverse, in the range of which red, blue and yellow tones predominated. The existing Gothic frame system appeared in the church of the abbey of Saint-Denis (1137-44). Early Gothic also includes cathedrals in Lana, Paris, Chartres. The richness of the rhythm, the perfection of the architectural composition and the sculptural decoration are distinguished by the grandiose cathedrals of the mature Gothic in Reims and Amiens, as well as the chapel of Saint-Chapelle in Paris (1243-48) with numerous stained-glass windows. From the middle of the 13th century. majestic cathedrals were built in ancient European countries - in Germany (in Cologne), the Netherlands (in Utrecht), Spain (Burgos, 1221-1599), Great Britain (Westminster Abbey in London), Sweden (in Uppsala), Czech Republic (choir and transept St. Vitus Cathedral in Prague), where Gothic building techniques received a peculiar local interpretation. Crusaders brought the principles of Gothic to Rhodes, Cyprus and Syria. In the late 13 - early 14 centuries. the construction of cathedrals in France was going through a crisis: the architectural forms became drier, the decor was more plentiful, the statues received the same underlined S-shaped bend and features of courtesy. From the 14th century. great importance was acquired by the city and monastery churches, castle and palace chapels. For the late ("flaming") Gothic is characterized by a whimsical, reminiscent of the flames of the pattern of window openings (the church of Saint-Maclou in Rouen). In secular urban architecture, mainly the compositions and decorative techniques of Gothic were used. On the main square of cities were built town halls with abundant decor, often with a tower (town hall in Saint-Cantin, 1351-1509). The castles turned into majestic palaces

    Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры динамичным архитурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих. Трудно найти подходящие слова, чтобы передать впечатление от готических соборов. Они высоки и тянутся к небу бесконечными стрелами башен и башенок, вимпергов, фиалов, заостренных арок. Но больше поражает не столько высота, сколько богатство аспектов, открывающихся, когда обходишь собор кругом.Готические соборы не только высоки, но и очень протяженны: Шартрский, например, имеет в длину 130 метров, а длина его трансепта - 64 метра, чтобы обойти вокруг него, требуется пройти, по крайней мере, полкилометра. И с каждой точки собор смотрится по-новому. В отличие от романской церкви, с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен и даже неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален. Стены не ощущаются, их как бы и нет. Арки, галереи, башни, какие-то площадки с аркадами, громадные окна, все дальше и дальше - бесконечно сложная, изящная игра ажурных форм. И все это пространство обитаемо: собор и внутри, и снаружи населен массой скульптур (в Шартрском соборе около десяти тысяч одних только статуй). Они занимают не только порталы и галереи, их можно найти также и на кровле, карнизах, под сводами капелл, на винтовых лестницах, они возникают на водосточных трубах, на консолях. Словом, готический собор - это целый мир. Он вобрал в себя мир средневекового города.Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники ослабевали устои средневекового религиозно-догматического мировоззрения, расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира; складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады 2-, реже 3-этажных домов с высокими, фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нём наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, происходили собрания горожан. Собор мыслился своего рода сводом знания, символом Вселенной, а его художественный строй, сочетавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой иерархичной системой их соподчинения, выражал не только идеи средневековой общественной иерархии и власти божественных сил над человеком, но и растущее самосознание горожан, творческое величие усилий человеческого коллектива.Смелая и сложная каркасная конструкция готического собора, воплотившая торжество дерзновенной инженерной мысли человека, позволила преодолеть массивность романских построек, облегчить стены и своды, создать динамичное единство внутреннего пространства. В готике происходит обогащение и усложнение синтеза искусств, расширение системы сюжетов, в которой отразились средневековые представления о мире. Осным видом изобразительного искусства была скульптура, получившая богатое идейно-художественное содержание и развитые пластические формы. Застылость и замкнутость романских статуй сменились подвижностью фигур, их обращением друг к другу и к зрителю. Возник интерес к реальным природным формам, к физической красоте и чувствам человека, новую трактовку получили темы материнства, нравственного страдания, мученичества и жертвенной стойкости человека. В готике органически переплелись лиризм и трагические аффекты, возвышенная духовность и социальная сатира, фантастический гротеск и фольклорность, острые жизненные наблюдения. В эпоху готики расцвела книжная миниатюра и появилась алтарная живопись, достигло высокого подъёма декоративное искусство, связанное с высоким уровнем развития цехового ремесла.Готика зародилась в Северной Франции (Иль-де-Франс) в середине 12 в. и достигла расцвета в 1-й половине 13 в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. Как правило, это 3-5-нефные базилики с поперечным нефом - трансептом и полукруговым обходом хора ("деамбулаторием"), к которому примыкают радиальные капеллы ("венец капелл"). Их высокий и просторный интерьер озарён цветным мерцанием витражей. Впечатление неудержимого движения ввысь и к алтарю создаётся рядами стройных столбов, мощным взлётом остроконечных стрельчатых арок, убыстрённым ритмом аркад верхней галереи (трифория). Благодаря контрасту высокого главного и полутёмных боковых нефов возникает живописное богатство аспектов, ощущение беспредельности пространства. Конструктивная основа собора - каркас из столбов (в зрелой готике - пучка колонн) и опирающихся на них стрельчатых арок. Структура здания складывается из прямоугольных ячеек (травей), ограниченных 4 столбами и 4 арками, которые вместе с арками-нервюрами образуют остов крестового свода, заполненного облегчёнными небольшими сводами - распалубками. Боковой распор свода главного нефа передаётся с помощью опорных арок (арк¬бутанов) на наружные столбы- контрфорсы. Освобождённые от нагрузки стены в промежутках между столбами прорезаются арочными окнами. Нейтрализация распора свода за счёт вынесения наружу основных конструктивных элементов позволила создать ощущение лёгкости и пространственной свободы интерьера. 2-башенные западные фасады французских соборов с 3-мя "перспективными" порталами и узорным круглым окном ("розой") в центре сочетают устремление ввысь с ясной уравновешенностью членений. На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали - узорные вимперги, фиалы, краб6ы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аплегорические образы. Лучшие произведения готич пластики - статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством чувств. Декор ритмически организован и строго подчинён архитектурным членениям фасада, что обусловило стройную тектонику и пропорции статуй, торжественность их поз и жестов. Другие части храмов также украшались рельефами, статуями, растительным орнаментом, изображениями фантастических животных; характерно обилие в декоре светских мотивов (сцены труда ремесленников и крестьян, гротескные и сатирические изображения). Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и жёлтые тона.Сложившаяся готическая каркасная система появилась в церкви аббатства Сен-Дени (1137-44). К ранней готике относятся также соборы в Лане, Париже, Шартре. Богатством ритма, совершенством архитектурной композиции и скульптурного декора отличаются грандиозные соборы зрелой готики в Реймсе и Амьене, а также часовня Сент-Шапель в Париже (1243-48) с многочисленными витражами. С середины 13 в. величественные соборы строились в древних европейских странах - в Германии (в Кельне), Нидерландах (в Утрехте), Испании (в Бургосе, 1221- 1599), Великобритании (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Швеции (в Упсале), Чехии (хор и трансепт собора св. Вита в Праге), где готические строительные приёмы получили своеобразную местную интерпретацию. Крестоносцы донесли принципы готики до Родоса, Кипра и Сирии.В конце 13 - начале 14 вв. строительство соборов во Франции переживало кризис: архитектурные формы стали суше, декор обильнее, статуи получили одинаковый подчёркнутый S-образный изгиб и черты куртуазности. С 14 в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви, замковые и дворцовые капеллы. Для поздней ("пламенеющей") готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проемов (церковь Сен-Маклу в Руане). В светском городском зодчестве использовались главным образом композиции и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351-1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки ("отели") богатых горожан.В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и поэолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматичной (нередко экзальтированной) экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, 14-15 вв.). В миниатюрах (часословах) наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объема. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.В Германии расцв

    Архитектура . Первая половина XIX в. ознаменовалась блестящим развитием архитектуры. В начале века прочные позиции в ней занимал классицизм, утвердившийся в конце XVIII в. Затем большое признание получил стиль «ампир». Ампир - разновидность классицизма (поздний классицизм), опирался на художественное наследие императорского Рима (название стиля восходит к слову «император»). Образцом совершенства воспринималась архитектура древнего мира, античные элементы (колонны, портики, фронтоны и т.д.) становились непременными деталями архитектурного оформления зданий. Этому стилю присущи монументальность, ясность и строгость линий, синтез архитектуры и скульптуры. Сооружались триумфальные арки, мемориальные колонны, здания украшались колоннадой, использовалась военная эмблематика. Наиболее яркими представителями этого направления в архитектуре были А.Н.Воронихин (1759-1814), А.Д.Захаров (1761-1811), К.И.Росси (1755-1849), Д.И.Жилярди (1785-1845).

    А.Н.Воронихин выстроил Горный институт и Казанский собор в Петербурге, для которых характерен строгий монументализм. А.Д.Захаров создал здание Адмиралтейства. Он строил также госпитали, провиантские склады и магазины.

    Как Александр I, так и Николай I, продолжая традиции, заложенные Петром Великим, уделяли большое внимание градостроительству. В этот период оно приняло большой размах. Создаются монументальные ансамбли Петербурга, формируются площади Северной столицы - Дворцовая, Сенатская. По проекту К.И.Росси сооружаются новые здания Сената и Синода, завершившие планировку Сенатской площади, а также Главный штаб, закончивший оформление Дворцовой площади. В 20-30-е гг. XIX в. по проектам К.И.Росси возводятся Михайловский дворец с площадью Искусств, Александринский театр, здание публичной библиотеки. Для архитектурных сооружений Росси характерны классическая строгость в сочетании с парадностью и легкостью.

    В Москве стиль русского ампира имел некоторую особенность: более мягкий интимный характер. Это свойственно зданиям и ансамблям, созданным О.И.Бове (1784-1834), Д.И.Жилярди (1785-1845).

    В годы, когда Москва интенсивно отстраивалась после пожара 1812 г., О.И.Бове возводит здания Большого и Малого театров, Триумфальную арку в честь победы русского народа в войне 1812 г., проводит реконструкцию Красной площади, оформляет архитектурный фасад Торговых рядов. Д.Жилярди перестраивает пострадавшее от пожара здание Московского университета. По проектам Жилярди в Москве был построен замечательный дом Луниных. А.А.Бетанкур и О.И.Бове возвели здание Манежа.

    В 30-е годы наметились признаки упадка русского классицизма в архитектуре. Модными становятся псевдорусский стиль и псевдоготика, возрастает интерес к барокко. Эклектические формы классицизма и барокко нашли свое отражение в архитектуре А.А.Монферрана, чьими главными сооружениями являются Исаакиевский собор и Александровская колонна в Петербурге. А.П.Брюллов развивал в архитектуре формы псевдоготики, А.И.Штакеншнейдер - формы барокко.


    По указу Николая I был создан «русско-византийский» стиль, ставший воплощением в архитектуре идеи «православия, самодержавия, народности». Его создателем стал К.А.Тон, по проекту которого были возведены храм Христа Спасителя, Большой Кремлевский дворец и Оружейная палата в Московском Кремле, здания вокзалов Николаевской железной дороги в Москве и Петербурге.

    В 30-40-е гг. XIX в. архитектура начинает приобретать функционально-утилитарный характер. Это отразилось в строительстве доходных домов, которые постепенно стали вытеснять дворянские особняки. Но подавляющее большинство провинциального населения проживало в одноэтажных деревянных домах.

    В первой половине XIX в. в Казани продолжается строительство жилых и общественных зданий. Значительным произведением архитектуры классицизма явилось здание Первой Казанской гимназии (сейчас это первое здание Казанского авиационного университета, ул. К.Маркса, 10). Оно было выстроено в 1808-1811 гг. по проекту архитекторов В.А.Смирнова и Я.М.Шелковникова.

    Большим событием в жизни казанцев стала постройка Гостиного двора, по проекту Ф.Е.Емельянова. Фасад его был выполнен в формах русского классицизма, а колоннада, завершенная фронтоном, - в ионическом стиле.

    Замечательным архитектурным ансамблем, формирующим общественный центр города, стал комплекс Казанского университета. В стиле классицизма было построено главное здание университета (архитектор П.Г.Пятницкий). Университетский городок был выстроен с участием архитектора М.П.Коринфского.

    Интересное явление в архитектуре Казани - резиденция генерал-губернатора в кремле (архитектор А.К.Тон). Здание было стилизовано в византийском стиле.

    Каменное строительство было характерно для центральной части города, в других районах преобладали деревянные здания. Архитектура татарских слобод свидетельствовала о восприятии элементов классицизма. В татарских богатых жилых домах классические формы сочетались с национальными особенностями.

    Особый колорит придавали городу каменные и деревянные мечети, в своей архитектуре сохранившие древние местные традиций.

    Таким образом градостроительство Казани отражало как современные течения в архитектуре России, так и местные традиции татарского зодчества.

    Скульптура . Первая половина XIX в. отмечена расцветом русской скульптуры и в особенности ее монументальных форм. Именно в этот период создавались памятники выдающимся русским людям, надгробия, оригинальные произведения станковой и декоративной пластики. Характерной чертой русской скульптуры означенного периода являются огромные достижения в области синтеза скульптуры и архитектуры.

    Крупнейшим скульптором России конца XVIII - первой половины XIX вв. и видным представителем классицизма в скульптуре является И.П.Мартос (1752-1835). Начав с мемориальной скульптуры и создав замечательные образцы в этом виде искусства (надгробия С.С.Волконской и М.П.Собакиной), к началу XIX в. он обращается к монументальному жанру.

    Выдающимся произведением Мартоса является памятник Минину и Пожарскому в Москве (1804-1818). Постановка памятника напротив Кремля была символическим свидетельством патриотического подъема, который переживало российское общество в те годы. Памятник отличается строгостью и простотой силуэта, эмоциональностью образа, монументальностью пластических форм. При создании памятника скульптор решает и градостроительную задачу - соразмеряет скульптурный образ с огромной площадью. Известны и другие памятники Мартоса - памятник Ришелье в Одессе и Ломоносову в Архангельске.

    Мартос внес вклад в развитие синтеза скульптуры и архитектуры, в особенности при сооружении Казанского собора в Петербурге. Он создал монументальный горельеф «Источение Моисеем воды в пустыне» (1807) на аттике колоннады собора. Мартос изобразил людей, страдающих от мучительной жажды и находящих живительную влагу, источенную Моисеем из камня.

    В монументально-декоративной скульптуре начала первой четверти XIX в. с большим успехом работал Ф.Ф.Щедрин (1751-1825). К лучшим произведениям Щедрина относятся его статуи и скульптурные группы для Адмиралтейства. В аллегориях, созданных мастером, воспето величие России как морской державы, передано торжество человека над силами природы.

    В русле упомянутого жанра развивалось творчество В.И.Демут-Малиновского (1779-1846) и С.С.Пименова (1782-1833). Им принадлежит основное убранство арки Главного штаба, фасадов Александринского театра, Михайловского дворца и других зданий Петербурга.

    Талантливым скульптором был И.И.Теребенев (1780-1815). Наиболее значительное его произведение - горельеф «Заведение флота в России» (1812-1814), помещенный на здании Адмиралтейства. Здесь можно увидеть и портретное изображение Петра, и аллегорические образы вроде Нептуна, Минервы, и образы русских тружеников, тянущих на канатах сети, суда. Изображение сцен труда было необычным явлением в монументальной скульптуре начала XIX в.

    В 30-40-е годы в развитии скульптуры происходят определенные изменения. Образы теряют прежнюю условность, становятся более реальными, но при этом утрачивают монументальность. Жизненность героев передана в творчестве Б.И.Орловского (1792-1838). Он - автор памятников героям Отечественной войны 1812 г., М.И.Кутузову (1829-1832) и М.Б.Барклаю-де-Толли (1829-1837), поставленных у Казанского собора.

    Выдающаяся роль в русской скульптуре принадлежит П.К.Клодту (1805-1867). Одними из ранних крупных работ, которые принесли ему всеобщее признание, были конные группы для Аничкова моста в Петербурге (1849-1850). Не случайно их копии были подарены в Неаполь и Берлин. В этих группах выражена идея покорения человеком природы. Укрощение человеком коня передано в динамичной и темпераментной композиции. В этом произведении отразилось знание характера животного, его повадок, анатомии. Мастерство лепки, выразительность движений и красота силуэта сделали эти скульптурные группы одними из лучших украшений Петербурга.

    Популярен памятник Клодта великому баснописцу И.А.Крылову, установленный в Летнем саду. Писатель изображен сидящим в глубокой задумчивости с книгой в руках, а на постаменте помещены барельефы с различными сценами из басен. Образ имеет совершенно конкретный и бытовой оттенок. Скульптор считался виртуозным мастером литья. Все свои работы Клодт отливал сам и долгое время, являясь профессором Академии художеств, руководил ее литейной мастерской.

    Оригинальные работы в области медальерного искусства принадлежат Ф.П.Толстому (1783-1873). Под впечатлением событий войны 1812 г. он создал серию медальонов («Народное ополчение 1812 года», 1816; «Бородинская битва», 1816), принесшую ему подлинную славу. Его творчество способствовало развитию медальерного искусства.

    Таким образом, российская архитектура и скульптура достигли больших успехов. Они представляли творческий синтез мировых европейских достижений с национальной традицией.

    Музыка

    Музыка занимала особое место в жизни российского общества первой половины XIX в. Музыкальное образование было необходимым компонентом воспитания и просвещения молодого человека. Музыкальная жизнь России была достаточно насыщенной. В 1802 г. было основано Русское Филармоническое общество. Для широкой публики становятся доступными ноты.

    В обществе усилился интерес к камерным и публичным концертам. Особенно привлекали внимание многих композиторов, писателей, художников музыкальные вечера у А.А.Дельвига, В.Ф.Одоевского, в литературном салоне З.А.Волконской. Большим успехом у публики пользовались летние концертные сезоны в Павловске, которые стали устраиваться с 1838 г., когда сюда была проведена железная дорога из Петербурга. Неоднократно в этих концертах выступал австрийский композитор и дирижер И.Штраус.

    В первые десятилетия XIX в. большое распространение получила камерно-вокальная музыка. Особенной любовью слушателей пользовались романсы А.А.Алябьева («Соловей»), А.Е.Варламова («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метет...» и др.), (романсы, песни в народном стиле - «Колокольчик», «Вьется ласточка сизокрылая...» А.Л.Гурилева).

    Оперный репертуар русских театров в начале века состоял преимущественно из произведений французских и итальянских композиторов. Русская опера развивалась главным образом в жанре былинного характера. Лучшим представителем этого направления был А.Н.Верстовский, автор оперы «Аскольдова могила» (1835), а также нескольких музыкальных баллад и романсов («Черная шаль» и др.). В операх и балладах А.Н.Верстовского сказалось влияние романтизма. В опере «Аскольдова могила» отражалось характерное для романтического искусства обращение к историческим сюжетам и эпосу, который фиксировал представление народа о своем прошлом.

    Приблизиться к уровню великих творений западноевропейских композиторов - Баха, Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. можно было только на основе глубокого освоения народно-национального мелодизма с одновременным его преображением в русле основных завоеваний европейской музыкальной культуры. Эта работа началась еще в XVIII в. (Е.Формин, Ф.Дубянский, М.Соколовский) и с успехом продолжалась в первые десятилетия XIX в. А.Алябьевым, А.Гурилевым, А.Варламовым, А.Верстовским. Однако начало нового (классического) периода в развитии русской музыки связано с именем М.И.Глинки.

    М.И.Глинка (1804-1857) принадлежал к дворянской фамилии из Смоленской губернии. Первые музыкальные впечатления Глинка получил от крепостного оркестра своего дяди. Русские народные песни, услышанные в детстве, оказали большое влияние на характер музыкальных произведений Глинки. В конце 20-х - начале 30-х XIX в. Глинка создал ряд выдающихся вокальных произведений, в том числе такие романсы, как «Ночной зефир» (стихи А.С.Пушкина, 1834), «Сомнение» (1838), «Я помню чудное мгновенье...» (1840). Выдающимся событием в музыкальной жизни России явилась постановка в 1836 г. оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). В лице костромского крестьянина Ивана Сусанина композитор показал величие простого народа, его мужество и стойкость. Новаторство Глинки состояло в том, что представитель русского народа, русский крестьянин стал центральной фигурой музыкального повествования. Народно-героический пафос получил яркое воплощение на основе виртуозной техники и большого разнообразия вокально-инструментальных партий. Опера «Жизнь за царя» стала первой классической русской оперой, которая положила начало мировому признанию русской музыки. Великосветское общество довольно сухо встретило оперу, но истинные ценители искусства восторженно приветствовали спектакль. Поклонниками оперы были А.С.Пушкин, Н.В.Гоголь, В.Г.Белинский, В.Ф.Одоевский и др.

    Вслед за первой оперой Глинка написал вторую - «Руслан и Людмила» (1842) по сказке А.С.Пушкина. На стихи Пушкина Глинка написал ряд замечательных романсов, и поныне пользующихся широкой известностью. Романс «Я помню чудное мгновенье» убеждает, насколько музыкальный стиль Глинки был близок пушкинской лирике. Глинка явился автором инструментальных пьес, симфонической поэмы «Камаринская».

    Трудно переоценить вклад Глинки в развитие русской национальной музыки. Глинка - родоначальник жанров отечественной профессиональной музыки. Он создал национальную русскую оперу, русский романс. Глинка был первым русским музыкальным классиком. Он был основоположником национальной школы в музыке.

    Другим замечательным композитором был А.С.Даргомыжский (1813-1869) - ученик М.И.Глинки. Для его творчества характерна большая драматическая напряженность (опера «Русалка», 1856). Даргомыжский брал сюжеты из обыденной жизни и выбирал своими героями простых людей. Русская интеллигенция приветствовала оперу Даргомыжского «Русалка», где изображалась горькая участь крестьянской девушки, обманутой князем. Это произведение было созвучно общественным настроениям предреформенной эпохи. Даргомыжский выступил новатором в музыке. Он привнес в нее новые приемы и средства музыкальной выразительности. Именно в опере Даргомыжского «Каменный гость» появился выразительный мелодичный речитатив. Декламационная форма пения оказала большое влияние на последующее развитие русской оперы.

    История музыки первой половины XIX в. свидетельствует о том, что идет дальнейшее освоение жанров, появление новых приемов и средств музыкальной выразительности, освоение музыкального наследия народа. Главным итогом этого периода является возникновение музыкальной классики, создание русской национальной школы в музыке.